艺术美术论文汇总十篇

序论：好文章的创作是一个不断探索和完善的过程，我们为您推荐十篇艺术美术论文范例，希望它们能助您一臂之力，提升您的阅读品质，带来更深刻的阅读感受。

篇（1）

在湖北农村地区，存在着许多被人们代代传承下来的传统民俗工艺和文化。例如红安的土家绣花鞋垫、阳新县的布贴、仙桃和鄂州的雕花剪纸、老河口的木板年画等。就阳新布贴来说，阳新布贴又名“补花”，是刺绣的一种，在深蓝色或黑色的布料上用做衣服的边角碎料贴成五彩斑斓的图案，再用针线沿边刺绣，呈现出漆黑点金的色彩效果。作品具有浅浮雕效果，用于装饰衣服鞋帽，布枕童玩等，常承载着母爱。其造型野逸不求形似，纹样众多，以寓意象征和心象造型。其组合构图不拘时空，天上人间亦或山禽水族皆可集于一局，极度自由。其取材民年间故事、民俗风情、戏曲人物，如观音座莲、金鸡鲤鱼、凤戏牡丹等图案。纵观这些特点，充分体现出原始稚拙、浪漫遐想和强烈厚重的楚文化特征。阳新布贴取材方便，制作方法简单，造型构图不拘一格，色彩表现力强，非常适合引入到中小学的美术课堂当中。除了阳新布贴以外，湖北农村地区其他的民俗工艺也极具魅力，将这些民俗艺术应用到中小学的特色美术教育中，不仅有利于传统民族文化的继承与发扬，更是有利于学生的主观审美情感和想象力创造力的培养。

（二）湖北地区民俗艺术应用现状

在现在实行的湖北农村地区中小学的美术教材当中，已经开始将一些民俗艺术融合到课程当中。例如2010年人教版小学五年级下学期的美术教科书，其中的第八课要求学生用剪纸或者拼贴的方式表现十二生肖或自己的属相，可拟人化。在2013年人教版初中三年级下学期的美术教材中，《我们身边的美术遗存》一课要求学生自己去发现探索身边的民俗艺术，教师再将其中一些代表艺术给学生们进行欣赏以及分析评述。但是类似这样的课程还是相对较少，更多的还是一些专业的素描训练以及名画赏析，可能对于农村孩子来说，这些是陌生而又晦涩难懂的。教材内容上，与农村孩子个性特点和心理发展水平不符，简单划一，有明显的成人化倾向，致使农村孩子的知识水平与教材出现了断层现象。另外，教师在世纪教学中刻板枯燥，一味地加强绘画的技巧的训练，主要以临摹为主，让学生依照范画依葫芦壶瓢，学生学得被动消极、机械乏味，严重阻碍了其想象力和个性的发展。学生无法发挥创作精神，长此已久，学生的思想开始懒惰懈怠，就会演变成老师出示什么，学生就基本不动脑筋的画什么，致使他们对于课堂缺乏积极性，学习兴趣变得越来越淡然。

二、湖北农村地区民俗艺术

在中小学美术教育中的引用湖北农村地区民俗文化的多样性和丰富性，为其农村地区的中小学特色美术教育提供了可利用的、良好的资源和素材。那么我们在积极传承这些文化并且将其引用到美术教学中，是具有科学依据和全面要求的。

（一）民俗艺术与美术新课程的契合

在中小学的美术教育中引入民俗艺术，是合乎我国美术新课程标准的要求的，民俗艺术与美术新课程两者之间有很大的契合。美术教学资源的发掘和应用在课程标准中十分重视，作为美术教师要学会在实际生活中发现资源、开发资源、整合资源、利用资源来教学。美术课程标准在叙述美术的价值中提到“引导学生参与文化的传承与交流”，这里的“传承”、“交流”实际上指各个地区和不同种类的民俗艺术之间的相互影响融合以及整个中华民族优秀艺术文化的继承和发扬，而民俗艺术作为中华文化的重要组成部分，更加需要传承交流，这一点看来正是美术新课程与民俗艺术的最大的契合之处。此外，新课程标准将中小学美术教学的阶段目标分为“欣赏•评述”阶段、“造型•表现”阶段、“设计•应用”阶段、“综合•探索”阶段。教师在指导学习民俗艺术的同时，也应该带领学生一起完成相应的教学目标。

（二）美术特色

教育中农村地区独特的条件在湖北农村地区中小学美术特色教育中，引入民俗艺术是完全可行的，并且应该积极推广的。农村虽然在经济水平和物质条件等很多方面不及城市，但并不意味着美术教育在农村的实行就比在城市实行艰难得很多。相反的是，客观上农村的美术教育存在着很多优势，各具特色的民间文化艺术和得天独厚的自然环境，提供了就地选取教学教材资源的机会，富有生命力的地域特色民间民俗文化提供了丰富的创作素材。与城市相比较，农村地区流传下来的的民俗艺术和工艺种类更多、技艺更完善一些。作为农村的学生，学习的课程是他们身边周围的、耳濡目染的、与生活经验有关系的、有民俗特征的东西，可以激发他们学习的积极性和主动性，引导他们从自己周边的事物以及亲身感受中先由此及彼的联想，进而转化为自由想象。教师应该有选择性地真实地展现本地的民俗艺术，并加以一定的转换，在农村中小学的美术教育中融入进去。

（三）民俗文化

引入美术教学的要求在将民俗文化引用到中小学美术教育课堂时，我们应注意一些要求。首先，湖北省内不同的地区要因地制宜，依据当地的民俗艺术特点和实际情况教学，不同地区的文化和民俗都有各自的特点，不能强搬硬套其他地区的方法。美术教师应该突破瓶颈和限制，根据当地的实际情况，发挥当地资源优势，因地制宜的开发民间乡土资源，灵活运用现有教材。其次，同一地区不同种类民俗艺术有不同的特征，各类民俗艺术的文化背景、实践的复杂程度、素材可选择的范围等，根据这些特点可将课程分为欣赏课和实践课，从而带领学生完成“欣赏•评述”和“综合•探索”等目标。最后，根据小学、初中、高中各个阶段的学生自身特点，因材施教，运用多种教学方式，提高学生对当地民俗艺术学习的积极性和主动性。

（四）民俗艺术

在中小学特色美术教育的作用民俗艺术在中小学特色美术教育中有很大的作用，为教育教学注入了新的活力，提供了新的思路，开阔了更宽广的空间。第一，民俗艺术为中小学特色美术教育提供了创作素材和教学资源，在美术实际教学中可以收集到一些传统手工艺品及儿歌谚语等来更加形象生动的教学。民俗艺术通俗易懂，与现实生活密切相关，也是朴素的美术教材。第二，民俗艺术为中小学特色美术教育扩展了研究空间，有利于完成在民俗艺术资源的发掘与利用方面、保护与传承方面以及借助民俗艺术如何促进中小学学生发展等方面的探索。第三，民俗艺术融合到中小学特色美术教育中增强学生对家乡的热爱，在学习民俗艺术的同时让学生们感悟到中华传统艺术的思想精神，了解中华文明，既将审美意识提高了，又让他们作为家乡人和中国人而光荣。第四，民俗艺术融合到中小学美术课程中对培养学生的想象思维和创造能力有很大的帮助，朴质简洁的民俗工艺品，体现了装饰性和形式感，有着超越时空的想象，无固定死板的规则束缚，符合中小学生活跃的思维。学生可以充分的发挥想象力和创造力，做出有个人特色的作品。

篇（2）

二、现代社会中美术艺术设计更趋于简约性且更具冲击力

在如今快节奏的生活氛围下，人们越来越追求精神上的放松和享受。在繁重的精神压力和生活压力作用下，人们对艺术作品的审美需求越发的简洁化，因为简洁明快的美术艺术设计可以在一定程度上缓解人们紧绷的神经，因此简约化已经成为现代社会对美术艺术设计的又一要求。要做到简约化，就要求美术艺术设计者在进行艺术设计时尽量的将设计理念以最简洁明了的方式表达出来，与此同时还要不失美感。艺术要想持续的流传下去，脱离不了一定的商业性。作为美术艺术设计本身，要想具有一定的商业性就要具有吸引消费者的实力，而视觉冲击力恰恰是一件作品吸引人的直观感受。适当的视觉冲击，可以舒缓和释放内心的压力和疲倦，有助于作品的商业化。

三、现代社会中美术艺术设计更趋于民族化和全球化的统一

所谓美术艺术设计的民族化，是指本民族的审美与艺术风格经过长期的发展和积淀形成的自身艺术特点。在如今，民族化与全球化已经成为影响人们文化审美情趣的重要原因。两者在本质上并不矛盾，对于美术艺术设计的长远发展而言，两者应该得到有效的结合，博采众长，对民族文化有足够的自信心，然后走向全球化。

篇（3）

二、陈设艺术融入生活是其发展的必然趋势陈设艺术的载体

往往是与传统生活紧密关联的工具，如陶盆、瓷器、羽扇、文房四宝等器具，大多是当时人们经常使用的物件。工具物的诞生既是源于生活的创造发明，又是原始审美的创造行为。我们往往把早期的工具当作现代艺术品，而陈设艺术的回归本质上就是逐步融入生活的过程。如果把一栋建筑比作人的话，陈设便宛若空间的五官。好的陈设，能够与建筑、室内相得益彰、相映成趣，起到画龙点睛的作用。现阶段，很多设计公司的陈设水平并不高，仍处于风格化的阶段，也就是我们所说的情境，比如中式风格，就会摆设这种风格的饰品，做到和室内设计的协调，达到中式的一种生活情境。但能达到《遵生八笺•燕闲清赏笺》中描述的“虽咽水餐云，亦足以忘饥永日，冰玉吾斋，一洗人间氛垢矣”这种情境的估计很少。实际上，陈设发展到了成熟的阶段，屋子里摆的每一件好看的东西都具有实用性，那才说明陈设艺术真正成熟了、进步了。可以这样来区分，风格化的陈设存在于样板间；艺术化的陈设存在于小众范围内，所占的市场份额较小，只有生活化的陈设是适用于大众层面的，能够普遍提高人们的生活质素。

三、人的修养和陈设艺术的交互影响

陈设艺术是空间环境中个人修养的重要体现，往往通过装饰细节和整体意境的营造产生区别。我们可以从对材质搭配、图案选择、器物陈列、色彩关系等角度进行思考。另外，陈设艺术品具有可移动性，居住者可根据空间的结构进行选择性摆设，所以更加考验个体的审美功力。空间中的陈设意境是个体修养的视觉表象。反过来，环境也对人的精神状态产生了重要影响。如“以华为贵”的陈设现象，把价格昂贵的象牙雕、贴金的雕塑等摆在空间中最显眼的地方，以示华贵富有，是人对物质欲的心理需求。日本茶道千利休以“和敬清寂”四字为宗旨，评价一间茶室是否有品位，只看在空无一物至简、至纯的空间里摆什么壶，会插一支什么花，这些物品的意境就是主人细微情感的体现，甚至对进入空间的人都产生了重要的心理暗示——宁静平淡，满足精神上的愉悦，这也是东方的陈设艺术所追求的意境。所以说，在陈设设计上需要调整对家居陈设的心态，家居中的陈设都是用来把玩和享用的，而且是我们生活中沉默的“亲友”，其会陪伴发现并安顿我们内心里那些细微的情感需求。近年来，花间堂酒店系列、广州的四季酒店就通过对传统工艺美术文化的保存和弘扬，在西方的形式里透露出的东方高雅的气质，也就是对生活形式的艺术化行为，在市场上已经取得较好评价。因此，陈设设计师应该随着设计的深入更加注重陈设的设计内涵，为人类创造真、善、美一体化理想的意境追求。结语近年来，房地产行业的快速发展带来了陈设艺术的短期繁荣，但粗放型的行业发展现状不符合可持续性发展的需求，需要对自身命运和未来发展有主动的思考。

篇（4）

二、培养学生良好的美术学习习惯

美术教师要想实现教学目标，产生预期的教学效果，就必须深入研究现行美术教材，并根据自己学生的身心发展特点和年龄特征，找出教材与学生的最佳结合点，使学生对美术教学产生浓厚的兴趣，从而培养学生良好的美术学习习惯和学习方法。美术课由于以学生活动为主，且学生学习活动多种多样，跟其他学科有着本质的区别，如果不认真组织教学，不管控好课堂，易造成课堂混乱局面，也影响了课堂教学效果。美术教师在课堂秩序混乱的情形下，有时对学生大声批评、指责，甚至惩罚，但学生的逆反心理非常强，你越压制，反而闹得越欢。教师只有冷静下来，用耐心和平静对待，就能使学生慢慢安静下来。另外，教师要潜心研究美术教材内容，发掘教材中易产生学生浓厚兴趣的知识点，让学生对所学的对象产生一种情感。如教师可以对美术课文的题目进行引发悬念的修改，可以通过欣赏学生优秀习作，使学生产生新奇感，有了主动学习的愿望，课堂秩序就会井井有条，学习习惯也就自然养成了。

三、重视对优秀美术作品的赏析赏评

篇（5）

一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。

最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。

现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”

等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。

一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。

在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭

记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。

从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。

中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。

我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。

说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。

中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。

三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。

纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。

一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。

从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。

中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变 化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。

除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。

四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。

不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。

在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》

中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:

笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。

臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。

诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。

笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。

笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。

笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。

墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。

墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。

镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。

水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。

砚滴:又称水滴、书滴,贮存砚水供磨墨之用。

篇（6）

二、以活泼的教学互动为高效美术课堂增加活力

小学生生性好动、活泼可爱，尤其是在美术课堂这样更具开放性和操作性的开放环境中，教师更要注意激发学生的活力，不能禁锢他们的天性，要以活泼的教学互动打造高效美术课堂。首先，教师在艺术欣赏领域不能代为包办，要让学生自己学会观察，学会思考与表达，将自己对艺术的领悟用语言描述出来。教师重在指导学生学会观察和欣赏美术作品，从造型、色彩以及明暗等方面鉴赏艺术作品，并学会用自己的语言表达出来。这样的引导过程不仅帮助学生加深了对艺术作品的理解感悟效果，而且有助于学生鉴赏能力的提升。在一些操作类、实践类学习中，无论是绘画还是手工创作，教师都要给予学生更加宽泛的自主空间，可以提示之后让学生独立的去完成，这既是培养学生动手能力、训练美术技巧的过程，也是培养创新思维、激发创新灵感的重要路径。教师对学生创作出的不同风格、不同类型、不同主题的作品，要以包容的思维进行评价，本着激励性原则肯定学生在艺术创作中的创新思维，同时也要强化技巧技法的指导让学生既能够掌握本领，也能够发散思维，提高创新创优能力。

三、以先进的教学手段为高效美术课堂拓展空间

小学美术教学仅仅依靠教材的图片，不仅数量少，而且观察效果也不理想。教师应当将多媒体手段的运用纳入到高效美术课堂打造之中。一方面对教材中涉及的图像通过教学课件进行生动演示，提高学生观察效果，进一步感悟画面所蕴含的意境思想，更加直观地分析色彩比例等等，让学生的感官刺激更加深刻，有助于提高学生鉴赏能力。另一方面。教师还可以运用多媒体手段直观演示动物的图片、景观的图片等等，让学生边欣赏边临摹，整个教学过程信息量更大，直观性更高。教学手段在美术教学中的运用还可以体现在图像演示与音乐播放的融合，让学生在轻音乐烘托下，身心愉悦地进行欣赏和创作，让学生感受到美术学习过程的轻松愉快。

篇（7）

21世纪，随着科学技术的跨越式进步，计算机和科学技术产业得到迅猛发展，而由人类智慧和高新科技相结合而形成的数字内容产业相对应的得到飞快发展，并以惊人的速度发展到新世纪知识经济的顶梁柱产业。众所周知，数字媒体是以数字化的文字、声音、图像、图形、动画和视频影像等作为信息载体，从而通过科技手段进行传播和发展。而数字媒体艺术基本特征为：交叉使用网络媒体，里边包含了电脑动画的制作、影视广告的拍摄、数字音乐的播放，还有诸如网络游戏、模拟现实、网络行为艺术、录像、互动装置和DV（数字视频）等。本文对数字媒体艺术的现状，特点，在教育中的应用，就业方向及发展趋势等进行了分析。

关键词：

数字媒体艺术 形式 争议 发展 应用 影响

科学技术的迅猛发展推进了数字媒体的运用与发展。人类把高端网络技术与数字通讯技术有效结合起来，逐步取代传统的广播、电视、电影，并快速地朝数字音频、视频和电影产业发展。因此，数字产业、虚拟现实、电脑动画等信息产业构成了新世界崭新的数字传播媒体，并逐步发展成为了巨大的产业链，最终数字媒体艺术逐步在知识经济产业占有举足轻重的地位。

1、数字媒体艺术概述

纵观近几年，数字媒体艺术在知识经济时代得到迅猛发展。数字媒体艺术的概念也渗入人心，大家各持己见，但是大部分的理解都是一样的。简单的说，数字媒体艺术就是艺术的创造和形成过程。它依赖于计算机技术的发展和现有的资讯、 图像等科学领域的研究成果，把它们进行艺术加工，利用现代传媒进行传播，从而形成数字媒体艺术。与其他艺术形式相比，数字媒体艺术的独特之处在于它的表现形式和艺术创作过程部分或者全部都得依托数字科技手段。通过数字媒体或数字艺术而产生的设计作品或者是视觉艺术是其应用表现之一。从目前来看，数字媒体艺术堪称艺术设计中活力四射和发展潜力无限的一门艺术。随着社会和技术的发展，数字媒体技术将呈现更独特和更具魅力的一面给大家。

2、对数字媒体艺术应用特点剖析

2.1 数字媒体艺术的创作 创作的数字媒体艺术并不是一味的依靠排斥以前的工艺技巧，而是运用数字平台创作出独特和自成一体的艺术作品。它所创作出的数字艺术作品能够使观众参与其中，并融入角色。大众参与的交互可以颠覆角色，大众不仅能使作品效果改变，并且有机会成为作品的一部分。

2.2 数字媒体艺术表现特征 数字媒体艺术可简单拆分为“数字”和“数字艺术”。现有的数字和电脑技术的应用可理解成“数字”。而“数字艺术”就是通过 “数字”创造出的作品。“媒体”是数字艺术的一个媒介。

3、数字媒体艺术专业就业方向和发展趋势

3.1 数字媒体技术就业发展 数字媒体艺术的人才培养方向是技术与艺术两者兼备的复合型人才。技术和艺术在数字媒体艺术中相辅相成。传统教育缺少技术与艺术两者兼备的数字媒体艺术人才，而此类人才的培养也符合新兴市场的需求，他们的就业方向主要各级电视台、影视动画制作单位、传媒与广告公司、数码艺术公司、展示设计公司、形象企划公司、多媒体与网页设计、室内装修设计、产品造型设计等热门行业。置身于数字媒体艺术领域的发展是明智的选择，因为它隐藏了巨大的发展潜力。数字媒体艺术在2002年底正式通过教育部的本科专业审批，成为信息学科向文化艺术领域拓展的新方向。审批通过后，清华大学、北京航空航天大学、浙江大学、广东工业大学等高校陆续增添与数字媒体艺术相关的专业，以此满足市场需求。据相关人士统计透露，我国每年对数字艺术人才的缺口是15万。而电视卡通业就有每年200亿元的广阔市场。市场的广阔和需求量使多媒体产业演变成巨大的经济产业。有专家指出，伴随着科学技术的发展，大众对视觉美感的要求也逐步提高。

3.2 产业化背景下的数字媒体艺术 以英国这样的发达国家为例，仅在2000年，数字技术产业（包含数字内容）的年产值就超过600亿英磅，而出口产值就远超过80亿英镑。以数字技术产业相关的雇佣人数共计约195万人，产值占GDP的7.9%。从数据表明，数字技术产业是英国的第一大产业。美国，作为全球的唯一超级大国，以电影和电脑软件为主要的数字技术产业，每年的营业额大于4000亿美元，占GDP的4%。更为惊人的是数字技术产业（媒体艺术、电子游戏、动漫卡通等）在日本的产值超过钢铁行业生产总值的两倍。这一产值使日本的数字技术产业成为仅次于汽车产业的第二大产业。据相关数据统计表明，截至目前为止，用电脑直接从事数码艺术工作的有将近十万人。除此之外，每年有三十多万人接受相关数码产业的职业技能培训。韩国的数字技术产业以游戏产业尤为出名，并且已经一跃位居韩国的第一大产业，连汽车产业也位居其后。数字技术产业在中国的发展也相当的乐观，并且网络游戏在这一行业显得尤为突出。根据国际数据公司（IDC）得出，相比于2002年的中国的网络游戏市场，2003年的网络游戏市场的规模发展得到飞跃式的进步，产值达到13.2亿RMB，2004年达到39.1亿RMB。从2003年到2004年净增长了25.9亿RMB，产值一下翻了两翻。由此数据表明，中国的网络游戏市场巨大，隐藏巨大商机。在动画方面，专家预测：中国的动漫产业具有无比巨大的市场，产值预计可达到200亿元。仅仅在中国的发达城市，如上海、北京、广州三地的青少年动漫消费就能达到13亿元。其消费人群的年龄是介于13岁到30岁。此外，动漫产业还能带动与之相关的产业的发展，如文具产业、儿童食品、儿童服装、儿童音像制品、和各类儿童出版物。这些产业的年产值总共是2050亿元。这些产值都是由动漫产业带来的，收入相当可观。

3.3 数字媒体艺术发展形式 数字媒体艺术的新美学特征在于它打破常规，把高难度和神秘化的东西转化为大家都能接受和能明白的艺术表现形式，给人一场视觉上的盛宴。数字媒体艺术把科学元素和艺术元素科学结合起来，以简单的破译方式呈现给大家。作品的繁华与灿烂，惊艳与绝美，对数字媒体艺术来说就是通过电脑的编程来全自动化的诠释与解读。无论是艺术的形式还是内容，在电脑上它们都具有同一性。在艺术领域，数字媒体艺术的发展是对这一领域革命性的颠覆，具有里程碑的意义。不同的艺术信息可以实现相互转换，而大家也能享受到非凡的视觉特效和艺术视野。

数字媒体艺术与三棱镜有着惊人的相同点。三棱镜观察者的角度不同，它相对应折射出的光芒也不同。而数字媒体艺术也如此。数字媒体艺术作为一种新的艺术形式，依托数字科技和现代传媒技术，将人的理性思维和艺术感性思维融为一体，以崭新而又独特的形式展现给大家。它由艺术层、科技层、媒体层、应用层相互交叉构成，包括广泛的商业设计和大众艺术。数字媒体艺术具有创作工具的数字化、作品展示的交互性、作品呈现的多态性、表现题材的广泛性特征。其具体的呈现为：创作过程是先由各类艺术（影视艺术、合成艺术、网络艺术等）与计算机技术的有效结合，以互联网作为传播媒体，最后的一步就是结合智能软件，最终产出艺术作品。科技的进步和观念的创新将成为推动数字媒体艺术发展的动力，而创意产业和信息设计将是数字媒体艺术的发展主流，数字媒体艺术引领艺术创新到更加非凡独特的思维和更宽、更广的视野。

4、结束语

由上综述得出，数字媒体技术的发展无论在手段上，传播途径和传播空间上都为艺术创作提供了更为广阔的空间。数字媒体艺术也将也将伴随着人类进入“数字化生存”的时代逐步成为艺术最具代表性的形式。数字媒体技术的发展前景无可估量。基于这一现状，时代生产力和数字信息技术及新媒体的渗透对数字媒体艺术发展产生越来越大的影响，这样，数字媒体艺术与传统艺术和传统美学的关系越来越紧密。

参考文献：

[1]李四达.数字媒体艺术的理论探索[J].饰，2006（3）.

[2]李四达.后影像时代的新媒体艺术探索——数字媒体与当代艺术的融合[J].饰，2007（4）.

篇（8）

当前，随着社会主义现代化建设的不断深入，高考扩招成了一大趋势。社会的发展需要高素质、高能力的人才，艺术设计人才也一样。通过对相关数据资料进行分析可知，近20年来，我国某美术高校的招生人数一直在不断扩大，已增加了将近30倍。高校扩招会促使艺术设计毕业生的数量大幅增长，为社会提供了更多艺术设计方面的人才。但倘若高校不结合社会供需的实际情况进行盲目扩招，就会导致大量问题的出现。比如，为了获得更多的经济利益，某高校进行了扩招，但由于缺乏专业的师资队伍、完善的教学设备，该高校的教学质量出现了严重下降，学生无法获得优质的教育。

（二）教学方式方法方面的问题

通过对我国高校艺术设计教育的现状进行分析可知，现代教育中存在着很多不足，是阻碍艺术设计教育工作取得进展的因素。现行教学大纲中的套话较多，学生在课堂上所学的知识缺乏现实实践性和可操作性，仅仅是烂熟于心的纸上谈兵。另外，学校提供给学生的思考空间以及实践机会也十分有限。究其原因，在于我国当前的高校美术及艺术设计教育体制存在着诸多问题，即教学内容空泛、教学目标模糊、教学手段落后以及课程安排不合理。另外，在许多高校，美术及艺术设计专业的教师大多只注重学生的技巧培训，而不重视对学生的实践指导。还有一部分教师不致力于做学问，不及时对自身的教学方法以及教学内容进行革新，过度追逐名利。在这样的情况下，我国高校艺术设计教育工作就会面临诸多问题，遇到教学瓶颈。

二、发展我国高校艺术设计教育的相关措施

（一）课程设置要连贯

在设置美术及艺术设计专业课程时，教师应将课程的连贯性放在突出位置，既注重培养学生的基础技能，又充分尊重学生的主体性，提高学生的自主学习能力，促进学生创新思维和创新能力的提升。而在培养学生的专业技能时，要加强其理论、专业、设计以及造型等基础知识的传授。学校还要及时把握市场最新动态，将教学与市场需求有机地结合起来，不断提升学生的综合素养；或者通过定期举办相关讲座，举行画展、设计制作展或摄影比赛等，来不断拓宽学生的知识面。在教学过程中，教师要不断创新教学思路和方法，注重培养学生的实际创作能力、想象力以及表现力等，同时还要坚持与时俱进，实现科技与艺术设计专业的协同发展，加强对网络技术的开发和研究，帮助学生掌握美术及艺术设计专业软件的相关应用原理，全方面地提升学生素质，使他们更好地适应社会需求。同时，学校要优化设置课程组合，保证课程的连贯性，节省教学成本，减轻学生的课业负担，激发学生的学习热情。此外，高校在开展美术及艺术设计专业课程时，要注意吸收传统文化的精髓，将中国的传统文化融入到世界流行时尚文化中，推进我国传统文化的不断发展和进步。

（二）转变教学观念

随着时代的进步以及经济的发展，具有良好的思想道德以及广阔知识面的综合型人才广受社会各界的欢迎。因此，高校艺术设计专业需转变教学观念，结合不同专业的基础教学和专业课程，对学生的艺术潜质以及审美能力进行培养，使学生的创新能力、艺术品位得到大力提升，并引导学生将所学知识和实践充分结合起来。另外，学校还需对当前社会的实际需求进行深入分析，及时调整教学目标及专业课程安排，针对学生的兴趣爱好及特长进行个性化的培养，并为他们制定科学合理的学习计划，真正做到因材施教。相信依靠这种方法，艺术设计专业学生的综合素质以及美术技能才能得到有效提升，高校才能为社会培养出更多优秀的美术人才。

（三）培养学生的创新思维

艺术要取得持久的进步和发展，就必须要创新，而创新需要我们有+扎实的美术基本功和创新能力。对于高校美术及艺术设计专业的学生而言，创新性就是指学生在学习过程中对不同的艺术元素进行想象和组合，通过再创造所呈现出来的新的、合理的、完整的形象。对此，在上专业写生等具体课程时，教师应允许学生在具备了一定的功底之后，适当地在作品中表达自己的观点，发挥想象，并将其作为考察的一部分。具体的创新内容既可以是空间上的创新，也可以是构图上的创新。此外，教师要合理把控学生的想象，避免他们走弯路或不切实际的创作，对他们的创造性思维及时予以肯定并指出其存在的问题，提高其创新的水平。

（四）完善教学内容

美术院校需结合实际对课程内容进行拓宽，即将学生文化素质的提升作为教学的重点，提供给学生更多与外界接触的机会。通过学习其他课程或办讲座，学生与社会之间的联系就会得到深化，他们的专业技能以及文化素养便会随之得到提升。另外，教学内容的设置需具有针对性，即要将学生创新能力的培养作为教学重点，引导学生对艺术设计的文化内涵进行深入探索，变之前的被动学习为主动学习。技巧、技法只是帮助学生完成绘画或设计的工具，艺术设计学习的真正核心应是提升学生的文化素养以及创新能力。只有不断完善教学内容，才能帮助学生获得全面发展，进而为社会培养出更优秀的综合型艺术人才。最后，高校艺术设计教育需结合自身实际以及社会发展的需要，引导学生树立正确科学的艺术观。

篇（9）

【摘 要】艺术考察课程能为学生创作、学习搜集许多宝贵的原始素材，它的重要性使其成为艺术设计专业的必修课程。但如今高校艺术考察课程的开展存在着管理不规范、学生被动学习、课程质量难以保证的诸多问题。本文将对面临的问题和教学设置提出大胆设想。

【关键词】艺术设计 考察 教学改革

艺术考察课程是艺术设计专业的一门重要的专业课程。教育部在2005年的《全国普通高等学校美术学（教师教育）本科专业课程设置指导方案（试行）》中，明确将艺术考察课程作为社会实践部分列为必修课程。该课程的目的在于通过考察实践，为前期学习的多门专业课程找到现实的依托，巩固课堂所学知识，使得理论知识和社会实践有机结合。从而达到开阔学生的眼界，培养学生创造性思维，训练学生搜集、提炼和归纳素材的能力，为学生创作作品提供思想源泉和有力保障的教学效果。

一、目前艺术考查课程存在的主要问题

但我国目前许多院校的艺术考察课程管理并不规范，教学效果并不理想，学生认可程度低。很多学生和家长将艺术考察课程和旅游画上等号，认为学校组织学生花钱旅游很没有必要。笔者通过该门课程的教学实践和网上调研了解，认为艺术考察课程主要存在以下问题：

首先，课程管理不规范，教师教学存在很大的随意性。学校的态度将潜在教学目标定位为学生不出安全问题即可。考察内容不清晰，考察重点和目标不够明确，且在过程中，教师往往不能有效进行知识讲解。教学流于形式，导致学生被动学习，许多学生也就真正把该课程当成旅游。

其次，考察点意向难以协调。随着扩招的步伐，各大高校纷纷增加招生省份，扩大招生。学生来自天南海北，许多学生也会利用假期外出旅游。正所谓众口难调，考察点不管定在何处，总难免会有和一些学生在课程学习之前的所去之处存在重复性。当这种情况发生时，学生总会对课程安排产生抵触情绪，以各种理由推脱，不愿意参加课程学习。

再次，费用花销无法适应不同学生要求。考察就要外出，外出就要花钱。交通费、住宿费、伙食费等硬性开销必不可少。以笔者所在学校为例，省内考察花销较小，通常在1000元左右，但家庭条件较好的学生通常不愿意在省内考察。而出省考察的花销总要在3000元左右。这对家庭条件不太好的同学是一笔很大的花销，所以很容易因为这个问题上打退堂鼓。

最后，队伍庞大，活动受限。组织过活动的人都知道，人数越多，意见越难统一，组织起来就越困难。特别是在考察过程中，每个人兴趣点不一样，路线和节奏也不尽相同，队伍分得散，时间的把握上就很难一致，到了集合的时间，总难免要等人。时间浪费了，有的同学想多去些地方就会收到影响。

二、艺术设计专业考察课程的教学改革措施

（一）明确教学目标，加强课堂管理

整合专业需求，区分各专业特点，遵循考察课程的教学规律，明确教学内容和教学目标，在全院构建一套科学的、完善的考察课程教学体系。

加强监管，减少任教的盲目性和随意性。外出考察前，结合考察点，带队教师要写出教案和讲义，教学目的要明确，目标考察准备充分，忌走马观花、游山玩水而淡化主题研究。使学生们充分认清借鉴各类艺术资源是各门类设计艺术生存发展的重要途径，并培养学生搜集、整理素材和分析鉴赏的基本能力。

课程中在结合典型作业练习的同时，避免单纯的就事论事的实用主义教学现象。必须努力探究各种艺术形式的产生与发展，存在的意义和价值，抓住本质和主流，培养学生善于从繁杂多样的现象中梳理提炼精华的能力，把教学与建立中国设计文化身份的研究相结合，强调对调查报告与理论性成果的考核。

（二）尊重学生兴趣，活化教学机制

教学机制必须适应形势需要和受众人群的需求，原先的教学机制僵化，没有选择性，不能对应学生需求，学生学习缺乏主动性和针对性，机制改革势在必行。为此，笔者对教学机制改革作出一系列大胆设想。

1.下达课程要求后，让学生针对不同兴趣和需求，自行分组，分别制定考察计划，对当地文化艺术背景做出有效预判，有针对性地提出考察路线和考察内容。制定计划过程中，授课教师给予指导并负责审核。超过10人的队伍可申请指导教师随队指导。

2.学生持经授课教师审核的考察计划书向学校提出考察申请，学校根据考察计划书的可行性和专业性组织专人进行审批，并根据具体情况决定是否指派随队指导教师。未提出申请或申请未通过审批的同学需服从由学校统一组织的外出考察安排。同时，分数的评定和补贴的划拨应体现政策导向性，向自主申请的学生进行适当政策倾斜，鼓励学生自主申请、主动学习。

3.教师带队出发前，需准备好教案和讲义，并送教务处备案方可出发。对授课教师、随队指导教师和审批、评定小组成员根据不同的工作内容分别配备不同的工作量和差旅补贴。

篇（10）

2.专业美术理论学习的缺乏从宏观意义上讲，我国对美术理论的研究起步是相对较晚的,并且出现了美术理论与美术实践脱离的现象。这种现象即搞美术理论研究的不画画,搞美术实践的不学习美术理论。再加上目前很多高等美术院校更是在绘画实践的能力上比较重视，而往往在在课程设置上更是重绘画轻理论,这就导致了学生对美术理论基础知识存在一定的缺乏。这种专业的理论知识的缺乏现象，是教师和学生都普遍存在的现象。

3.不断培养学生艺术的创造力我国高等美术院校现行的教学体制,主要还是沿袭外国的一些美术教学模式，重点强调运用绘画语言的真实性，来再现绘画中客观的事物形象。虽然这种美术教学模式曾在美术教学史中引起了很大的波澜，曾经起到一定积极的作用,但随着现代科技的发展，照相技术与计算机图片处理技术的不断产生和发展,传统的绘画形式已经远远不能满足于现状。因此，不断的培养学生的创造力在现代美术教学中,是十分至关重要的环节。

二、新时期高校美术教学完善性策略分析

1.明确“以人为本”的指导思想明确并坚持“以人为本”的美术教育指导理念，是科学发展观的本质和核心，体现在教育中，就是对学生的爱和责任。一方面，以人为本的教育是从最公正的角度出发，带给学生正确的评价，不断的刺激学生的独立创作性和自主性意识，是对学生创新思维最好的激励。这种正确的指导思想，更加在培养学生情商的发展方面起到了一定的促进作用。通过对学生的兴趣、态度更加激发了学生的好奇心、和积极情绪，是学生的想象力和个性空间得到不断的展现出来。另一方面学生的需要得到尊重，成为教学活动的中心。在“以人为本”这种教育下，更加突出了学生的主体学习地位。学生是学习真正的住人，未来的学校必须把教育的对象变成自己教育自己的主体而不是消极的知识接受者，这是这种指导思想的真正意义所在。

2.打破传统的教学模式，构建合理的教学体系在教学内容上，应注意突出重难点，遵循美术教育的基本规律，从高校美术教育的要求和实际出发，打破传统的教学模式，体现美术教育的专业性和实用原则，合理明确地开设美术相关理论和实践课程，讲授的重点应以学生将来的就业目标为基准，确保学生“学有所用”，并制定相应的教学目标和要求，从而培养学生正确的艺术观，提升学生整体的美术理论素质。这样才能让学生在较短时间对学习和掌握最有价值的理论知识得到最大化的了解。另外，高校的美术教育教材还要具备一定的权威性，以及注重配套教材和适宜教学内容的其他教材的选择。在教学方法上，教师要做到循序渐进、有张有弛，从而有效地调动学生学习的主动性、积极性。

3.高校美术教学中学生创造性思维的培养在美术教学中，创造性思维是在一般思维的基础上发展起来的，同时也是后天培养与训练的结果。通常常用的基本表达方式就是利用素描来培养和训练养学生的空间想象力，比如所画线条的浓淡、粗细、宽窄等，这一系列的丰富的空间变化无不激发着画面整体的美感和层次感，给人想象的空间。同时，在高校美术教学中，要积极训练和促进学生发散思维的发展，尽量使学生摆脱习惯性的思维发展模式，因势利导地训练学生的思维扩展空间是十分有必要的。另外，在高校美术教学中，教师要积极引导和启发学生，及时捕捉学生的这种创造性思维的产物，引导学生发展自己的直觉思维，让他们善于发展自己的直觉思维，为自己美术功底的进步和提高带来帮助。