艺术议论文汇总十篇

时间:2023-03-28 14:55:47

艺术议论文

艺术议论文篇(1)

这正是隐藏于表象之下的符号惰性,也正因为它的存在使我们不再以客观视角看待凝视及其诱发的诸事项才会笃定艺术就是艺术,它是必然的,它的一切都有客观性相佐证。需要指明的是这里存在一个致命伤:可以改变的“过去的虚拟纬度”由大他者、符号体系、合法秩序所决定。客观性存在之所以是必然的便在于个体认同且自始至终认同秩序的提议。当那些脱离秩序管辖的事项成为个体经验的组成要素时,视觉艺术的偶然性才会逐渐显现,只有偶然发生的特例呈现为已知状态,个体才会认同秩序之外不是一片空地,秩序及其观照之下的诸事项才会表现出随机性的效果。在传统绘画语境中,观者只在极为特殊的情形下向偶然元素投入注意力──它被秩序的垄断地位掩盖。一定程度上,质疑凝视理论的意见──视觉艺术的面貌以及一切相关问题都是必然的──存有合理之处,因为艺术史的绝大部分由传统观念占据。我们需要历史,需要历史哲学支撑理解与理性认知,当然,还需要秩序结构、大他者提供选择的可能(他者导致个体分裂;大他者提供参照系统),如此而来,我们才能够用美妙的言辞描绘客观事物。一切看似简单、合理、易行,似乎也都稳定的地向前发展,但是,秩序与大他者却为每个身处其中的个体设置了不可触及、不可跨越的防护栏,只要试图走向边缘地带就会引来严厉的呵斥。正如我们预料却又不敢正视、不愿相信的那样,历史本身就是秩序的伙伴,对个体发出呵斥之声的就是历史、传统、逻辑、知识等构成的综合体:历史是一张网,传统构成基本属性,逻辑作为观者的向导,知识作为通行证阐述着大他者的声音。

我们会参照他者的处事方式,确保在秩序的关怀下稳步前行。我们时常还会站在秩序身旁“注视自己,以便令我们更可爱一些”:与他者分享我们的眼睛和思维并将它奉献给秩序。踏着前人的足迹,用积淀的传统照亮前方早已铺设的路径,这就是历史构建秩序的方式。然而,历史并不依赖于秩序,它的存在是因为我们把自己伪装成“更值得去爱”的模样。

凝视作为主体旨在脱离视觉艺术固有的稳定结构。试想在自然或非功利性的、非目的性人为作用力下形成偶然图像时,我们通常会被它的独特魅力所吸引。风化的岩石、曼妙的积云、波动的溪流等等都为我们所赞叹,对它们的命名与指认促使其脱离自身固有的秩序与历史。视觉艺术领域的实例更加生动,也更加难以把握,视觉经验很难逾越大他者设定的防护栏。幸好艺术发生了现代性转变,它的出现对于理解凝视和偶然性的关联十分重要,当然,也只有以两者之间的联系为出发点才能真正理解现代艺术。因此,从偶然形成的视觉形象探讨凝视及其引发的一系列问题成为一个必要过程。

偶然图象

偶然形成的图像总是普遍存在于生活中,以至于它长时间与我们近距离接触也会被忽视,就像冷漠地对待凝视之于视觉艺术的价值一样。首先进入一块非目的性偶然图像展开具体的讨论。画面中是一个木质箱子,用来放置以完成的画作,而在它的呈现上呈现出一块由墨汁流淌形成的深色污渍。可以确定的是,污渍虽然不具备形象化特征和叙事情节,但是,不经意间进入观者的视野便会获得主旨形象的身份。也就是说,在与木箱的比较中它锁定了我们的眼睛,成为引发观者构造想像性区域的初步条件。对这一条件的阐述需要理解图像的本质属性为前提,可以说经墨汁侵染形成的偶然图像之所以吸引观者的目光,之所以超越木箱而成为主旨形象的原因在于它存有反复进入视觉符号指认系统的可能性。木箱的可知材质以及完整具像形态(轮廓)已经确定无疑的在观看者的心理结构中得到证明,它作为已知项和必然性的客体使偶然图像在对比中突显出来。这恰恰同古典的、传统的画作相悖离,清晰的轮廓、完整的形象成为主旨需要背景逐步拉伸距离:背景必须始终保持在不明确状态,以色块、阴影、线条之间的相互穿插保证其模糊状态。可以说,背景与主旨形象之间存在明确的界限,而在古典绘画中“……不再是同一平面上共同的界限,而形成了形状的自我限定或者是前景中最首要的元素”。

由此可以得知偶然图像与古典绘画的区别集中体现于画面的组织形式,“古典表现的对象是偶然性,但它通过一种视觉的组织来表现……”,而偶然图像没有特定的组织形式,它所描绘的是“纯粹”偶然性。因此,古典绘画依赖于所处领域内部的组织形式,偶然的主旨形象则由外部的关注目光定夺身份。木箱的从属地位在极为短暂的过程中被观者确定,它仅仅需要已有经验进行验证。并且,木箱无法提供观看驱动力所需的对的满足。反观污渍部分占据突显的位置基于它无法由视觉经验确认——没有明确的形象以及固定的观看步骤等等因素,而更为重要的是它游离于符号系统与象征结构。在观者的眼中它具有强烈的随意性、偶然性,并且一切似乎都变为可以改变,任何心理形象都具有可能性。观看偶然图像成为对各种可能性进行自我描绘使之达到清晰可见程度的过程,主体性便在这一个过程显得尤为关键。

在这里(包括偶然图像本身及其所处环境),观者对模糊形象的疑问不会向他者寻求解答,因为答案没有客观的、历史的标准可以参考。所以,这一过程促成的首要问题往往是自问自答的:这是什么?答案不是必然的,即便观者也无法给出客观结论,最终只能由主体的想象性图景回答,也就是言说或描绘出一个确切的心理图像。我们对此进行了一项简单实验,随机选择十位观众观看木箱与污渍构成的画面。观众全部将目光聚焦于污渍部分,并能够从中提取出明确的形象。他们都可以用线条简单勾画出想像的图像,其中六位观者无法用语言具体描述形象(无法诉说出图像构成的方式与线索),只能在污渍部分基础上描画。

在十张图像中,六张被描绘成一个女性形象,一张认定在女性形象之外还蕴藏着男根的轮廓,三张认为整块污渍构成了一张大嘴。那么,基于墨迹的随意性与无目的性,无论在最终的结果中存在何种差异都是由观者主观想像认定的。观者选择了主旨形象并构成自我的想象性主观图像是完全意义上的主体性产物,任何视觉理论都无法对其进行批判式的评论,因为从开始阶段就已经脱离了秩序,甚至由于画面抛开了这种束缚都无法成为视觉理论批判的对象。然而,反对意见依然会坚定的认为观者所构想的形像需要视觉经验和前理解作为支撑,否则将不会呈现出具像化的形象。但是,通过实验我们似乎可以得到这样一个信息:这种对偶然图像的主观想像不会受到秩序的限制(或指引),将模糊化的、不规整的图像想像为明确形象时所调动的是一种眼睛的、视觉的本能。这种本能或天性使想象活动为自身预先构造了一个空间,对不同元素的拆解与重组跨越了偶然图形本身空间上的层次。进言之,无法用语言进行描述想像图像就是弃绝了时间的延伸性,而将一切活动牢固控制在观者的想像性思维之中。那么,偶然图像不受任何规则与秩序的限定,更加突出了自身的平面化属性,它所提供的是本能与天性描绘图像的可能。

两个极端

事实上,偶然图像之所以被称为偶然的,并不在于纯粹的自然与自在之意,而是视觉行为对图像的定义:观者归纳、检验图像,并估量其确定性,以至于最终形成否定评判。当然,这种偶然特征使图像在结构、秩序中丧失自我的位置。同时就其内部观察而言,偶然图像也没有确定的载体,即视觉标准的载体。它不像一块白色画布被钉在画框上能够拥有的“边缘与中心”,也不以边缘与中心所需求的那样进行合理的构图。因此,偶然图像丢失了一切准则,它在观者的眼中仅仅是现实存在,别无他意。既不是对原有图像的破坏,也并非观念的表象。经济、政治、法律、伦理、道德等等都无法束缚图像的偶然性,也就无法将图像摆放于结构之中。偶然图像的外延与连续性可随意拓展,以至于图像能够脱离木箱进而完全忽略已知背景。这里与吉尔•德勒兹形容波洛克的绘画作品为“全面覆盖”相类似。较于古典图像而言,偶然性占据了视觉的另一个极端,它以自身缺失符号性特征为指导成为单纯的自由图像。然而,更为重要之处在于它以图像身份作为客观对象的同时,使得自身的价值与意义体现在实际应用过程中。也就是说,偶然形成的图像可以作为一种观看模式与方法的参照系进入视觉艺术作品欣赏过程,提示观者偶然性存在于画面之中。

如果观者处于传统经典形象搭建的秩序中,无疑会遭受不同程度的限制,并且很难显现出观者的主体性。其实,这便是把观看固定在“视觉接受”位置上体验图像强迫与压制的原因,“图像严格控制了眼睛”。⑩形象化的具像图像始终力求表现出现实的空间感与时间的流逝,三维效果笼罩着大众的观看过程,深邃且不可触及(远景部分)。然而,可直接感知的形象却“易于将感觉压缩,压缩在同一层次,而将不同层次放置到感觉中时无能为力”。

也就是说,这种远景与近境之间的分割在表现画面空间感的同时,将观者感觉的空间压缩为平面。加之图像坚定不移的强调叙事性,一旦空间拉伸促使具像化的形象成为画面中心,观看也就被迫在单一的平面中接受画面秩序与其传达之意。与此构成鲜明对比,平面化作品(波洛克铺在地面上的画布)赋予观者可随意触及的资格:观者踏入探索内在主体性的征程。

偶然图像也就在面对经典、秩序时成为启发药剂,其价值被应用到观看过程,使观者意识到自我、主体以及感觉的存在。对古典画作的观看本应是两个极端碰撞的结果,也就是既明确符号系统的指导作用,又能够有意识的发现追寻主体性的路径。现实却展现出不同状况,偶然性极为罕见的出现于观看过程 或者对观看行为的描述中,秩序完全压制了观者的主动性,因为“大他者”需要以此换取自身的客观性与科学性。象征秩序、符号体系同偶然性的对立就像皮尔斯•塞维安对可能性与随机性的区分一样,“可能性是数据,是一种可能的科学的对象,它们涉及的,是在被扔出去之前的骰子;随机性正相反,指的是一种选择的类型,是非科学性的,而且尚未具备美学性”。

从中我们可以得知,大他者设定了观看的轨迹、观看的方式、观看的思维发展方向以及观看后对接受个体的影响,宗教绘画正是在这一确定模式之中广泛传播自身的客观性与科学性。然而,偶然图像不需要确定性和参照标准──“随机、随意地选择一朵花,也就是说,花既非‘特别的’,也非‘魅力的’”,它处在一个根本无法断定特别的、美丽的,甚至无法断定自我属性的语境中。在此,观者处于绝对化的自由状态,可随意挑选任何可利用的元素并进行拆解与重组。但是,就像秩序极端的导向一样,偶然性也存在着无法调停的极端问题,吉尔•德勒兹在阐述“图形表”时提出:“在这种情况下,感觉是达到了,但感觉处于一种不可就要的、混淆一团的状态中”。

也就是说,偶然图像在给予观者绝对自由感之时,并不存在美学性,它脱离了艺术的范畴,它构成了一种观看的恐惧与焦虑之感。这一点与观者首次面对现代艺术作品的情景相似,感观上似乎面对的是某种偶然形象,但又被告知它是美学性的并带有一定程度的视觉品味。观者的恐慌便来源于自由、“混淆一团”的状态与美学性的冲突。标准与尺度,丧失一空之后,似乎有某些未命名的东西闯入,击碎了画作本应具有的形象化元素,并停留在观者面前无声的诉说着什么。这便是偶然图像作为一种观看作品的方法而不断指明视觉艺术所蕴含的观者主体性。

秩序与与偶然性作为凝视的导引

断言偶然性图像最终引发的结果是由观者主体性独自决定的并不表明随意构成的任何图像都会带有艺术性、美学性。吉尔•德勒兹的“混淆一团的状态”,就其所属范畴而言依旧处于视觉艺术之中。这里发生的混乱不是由单纯的偶然性构成,也不在于纯粹的秩序操控,因为任何一个极端都不会产生不快、烦恼、恐慌──秩序有着父性的权威,偶然性有着母性的宽容。两个极端不会轻易交融在一起,它们都在所属领域中确保自身良性运转。然而,其中的稳定性与平衡性终究会被打破,这不仅是大众的需求,也可被视作一种历史诉求(前提是我们承认历史的客观存在)。这一状况基于偶然性的存在:当个体在偶然性中意识到主体性并获取充足证明之后,不断向一种奴役化的符号体系发问,原有的整体结构便会出现裂痕。这正是斯沃拉热•齐泽克所说的超越符号性认同,“……我们这里所要处理的是个人通过质询成为主体的过程。在这里个人是前符号的神话实体”。

观看视觉艺术作品的前提中总会有符号的位置,它的存在使观者被扣留在个体阶段而无法成为主体。尤其面对古典画作、经典形象时,符号体系的历史性定义使得一切成为必然。现在,我们可以确定的给出视觉艺术中的偶然性以及偶然图像对于观者的意义:它提示观者个体、主体、秩序的存在以及各自所拥有的权利、地位,它以自身为手段带领观者偶尔走出符号体系的控制,不仅提供了感受自由的空间,也为个体质询父权提供了驱动力。个体质询过程的隐性起点是偶然状况的发生,而显性起点则是传统秩序例行公事。那么,理解这一过程就必须从经典图像开始。

对传统秩序中经典图像的理解时常会被设想为一种类似于解密的过程,就像丹•布朗的著名小说《达•芬奇密码》一样,绘画作品总是蕴藏着大量鲜为人知的秘密,其中以解析《最后的晚餐》的情节最为精彩——通过现代技术手段、宗教知识、符号性指认以及典型形象的比较而得出画中的圣约翰其实是蒙大拿的玛丽亚。这不仅构造了主人公的超强理解能力,同时也展现出大众对传统绘画作品的普遍认识:画面本身只不过是一个谜面、一种表象,所看到的并非绘画所要表达的真实情景。也就是说,观看是解决问题、解开谜面的过程,当答案最终揭晓之时就是观者直面符号体系、象征秩序的时候。因此,基于对各种符号性表征的熟识,罗伯特•兰登必定成为唯一人选(《天使与魔鬼》、《失落的秘符》亦是如此)。

这里对立于偶然图像,即作为观者必须知晓相关画作的知识与背景,如果希望从画面设置的谜题中成功突围就必须在实际观看中增加知识的积累。我们在各种视觉艺术展览中经常会看到这种情况:普通欣赏者手持资料卡片或展馆提供的宣传手册与画作一一对照。事实上,他们不正是在兰登的初始阶段徘徊吗!不同之处仅在于大众并没有一项委任或授权,没有责任与义务走向符号体系的本来面目。他们在乎的是秩序表象,是同“美”相连接的表象。在兰登以及大多艺术家、理论家、批评家、史学家的语汇结构中很难有“美”的位置,因为他们更在乎的是解密而非欣赏。

正如詹姆斯•艾尔金斯所说的,“在艺术领域,美几乎等同于苍白,评价一件艺术品很美,就是像说一个人好看。这意味着更加强烈、更突出的特征都被忽略了。从事创作的艺术家更鄙视这个词,你可能在一个艺术家的工作室中参观了几个月,才偶然听到这个词,可能会在瞬间说出,似乎使用这个词并不恰当,它的表达效果显得苍白”。

如果“美”让我们觉得其结果最终导致阐释、研究的消解,那么,“美”是什么?按照詹姆斯•艾尔金斯的线索:“美”因为具有了足够的吸引力而使我们忘却了其结构性基础,可以说它是作品在本体论意义上的修饰。所以除了相关行业的工作者,大众依然会延用这个辞藻。这便证明了从业者并不以“美”为准则,或者说不以感官享受或感觉为衡量标准,而是更加倾向于对其结构中的诸事项进行分析、探索。换言之,如果我们盛赞某位艺术家的作品更具批判性、思辩性,更加具有历史价值等等,才可能博取他们热情的回应。如此而言,无论艾尔金斯还是他说描述的艺术工作者,本质上都没有脱离恒定的秩序,都在表达着符号体系的声音。因此,《达•芬奇密码》从未因曲解画面的“美”遭受批判,而是对画面的阐述──知识层面中产生的误解──引来了众多非议。可以说,它们都是在符号秩序下原地打转,就像人文科学之中从没有过某种绝对化真理一样。传统视觉艺术及理论就是符号化的表征。反观偶然图像的完全自我状态,不需要“阐释、研究或者将其理论化”,也不需要以“美”为标准或者以“美”作为吸引观众的元素,它仅是偶然性所独有的魅力。

秩序与偶然性的结合就是“凝视”的发源地,它既充分展示了观看个体对主体性的追寻,也保持了与符号体系的联系。任何极端化形式,不是将视觉艺术排除在外,就是将观者置于奴役化境地,唯有凝视才能使图像对观者产生真值意义。因为凝视是在符号化客体的环境中通过对偶然性的认知反向与客体进行互动。它不是静止的、不变的,而是在两个极端之间肆意游走,一旦激发了凝视状态,便会使之具有客观载体。如此,才能将符号、秩序与偶然性合理的缝合起来。需要明确的是,凝视的缝合带来了新层面,同时也带来了新层面上的运转方式以及标尺。这便是雅克•拉康“超越认同(较高层面的欲望图)”所勾画出来的,即“你到底想怎样”。然而,图示缺乏一个必要前提:如何能够将凝视激发出来,使之成为现实。这一点在视觉艺术领域中显得尤为重要。偶然图像成为了一个必要的提示或参照物,即便是回溯性的定义也无法抹杀偶然性在观看画作时的重要价值。偶然因素在观看过程中的职责就是直接引发观者的询问:“为什么我是你[大他者]说我是的事物”。

艺术议论文篇(2)

 

文化负载词汇(culturally-loaded words)是具有鲜明的民族文化特色的词汇,反映了特定民族的历史、文化和民俗习惯,一般简单地分为民族专有词汇、具有民族文化内涵的普通词汇和习语[1]。一般来说,包括替代式翻译、音译、解释性翻译、和意译。

1.替换

替换指在保留原文意义的基础上,用译语中某个指代意义不同但比喻意义相近的词语代换原文词语的方法,即用译入语中带有文化色彩的词语取代源语中带有文化色彩的词语[2]。例如:开夜车(burnthe midnight oil);钻牛角尖(split hairs);低声下气(pocketone's pride);背水一战 fight with one's back against the wall(背墙一战);马后炮(mustard after dinner);耳边风 water offa duck S back;当电灯泡(play gooseberry);过河拆桥(kick down the ladder);昙花一现 a flashin the pan;酒肉朋友 fair weather friend。

英语和汉语是两种截然不同的语言,两者之间所反映出的文化差异构成了交际的障碍。如何克服障碍取得文化对等就成为翻译要解决的难题之一。实践证实,在绝大多数情况下可以找到能为译入语读者接受的文化对等的翻译方法。通过各种必要的变通手段,至少可以做到语用上的对等。

2.音译

汉英文化差异给文化负载词的翻译带来了困难,汉语中的很多词汇无法在英语中找到形式和内容完全对应或者类似的表达,这时可以把原语里的词汇直接音译过去。音译的词经过长期而广泛地使用,会逐渐融入英语文化中,丰富英语词汇,有利于不同文化的交流和语言的融合[3]。如儒教(Confucianism)、道教(Taoism)、功夫(kungfu)、阴(ying)阳(yang)已经普遍为英美人士接受。再比如北京奥运会吉祥物 “福娃”的翻译。“福娃”最初翻译成“friendlies”,自诞生就引起了广泛的争议。首先,friendly作为形容词意为:“和蔼可亲的,友好的,对环境无害的”。但是作名词是“友谊赛”的意思。既然在此用了复数形式文学艺术论文,必是名词无疑,意义上就说不过去了[3]。其次,friendlies听起来像是friendless(没有朋友)。每届奥运会的吉祥物都能体现主办国的民族特色,而friendlies这样的翻译从对外宣传的角度说,无法体现中国的民族特色。该词的争议结果是最终选择了音译,直接翻译成Fuwa。既简单易记,又能体现了民族特色。

3.解释性翻译

音译只取其音、不取其义,虽然能让读者从语音上准确地接受,但译文成了完全的记音符号,原词的内部意义和文化意象完全消失,成了一种空壳。对于这种情况,在音译之后如果辅以一定的解释,则形式和内容可以得到有效统一。如:“三个代表”译成Three Represents (to represents the trend of the development of advancedproduction forces, to represent the orientation of advancedculture and to represent the fundamental interests of the overwhelming majorityof the people in China);“四项基本原则”译成The Four Cardinal Principles (four principles of adherence to the socialist road, the people’s democraticdictatorship, the leadership of the Communist Party ofChina, and Marxism-Leninism and Mao Zedong Thought)。

解释性翻译固然在表意上力求详尽、清晰,但容易给人拖沓的感觉,因而这一翻译只能是一种权宜之计。就表意而言,这一翻译方法与音译可谓两个极端。折中的一种方法就是意译。

4.意译

中文读者因为同原文作者具有相同的文化预设,所以能够通过词的表面形式去理解交际信息的全部内容,而英语读者通常不熟悉中国文化,会按照自己的文化预设理解译文词汇,产生的联想也是不同的,甚至可能误解原文。

例如“拖后腿”,如直译成英语pull one’s leg,就变成了“哄骗取笑某人,愚弄某人”。中国话里的“馋猫”比喻人贪嘴,常含有亲昵的成份,而在西方文化中“cat”被用来比喻“包藏祸心的女人”。按中国人的心理, “山羊”是个褒义词,如留着山羊胡的老人,而英国人却视“goat”为“色鬼,淫荡的人”。

因此在翻译此类词汇时,译文必须改变形式,以表达或补充与原语内涵相关的信息。比如鲁迅小说《祝福》的标题翻译成New Year’s Wish就不恰当了。“祝福”是指旧历年底文学艺术论文,有钱人家备办酒肉等,恭请天神祖宗享用,以求上天保佑。作者以“祝福”为题,写的却主要是祥林嫂的悲惨遭遇,实际上是拿富人的“福”和穷人的“苦”相对照,揭示社会的黑暗。如果把“祝福”译成wish,英语读者就会费解,因为英语wish仅仅是一种祝愿,并不包含祭奠神灵的意思。因此注重再现原文的内涵意义,把“祝福”译成sacrifice(专指供奉,献祭之意),并加上时问限定词the New Year,更能体现其所有的隐含意义。

5.结论

不同的文化渊源、思维方式、信仰和价值观造成不同的国家拥有不同的文化,形成翻译中的文化冲突,文化负载词的翻译则是冲突的焦点。为了保持源语的民族特色,保证翻译忠实于原文的内容,同时译文具有可读性,译者不仅要意识到不同语言之间的差异,而且要熟悉文化背景知识,用不同的策略处理翻译文化负载词。

[参考文献]

[1]廖七一.当代西方翻译理论探索[M]. 译林出版社,2002.

[2]陈定安.英汉比较与翻译[M]. 中国对外翻译出版公司,1989.

艺术议论文篇(3)

作者:童江梅 张援 单位:北京石油化工学院 教育部社会科学发展研究中心

艺术教育法规建设取得的成效

几十年来,教育部每次的艺术教育法规出台后,各地省市以体卫艺处行政管理部门为主,对高校进行了传达,各高校也纷纷根据自己学校的情况,进行了具体的实施。可以说,在我国普通高校艺术教育法规的指导下,普通高校的艺术教育在管理、教学、科研、人才培养等方面都取得了很大的进步与发展,我国的艺术教育迈上了一个新台阶。1.明确了普通高校艺术教育的指导思想,艺术教育在素质教育中的定位,发展的目标和主要任务。艺术教育是学校实施美育的主要内容和途径,是全面提高学生文化素质、促进高校校园精神文明建设不可缺少的内容。普通高校艺术教育的基本任务是培养大学生树立正确、高尚的马克思主义审美观和艺术观;培养大学生健康的情感和良好的道德风尚;提高他们对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力;增强爱国主义精神和民族自尊心、自信心;开阔视野、拓展思维,使其身心获得全面、和谐的发展。2.建立完善了公共艺术课程的体系。根据《意见》和《课程指导方案》,各高校结合实际情况,开设了“大学音乐鉴赏”、“大学美术鉴赏”等课程。课程分为限选、任选两个类别,并做了选修要求和课时、学分的规定,每个学生在校学习期间,至少应修完艺术必选课中的一门艺术课程。从教学实践证明,艺术课程设置作为艺术素质教育的主要渠道,保证了艺术素质教育任务的落实。同时由于课程设置的科学性、系统性和讲求实效性,取得了良好的效果。有的课程被评为省级、部级精品课程,如上海交通大学的“交响音乐鉴赏”课,2004年被评为部级精品课程。3.师资队伍建设、机构设立逐渐完善,设备、器材和经费的投入不断加强。各高校按照《意见》“现阶段专职艺术教师的配备参考比例以占在校学生总人数0.15%~0.2%为宜”的要求,配备了专业艺术教师,师资力量不断壮大。同时,为了使艺术教育能得以正常进行,各高校结合自己实际情况,投资建立了艺术教育中心或艺术教研室等机构,如清华大学(1978年恢复音乐室)、上海交通大学(1979年成立文学艺术部,1981年成立音乐研究室,后改为音乐教研室)、华北水利电力学院(1980)、沈阳航空学院(1981)等。随后,同济大学(1982)、北京大学(1984)、浙江大学(1984)、中国人民大学(1984)、北京航空航天大学(1986)等高校成立了艺术教研室[3]。配备了艺术教育教学所需的音响、投影等声像设备和教学设备,设置专用教室及活动场地,改善了教学条件。4.积极探索艺术素质教育的有效方式,开设艺术教育第二课堂。学生艺术团是坚持长期校园艺术活动的支柱,也是影响、吸引广大学生积极参与艺术活动的主要力量。许多高校以艺术团为核心,成立了合唱团、器乐团、戏剧团、舞蹈团等文艺社团,如到1998年为止北京大学仅注册的就有四十多个文艺社团(各系的社团没有记入)[4]。每年艺术团都举办艺术专场活动,丰富了校园文化生活,提升了校园文化品位,拓宽了艺术教育的工作渠道。5.教师艺术教育科研水平不断提高,科学研究取得一定成效。在艺术教育中,艺术教师理论联系实际,从调查研究入手开展多种形式的艺术教育教改实验,探讨艺术教育的规律、目的及教学方法,充分发挥理论对实践的指导作用,加强了对美育和高校艺术教育基本理论的研究。有的教师把研究成果总结发表为论文和撰写了有特色的教材和专著,有的教师还主持和参加了省部级以上的研究课题,对促进高校公共艺术教育学科的改革和发展起到了重要的作用。

艺术教育法规建设存在的不足及完善建议

1.应积极推进艺术教育法规立法,以更好地保障艺术教育依法施教和科学管理。从而进一步促进高校艺术教育的规范化、科学化、制度化,提高高校艺术教育的实效性和科学性,使高校的艺术教育得到长足的进步和发展。2.从艺术教育学科的学科规律出发,紧密联系实际,制定能体现时代要求的、符合中国国情、中国特色的艺术教育法规。目前,中国社会正在走向文明与和谐,人们对艺术的体验和要求有了极大的提升,人们对艺术的需求呈现出多样性、灵活性、变化性等特点。为了满足人民的艺术文化需求,在艺术教育法规制定方面,应高度重视各种艺术教育体系的建设,在法规中能体现出实效性、多元性和包容性,使艺术教育广泛分布于各种艺术演出、艺术培训、艺术比赛等形式中,打造出有特色、富有活力的艺术文化教育,使所有的人都能平等享受到艺术教育的滋养。3.在普通高校艺术教育法规内容中体现艺术哲学思维内涵,真正体现艺术素质教育的本质。当代大学生在艺术的学习过程中已不满足于仅停留在艺术技能和基础知识的层面,对艺术哲学理论有更强的求知欲和思考力。只有在教学中突出艺术哲学思维,才能满足学生的审美要求,艺术教育也才能真正实现美育的目标。所以应在法规上体现艺术哲学思维的规律,通过艺术法规实施,使大学生真正感受到艺术的真谛和美育的关怀。如在普通高校要真正实现美育的目标,提升大学生的音乐审美能力,必须在音乐教育中自觉接受音乐美学理论的指导,使音乐素质教育科学规范地发展,达到潜移默化地促进学生素质全面提高的目的。

艺术议论文篇(4)

正文:

随着我国经济的持续发展,人们的生活水平在变,人们的审美观念在变,人们对生活的要求也在变。消费者对商品包装的喜新厌旧,以及对品牌的全新认识,都关系着广告设计的与时俱进。广告设计不是单求漂亮美观,最重要的是透过视觉图像来介绍产品的特点,建立和稳定它在市场的定位,最终达到提升销量的目的。一个成功的广告设计可以引领企业进入一个新的发展历程,开拓一个新的市场。因此,富有创新的广告设计并非只是一个美丽的装饰,其所包含的功能,在竞争激烈的市场上起了不可低估的作用。

广告的传播途径和表现方式多种多样,如何在五彩缤纷的广告世界里,力压群雄、脱颖而出,是每个广告制作人绞尽脑汁潜心追求的。wwW.133229.COM广告作为视觉信息的传递媒介,要取得引人注目的效果,并取得瞬间获得,使消费者有过目难忘的印象,采用独特的艺术构思、强烈的色彩效果,以引起消费者的注意。本文就广告绘画艺术如何表现和传播进行粗略的浅析,就广告绘画的制作、设计原则及其表现手法进行阐述,并通过有效的传播,让人们了解广告绘画艺术的价值所在,使人们提高对艺术的鉴赏力和全民素质。

一、绘画是广告艺术中的基础。

要了解广告艺术中的绘画艺术的表现,首先要了解绘画的相关背景。绘画是一个历史久远的东西,而广告中的绘画,则相对而言是新生的事物,两者有相通之处,也有不同点。

1.绘画的定义和发展。

绘画是以色彩和线条在平面上描绘形象的美术种类。运用笔、刷、刀、手指等工具,将颜料、墨汁、油墨等有色物质,用挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种手段转移描绘在纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上,以线条、块面、色彩、明暗等造型因素,通过构图形成视觉形象的画面、图像。广告艺术中的绘画,也是其所含内容的体现,属于对传统的继承和发展。

绘画历史悠远,可上溯原始社会。迄今发现最早的作品大约是1.5万年前旧石器时代晚期西班牙的阿尔塔米拉和法国拉斯科的原始洞窟壁画,其后的遗迹在世界各地均有发现。中国新疆、内蒙古、广西、云南等地亦发现新石器时代岩画。人类几大文明发祥地最早出现的彩陶纹样,亦为绘画。古代美索不达米亚、爱琴文化的克里特岛,均出现过绘有几何或动植物纹样的原始彩陶。中国的仰韶文化与马家窑文化的彩陶出现了几何形纹、鱼、鹿、人面形甚至人形纹,为彩陶中罕见。公元前6~前5世纪希腊陶瓶则有黑绘、红绘两种式样。可见,绘画的历史相当的久远,其在当今世界的广告艺术的表现中更是显得生机昂然,前程似锦。

2.绘画的特点。

绘画的特点在于它的内容和形式上:有的重视绘画的社会功能和教化作用,要求作品表现一定的哲理、信仰、伦理道德观念等;有的则强调绘画的审美作用,以美感为最高境界,追求完美的形式技巧;在主客体关系上,有的恪守客观对象的形与质,有的则强调表现画家的主观精神。但不同的绘画,侧重各不相同,如现实的、理想的、写实的、写意的、具象的、抽象的、形似的、神似的,或神形兼备的等等。从创作方法来说,有现实主义、浪漫主义、理想主义、表现主义等主要派别。广告艺术中的绘画,运用的其各种各样的特点作为自身的表现手段,因而呈现的是琳琅满目、应接不暇的效果。

相对于其他艺术门类而言,绘画是依赖视觉在平面上感受和欣赏的造型艺术,以绘画的造型要素如形、色、光、线条等捕捉最富启发性、感染力的瞬间形象,予以提炼、升华,使之超越相对静止的时空,从而达到深广的艺术境界。广告艺术中的绘画,更加强调其鲜活的造型以及表现效果,其基本目的就是给人以深刻难忘的印象。

二、创意是广告艺术绘画的灵魂。

除非你的广告源于一个大创意,否则将如夜晚航行的船只,无人知晓。——david ogilvy

为什么要引用大卫·奥格威的这句名言,因为首先我要说一个主次先后的关系。广告与设计都是要沟通传达。如何用相对易于接受的方式来传达信息交流沟通这就是创意。创意是最重要的,你的设计最终源于你的创意才是真正的创意驱使(idea driven)。否则你做的那些(image driven)只是用于装饰或者自恋表达。一旦你有了一个强有力的核心创意,接下来的工作才是如何以崭新的原创的有才情有吸引力的方式将创意化为活生生的作品。在所有的创意中间,广告绘画艺术的表现是最为重要的,因为它将直接作用于人的视觉效果,并引导人们去思考和联想。

如何来执行大创意,如何来更好的表现大创意,我们这里都来探讨一下平面广告招贴中绘画的表现手法和技巧。1.对比。

利用两种效果的图形在作品众形成强烈的反差,冲击受众的视觉。所谓效果,含义很广,比如形态上的刚柔对比,渲染的浓妆淡抹,色调上的冷暖,比例大小上的对比等等。对比应该说是增强视觉冲击力度最常用得手法,大家可以多看看人家的好作品,它们都是综合运用的结果。

例如有一种名叫“均衡酸”的新上市女性化妆品,能有效地调理女性皱纹皮肤。于是,这种化妆品广告,在绘画背景色彩上,厂家指定要印成“酸”色(浅黄色)作底色和“反白”文字。不过,这种的色彩对比,很难取得理想的效果。

2.反常。

反经验常识得表现,这样也能很好的抓住受众的眼球。将生活中的经验常识来个颠倒,这样的例子很多。比如房子原本是正立的,你将它在作品中倒立过来;还有水往低处流,你可以让它向上流淌。等等很多这样的例子,大家都可以尝试着表现。细化来说比如有些是比例大小的异常反经验,使正常比例的部分比例发生变化异常,或者使多个图形的大小比例发生变异,其实这其中也蕴含对比,只不过这是一种反常识的特殊对比。反常也能对受众产生强烈的吸引力。

3.变异。

图形由a变成b,因为是静态的主要展现的是变化中的两者结合体。或者图形的某一部分有另外一种图形形态所代替。或者在图形上添加其他的一些图形使整个形态变得怪异但很有咀嚼的余味。或者还有就是一个完整的图形经过分割打散后重新拼贴组合,形成了另外一个形态新颖和原图形差异很大的图形。这样的表现手法我都叫变异,人类的天性对变异很感兴趣记忆持久度也高。

如埃夏尔的作品《鸟变鱼》,这个作品打破了思维定势,将天上飞的小鸟经过渐变的处理手法逐渐演变为河水,而白色的天空逐渐过渡为水里的游鱼,鸟和鱼是图地反转的关系,画面自然和谐,耐人寻味。另一幅作品《瀑布》在构思上也采用了逆向思维的方法,利用透视的错觉,形成了水渠与瀑布的一整套流动过程,并在看似正常的图形中将局部加以变化,造成一个不合理的矛盾空间,仔细分析后得知这个画面是违背常规的。

4.省略。

省略那些与主题无关的部分,这样作品受干扰的就比较少。没有省略的部分就是你想要表达的承载主体,这样的表达就很纯粹很突出也很集中。而且往往省略了某些部分,留下来的那部分形成的效果又会具有变异反常的表现,使作品更有吸引力。

自1990年以来,生产nike品牌的体育用品公司不断扩展行销,以求成为国际市场最畅销的商品。近两年来,发现其配合行销所实施的广告策略之一,是简化商标。其简化过程正在逐步进行。nike品牌现行商标是在标准字体nike之下加上一句。这一句的形状像是用毛笔一挥而成,给人以浓厚之感。如今,该商标已简化为只留下那一勾,取消了nlke标准字。这一改,真可谓高度简明了。

三、绘画与文字在广告艺术中的表现效果。

在广告艺术的表现形式上,绘画的地位和比重在不断地上升,在传统的文字说明方式则在明显地弱化,甚至在某些广告中已经看不到文字的身影,仿佛它已经功成身退似的。先不去关以文字为主题的广告形式是不是会灭绝,但有一点能够肯定,那就是绘画在广告艺术中的价值和比重在不断增加,其已经成了广告舞台上的主角,发挥着越来越重要的作用。

1.只有画面没有文字的广告艺术形式的产生。

谁都明了,平面媒介上的商品广告,是以画面与文字引起消费大众注目的。只有文字没有画面的广告,即嫌单调,不够形象;只有画面而没有文字,又怕说明不够清楚,难以令人充分了解。

但是事情的发展并没有朝向人们所担心的方向进行。国际市场上clinque品牌的化妆品,早在20世纪90年代就连续刊出只有画面而没有任何文字的广告,包括没有标题和说明文字,堪称是一种突破性的新演变。过去,该品牌的每则广告,介绍一种产品都有明显的标题、画面和详细的说明文字,例如 1992年10月间所刊出的一则广告,以every face,every day为标题,并有说明文字编列在画面的下端。画面上的粉状化妆品表现得很逼真,包装上所注明的品牌名称标准字也十分清晰。而且这种平面广告表现形式已流行数十年,其间只有大同小异的变化,它说明文字有时撰写得多些,有时则少些等等。但自1993年下半年起,忽见刊出的广告只有画面而没有任何文字。初时很多人以为这是偶然的表现,后来又见一则则地刊出,才发现这已是一种有计划的表现手法,显得很不一般。

2.怎样利用画面来吸引消费者。

有许多广告是通过文字告知消费大众的,但这不是个好方法。最理想的方法是利用广告画面告知消费大众,其效用会大得多。然而,为了使广告画面逼真,需要邀请消费者(或演员)作使用商品的实际示范,还要经过企划、导演、摄影、制作等过程,才能让消费大众从广告上了解得一清二楚。

消费大众了解了新商品的使用方法,就等于了解购买这种新商品对自己有什么好处,从而引起购买欲望,产生购买行动。反之,如果广告中所表现的使用方法,不能让消费大众完全了解,其广告效用也就无从充分发挥了。关于这一点,企划、导演、摄影、制作等方面的负贡人,要绝对站在消费大众的立场上认真对待才行。

利用画面指导消费大众用好商品,往往要从小处着眼。例如一则法国的烤鹅肝广告,画面上有切开的烤鹅肝和面包,面包上还插着一把刀。这把刀显然是使用者顺手插上去的。对这把刀作这样的处理很巧妙,既令人感到安全、方便,又能给人感到这是一种智慧。这就是“加强指导”的一招。看懂了这一招的广告人,相信必能有所启发,在各种广告上构想出多种具有智慧的指导消费大众使用商品的好方法。虽然切烤鹅肝和面包的刀并不是这则广告的主角,但仍具有“指导使用”的智慧。值得提出,这刀在一次用餐中往往要使用多次,而每次用后该如何放置好呢?此图指导人们顺手将力插在面包上,确实能起到配合广告主题、引起消费大众注目的作用。

3.以绘画为主体的广告的特点及成因。

本人收集到这种广告资料近20则。这种只有画面的广告有两个特点:一是产品的品质好,二是包装外观设计漂亮、逼真,品牌标准字十分清晰。

“有画面亦有文字”的广告与“只有画面而免掉文字”的广告,在国际市场上轮流刊出,相辅相成,显示出广告主对这两种广告部同样重视。上面研究clinque品牌广告这种新演变的主因,显然是为了适应整个地球将变为“地球村”而作行销上的应变准备,克服“地球村”中所有国家和民族间的文字障碍,令大家都能认识这个品牌,并产生良好的印象,以减少销售方面的阻力。

四、如何更好得发挥绘画在广告艺术中的作用。

1.表现形式和色彩的把握。

首先,它还是一个以静态为主体表现的广告形式,虽然近来有其它综合表现形式如:多层次立体、背景灯光效果、投叠、金属镶嵌等等,但都还是属于锦上添花,特效技巧表现一类。但是,已经体现也一个倾向——传统广告形式逐渐向多媒体广告形式过渡。

其次,作为该表现形式的视觉需要,在设计广告时需要考虑其存在空间:观察空间和交流空间。也就是说在画面以外,和观者之间的距离空间都是你需要去思考的。在传统的平面设计师的口头传说中有一个“大七之数”,是说以你的作品最大边长乘以7得到的距离,是你作品的观察距离。也就是说在7倍距离以外,你的作品能抓住观众的眼睛,使观察距离从7x变为≤1x,这就是你的专业水平体现了。

那么,如何来把距离拉近?在数倍距离之外怎么把观者吸引过来?

中国美术中有句熟语叫做:“远看颜色近看花”,道出了在广告设计中的关要先后问题。你必须在色彩上有出色表现,才能抓住观者去仔细看你在耍什么花样。色彩的魅力是无限的,它可以让本身很平淡无味的东西,瞬间就能变得漂亮、美丽起来。信息时代的快速到来,广告早就变的多姿多彩。人们不再局限于简单的文字与图片,他们要求广告看上去漂亮,舒适。所以当代设计者不仅要掌握基本的广告制作技术,还需要掌握广告的风格,配色等设计艺术。其中色彩在广告的绘画占据相当重要的地位。

2. 视觉艺术思维的把握。

在广告绘画的视觉艺术思维中,如果只是顺着某一思路思考,往往找不到最佳的感觉而始终不能进人最好的创作状态。这时可以让思维向左右发散,或作逆向推理,有时能得到意外的收获,从而促成视觉艺术思维的完善和创作的成功。

这种情况在艺术创作中非常普遍。达·芬奇创作《最后的晚餐》时,出卖基督的叛徒犹太的形象一直没有合适的构思。他循着正常的思路苦思冥想,始终没有找到理想的犹太原型。直到一天修道院院长前来警告画家,再不动手画就要扣他的酬金。达·芬奇本来就对这个院长的贪婪和丑恶感到憎恶,此刻看到他,达·芬奇转念一想何不以他作为犹大的原型呢?于是他立即动笔把修道院院长画了下来,使这幅不朽名作中每个人都具有准确而鲜明的形象。在一定的情况下,侧向思维能够起到拓宽和启发创作思路的重要作用。

在平面设计中,逆向思维是常用的训练方法之一。从古今中外服装艺术的发展历程中我们可以看出,时装流行的走向常常受到逆向思维的影响。当某一风格广为流行时,与之相反的风格即要兴起了。如在某一时期或某种环境下,人们追求装饰华丽、造型夸张的眼饰装扮,以豪华绮丽的风格满足自己的审美心理。当这种风格充斥大街小巷时,人们又开始进行反思,从简约、朴实中体验一种清新的境界,进而形成新的流行风格。现代众多有创新意识的服装设计师在自己的创作理念上,往往运用逆向思维的方法进行艺术创作。“多一只眼睛看世界”,打破常规,向你所接触的事物的相反方向看一看,遇事反过来想一想,在侧向——逆向——顺向之间多找些原因,多问些为什么,多几个反复,就会多一些创作思路。在艺术创作过程中,运用逆向思维方法,在人们的正常创意范畴之外反其道而行之,有时能够起到出奇制胜的独特艺术效果。

古希腊神殿中有一个可以同时向两面观看的两面神。无独有偶,我们中国的罗汉堂里也有个半个脸笑、半个脸哭的济公和尚。人们从这种形象中引申出“两面神思维”方法。依照辩证统一的规律,我们进行视觉艺术思维时,可以在常规思路的基础上作一逆向型的思维,将两种相反的事物结合起来,从中找出规律。也可以按照对立统一的原理,置换主客观条件,使视觉艺术思维达到特殊的效果。

五、文化在广告艺术绘画中的作用。

1.广告艺术中的绘画离不开文化。

文化是广告设计创新的基础,只有建立在文化基础上才有市场。我们在广告艺术的绘画方面也要强调文化,是为了使视觉语言更富有情感,更富有内涵,更使人通俗易懂,更富有个性。如凤凰卫视中文台的台标,借用了传统的龙凤图形,并使用了中国特有的“喜相逢”的结构形式,反映出一种厚实的文化底蕴,而凤鸟两两相对圆转的翅膀极富动感,体现了现代传媒的特色。北京2008奥运会申奥的标志设计同样容入了古老中华民族书法和武术文化的内涵。

广告设计作为企业文化的一部分,既有实用性,又有艺术性。广告设计的创新离不开民俗性和民族性。我们谈广告艺术创新是建立在身后悠久的民族文化历史上创新。香港设计师陈幼坚的成功就在于根植于民族文化,把握住中华民族的文化精髓。在设计创新中,有民族性的往往体现包装个性的与众不同,又有明显的地域性特色。“阿诗马”和“希尔顿”包装上的广告主体图案都带有明显的地域,民俗特色;法国的“白兰地”和中国的“茅台”在包装上广告同样具有明显的民族特色;同样中国的“健力宝”和美国的“可口可乐”也有异曲同工之妙。

2.广告设计的创新是国家民族特点的传承和发展。

每个民族都有自身的特点:美国人的奢侈、豪放、创新;英国人的古典、保守、华贵;日本人的精明、儒雅;德国人的沉稳、含蓄、严谨;法国人的浪漫以及意大利人的富于想象,都可以一览无余。我们中华民族的文化渊源是不能掩盖的,凡是民族的,才是世界的。紧紧抓住民族文化地域特色,在广告设计中巧妙地运用,并在运用所表达主题的内在联系中,注意产品的包装和设计的创新。我们民族的传统的设计符号,总会有一些恒长的主题,如龙、凤、狮子、云纹、雷纹、涡纹等,而它们的表现形式,也就是它们的造型方式,却随着每个历史朝代的更替转变,往往具有鲜明的时代特色和民族地域特点。如传统图案中的龙的形象,朝朝有区别,代代有变化。原始龙的古拙,奴隶社会青铜器上夔龙的诡秘肃穆,汉魏龙的奔腾飘逸,隋唐龙的饱满富丽,两宋龙的规范庄严,元代龙的矫健,明清龙的繁缛凝重。这种“形”的延伸是民族母题的继承和延伸,也是包装设计创新的民族土壤,是新的时代的新的审美观念赋予的新的形式。在广告的绘画技巧的表现中,对中国传统文化的把握也是相当必要的。

六、结束语:

我们都知道,广告设计不单纯为满足消费者的基本消费传达商品信息,而更多的是进入消费者的潜在意识。主要目标应是去迎合市场,迎合人们的审美观念和消费者心理。设计师必须走进市场,了解市场,熟悉市场,把握市场的脉络,从市场中找到设计的新亮点,找到设计创新的艺术语言,这样的广告设计作品必然紧随市场,适应市场的要求。广告设计的创新应根植于民族的土壤,同时,广告设计的创新离不开民俗性和民族性。我们谈广告创新是建立在身后悠久的民族文化历史上创新。广告设计中的绘画的表达,更要如此。

绘画的发展不能离开对视觉形象表达语言的探索。不断提高对绘画语言构成元素的敏感,不断深入到构成绘画语言元素的内部,发掘它们所具有的表现潜力,是必须的。绘画语言的神奇寓于形式构成的细微之处,它远离物象独自形成一个孤立的体系。而广告,是一门艺术,广告绘画更是一种巧妙的绘图艺术,广告绘图使广告更赋灵性,更加传神。广告渗透人们生活的点点滴滴,人们已经越来越正视广告这门艺术,而且足够重视广告在人们生活中的重要地位。通过有效的传播手段,使人们对广告艺术有更加深入的理解。

参考文献:

[1] 大卫·奥格威,《一个广告人的自白》,中国物价出版社,2003年

[2] 乔治·路易斯,《广告的艺术》,海南出版社,1999年

艺术议论文篇(5)

作者:陈茜 单位:四川大学公共管理学院

艺术教师的社会劳动,属于精神生产的复杂的社会劳动。从形势上看,艺术课程教学大部分内容是由示范性表演动作和相关的保护帮助、以及组织艺术技巧训练等体力劳动所构成的。但是各种艺术类知识的获得,技术技巧的掌握是以脑力劳动作为基础的。在艺术教育过程中,艺术高校教师对教学方法、手段的选择和灵活运用等却是依靠分析、判断、记忆、思维、想象等大量脑力消耗的作用结果。因此,艺术教师的社会劳动是特殊的脑力、体力劳动相结合的复杂性工作。而这种复杂的教学工作往往需要花费大量时间坚持下去才能看到教学成果;这就导致了艺术教育中教师的劳动成果具有明显的滞后性。尤其如舞蹈、体操、武术、表演等艺术专业都讲究从小练习体能,俗话说的练习“童子功”。所以艺术教师的培养工作周期较长,绝不是快速养成的,学生毕业后还要经过一段时间的磨练才能根据他们的学术成果和工作成绩来判断教师劳动的质量。

艺术教师的需求特点许多学校的人事管理组织部门没有充分考虑到教师的需求和特点,都容易凭借主观的看法和想法来制定激励政策,这是不科学、不公平的。因为管理者与普通教师所处的地位和职务分工不同,所以他们在把握教师真实的需求时总会出现差别。因此,我们从以下3个层面来分析艺术高校青年教师的需求特点:(1)艺术高校青年教师生活与安全需要分析因为艺术教师的学习成本比较高昂,他们在孜孜不倦的追求专业水平提高时所付出的金钱、精力、时间较普通高校教师而言要多很多。可见普通家庭尤其是对农村家庭而言,要培养一名艺术高校青年教师往往需要倾其所有来供孩子读大学,所以当他们学有所成时,往往想通过快速的证明自己的价值来回报家庭的付出。他们首先需要满足的是衣、食、住、行的基本生活需求。几乎所有的青年教师都面临着恋爱、娶妻、生子、赡养老人等诸多生活压力。然而,高校青年教师参加工作时间不长,处于生活压力较大、薪水较少的时期,他们所面临的经济压力甚至会影响到工作。不能“安居”又如何能“乐业”,有的学校里教师流动较频繁,部分原因就是因为工资待遇低,福利保障差。教师这一“铁饭碗”职业已经受到社会竞争的刺激,变得不再像以前那么稳定了。心理学家马斯洛认为生理与安全的需要是最基本的需要,如果这些需要不能满足,人就很难去满足更高层次的尊重需求。学校管理阶层应该充分考虑艺术类高校教师的这一特点,给予一定的激励政策支持。创造一个安全自由的环境让青年教师有房住,减轻他们的生活压力才能让使其发挥出主动性、积极性和创造性去投入教学工作。(2)艺术高校青年教师尊重与社会需要分析艺术教师在工作过程中希望被同事尊重、学生爱戴,所以这种社会需要刺激他们对更高级职称、更高福利待遇的追求,成为了他们努力的动力。他们尊重别人同时也被别人尊重,在这个群体里产生一种归属感,从而不再感到寂寞。所以,艺术高校青年教师有被尊重的社会需要,较安全需要而言这种社交中的群体鼓励更能使青年教师心情舒畅,斗志昂扬的投入到教育教学工作中去。特别是艺术类高校教师经常参加社会实践活动,他们的专业表现是否能赢得大家的喜爱,是激发他们继续创造的源动力。(3)艺术高校青年教师精神需要分析艺术高校青年教师的精神需要包含了发展的需要、心理的需要、成就需要等内容。其中,成就需要的满足可使人实现自我价值,从而自我满足、自我悦纳。这在对前途充满信心和向往的青年人身上表现得尤为突出。艺术高校青年教师,由于其自身的职业特点,成就的欲望就更为迫切。他们是具有社会抱负和极强使命感的一群人,学校管理阶层应该抓住其特点分层次的对其进行激励,如改善教师们的办公条件,提高教师们的工资收入,减轻教学安排让他们有足够的时间去进修学习,自我发展、完善,搭建一个展示个人才华的舞台,才能保持艺术高校青年教师蓬勃的生机和旺盛的朝气。

根据国家岗位聘任制度条例,通过笔试、面试选拔符合条件、有能力的人才进入艺术高校教师队伍。逐步改变原来“初聘成功,一聘到底”的现象,通过优胜劣汰的考核机制减少找关系走后门、行贿受贿的不正之风。克服“人员能进不能出,职务能上不能下,待遇能高不能低”的弊端,真正建立起与市场经济相适应的人才交流中心。艺术高校教师考核及岗前培训很重要,让他们有竞争意识和行业危机感,专业技能的优胜劣汰才能保证这支教师队伍的高素质、高标准。只有促使教师不断的提高专业技术能力才能促进其完成目前的任务或达到将来的目标。逐步修改职称评定管理制度。打破“铁饭碗”的教师职务终身制,实行评聘分离,对优秀的青年教师可以“低职高聘”改变按教龄排序评职称的现象。做好教师经常性的全面考核工作;正确掌握不同提升对象(基础课、专业课教师和辅导员)的评价指标。不能用一把尺子来衡量所有的参评对象,以便切实保护教师们在评审中的权益不受侵害。特别是针对艺术高校青年教师的职称测评可以降低对英语考试的分数要求,虽然英语好可以证明该教师的综合学习能力强,但是对于不必要看成硬性指标。考核他们的职业专长技能更能体现出青年教师的教学价值,英语和艺术本来就没有必然联系,把这两个考核指标放在一起也应该有轻重之别。建立有效的监督机制。通过定期查课、查岗等手段监督教师教育教学的日常情况,保证教师队伍的素质宁缺毋滥。并为考评工作打好基础,也使评估成绩有证可考。同时加强学校工会组织建设,通过工会组织的活动一方面增加青年教师团队的凝聚力,一方面通过非正式的交流了解青年教师的关注热点,思想动态,并及时监督指导为其指明正确的发展方向。调整教师的薪酬管理。薪酬管理是一种有效的外部奖励因素管理手段。我们要抓住艺术高校青年教师的生活、安全需求特点来调整外部奖励因素。学校管理者既不能片面提高青年教师的待遇问题,又要考虑从培养发展的角度给以他们一些外部奖励。这个切入点主要在于给他们培养的机会去开发自己的科研能力,通过一些委托培训,自主研修使自己的专业技能强化。只要这方面钻研的能力上去了,有关的职务晋升、薪资收入、住房保障等问题也就迎刃而解了。如果能将组织目标与青年教师发展目标有机结合起来将会起到更好的效果。健全教师评价制度。按照教师评价的目的通常有两种评价形式:业绩评价和教师发展评价。业绩评价关注于教师可达到的、相对短期的目标,倾向于在某个时间段内给教师的业绩和能力下一个结论,对于教学质量的监控有重要作用。要想获得更大的报酬,艺术高校教师就要注重自己的教学业绩,因为业绩评价和教师的名誉以及教师的利益是相关的。而教师发展评价的目的是对教师的工作给予反馈,对帮助教师改进或完善自己的教学,明确个人的发展需求和相应的培训有重要指导性作用。艺术类高校建立和健全教师评价制度,能帮助教师正确认识自己的工作,总结工作经验和教训,提高工作水平。本研究主要针对艺术类高等院校的青年教师简要地介绍了相关激励理论的研究现状,分析了他们的精神、物质、社交等不同需要。同时从人事制度、奖励制度、教学目标制定、公平考核、领导方式、薪酬以及教师自我发展等因素中,提取影响艺术高校青年教师的激励因素。综合了各专家对各激励方式的评价,在一定程度上保证了激励的科学性和有效性,克服了激励方式选择的主观臆断性,可以获得较为公正合理的结果,且方法简便,易于掌握,有着广泛的适用性。

艺术议论文篇(6)

近期网络上《来自星星的你》大热的程度超乎寻常,剧中的主人公“都叫兽”和“二千”受到众多粉丝的追捧。韩剧来袭不仅带来了全民的热议,也带动了相关产业的发展。

韩剧在中国热已经有十几年了,从最初为我们熟悉的《蓝色生死恋》开始,到现在的《来自星星的你》,韩剧一直深受中国观众及亚洲观众的喜爱,究其原因还是亚洲国家对传统儒文化的认同。韩剧中所表现的那种重视家庭亲情、尊敬长辈、待人有礼,正是我国的传统文化中所倡导的。我们喜欢韩剧,也在于韩剧所传达的那种和谐的氛围。

在观看韩剧中,我们首先感受到的是韩剧制作精良。它拍摄出来的的画面,让人感觉很自然、唯美的。对电视剧舍得投入成本,拍电视剧跟拍电影一样,非常精细。画面的每一个细节处理都十分讲究,让人看了觉得清新干净,十分舒服。我们很容易发现,韩剧中基本没有性和暴力的镜头,内容健康,教人积极向上。其次,演员俊美,表演细腻,是韩剧的另一大特色。男女主角都是让人眼前一亮的人物,女的温柔美丽高雅,男的深情款款。演员养眼,想不多看几眼都难。

除了养眼,演员的表演都比较自然、真实,尤其是感情表演,十分贴切、到位,这也是韩剧之打动人的重要方面。而现在韩剧开始学习美剧的拍摄和播放方式,一边拍一边播,根据观众的反馈,及时调整剧情和人物性格的设定,这种周播方式也更能迎合和吸引观众。

艺术议论文篇(7)

任何一种歌唱艺术的原理都是共同的。不同的只是在发声、共鸣、吐字方面有些细微的差别。歌曲演唱的好坏在于正确地运用呼吸,良好地运用呼吸,才能达到“字正腔圆”。正确的呼吸方法,可引出口腔应有的发音机能,使发出之“音”自然圆润。

歌唱中的呼吸应该是越巧越好,演唱的歌声能使听众听起来好听、动人。“依字生腔,腔随字走”,“以气生字,字随气行”。只有这样才能很有表现力地将富有感情变化的各种歌曲演唱好。

声乐起源于劳动,是我们的祖先在劳动生产这个最基本的实践活动中创造出来的,它是声音的一种特殊演唱方法和形式,具有一定的艺术魅力。众所周知,呼吸在歌唱中的地位极为重要。其重要性有人称之为“动力”,是“关键”。把呼吸做到好处了,歌唱、发声的问题就解决了一大半。很多歌唱家对呼吸有过精辟的见解,如:“吸气要深”、“气沉丹田”、“吸气如闻花香”等,至于在“呼气”实际演唱时的“用气”量提的较少,一般人的要求:“气息要保持”、“要控制”、“要结实有力”、“像半打哈欠”。无疑哪种提法,都有道理,大多都是来自实践的总结。下面就多年的演唱、教学实践及多方面的学习,总结一下自己的经验,分别几点说明。

1呼吸在歌唱中的运用

呼吸是发声的源泉。气息从肺部呼出,振动声带发出声音,这意味着呼吸是歌唱的支柱。清朝时期徐大椿《乐府传声》中写道:“凡物有气必形,惟声无形,然声亦有气以出之”。就自己多年的演唱经验也总结出一个道理就是如同“人是铁,饭是钢”,即歌唱的呼吸是:“声音是铁,气息是钢的道理一样。”这就说明正确的呼吸方法与控制自然的呼吸是一切歌唱方法的核心。失去呼吸的支持,就谈不上歌唱的发声、共鸣、吐字、音色、情感等,歌唱的艺术也就不存在了。

歌唱者悦耳的声音是建立在良好的气息运用基础上,声带因受到气息的振动而发出声音。动听的声音必须依靠正常而适度的气息作为原动力。一切声音表现技巧都与呼吸有着不可分离的关系,因为“有气才有声,有声必有气。”如果把歌唱者的发声比做工厂的产品生产,则呼吸系统好比是动力车间,喉头部分好比是成型车间,共鸣器官好比是加工精制车间,也就是说发声活动开始于歌唱者从肺部里发出气息冲击声带而发声,因此,呼吸活动应是歌唱者声音训练诸问题中,首先要引起足够注意的事情。克拉克在《呼吸论》中主张:歌唱者第一件事情就是学习适当地呼吸。必须把足够的气息吸进肺里然后或快或慢、或柔或强地把气吐出来,以适应所唱歌曲的特定需要。所以在某种意义上讲,“歌唱者必须是位专业的呼吸者。”如:(普利斯曼在他的《喉头生理学》中认为:“呼吸是声音的生命”)。

正确的呼吸之所以重要,是因为它为自由的发声活动铺平了道路。而不正确的呼吸往往造成发声不良,因为呼吸运用失当会引起喉部肌肉的紧张。如:韩德森在《歌唱的艺术》一书里强调说:“歌唱需要一种特殊形式的呼吸。”声乐教师们都会同意,每个学声乐的学生要学得正确的呼吸方法是绝对重要的。使吐出的气息柱处于完整的控制之下,这是一切发声技巧的基础。

从文献上看,许多人都同意艺术的歌唱是一种有意识的活动,但为了取得最好的歌唱效果,这种活动必须做到歌唱起来是一种非常自如、顺畅、不费力地自然流露。因此在歌唱中排除有意的做作与任何程度的过分紧张是非常重要的。维克托尔说:“歌唱理论家一般都认为生活中的呼吸是一种自动的本能活动,但是在他们实际运用到声音技巧训练时,又往往要求有意识地对呼吸进行控制,搞不好就会干扰到呼吸的自然活动,对歌唱者造成及其不好的影响。”由此可见,歌唱者必须努力把歌唱时的呼吸习惯和生活中的呼吸习惯协调起来。如果能在这方面取得成就,也就为发展每个歌唱者的声音表现力创造一个最成功的条件。

2歌唱时气息的运用

歌唱时的呼吸是通过歌唱训练而形成的呼吸,建立在人们自然呼吸的基础上,与日常生活的呼吸有所不同。歌唱的呼气是在平躺吸气的状态中加以控制,尽可能持久地保持吸气状态,保持横膈膜和两肋的支持状态;吐气时小腹逐渐收缩,缓缓地吐气,以适用歌唱的需要。歌唱呼吸的训练目的在于不断延长发音持续的时间,获得演唱呼吸的各种技巧。在此基础上,歌唱者要全身“放松”,呈“自然状态”,缓慢地吸气,并利用一瞬间的轻微冲力,像吸气一样的动作唱出每一个音符。

巴尔纳德说:“平时呼吸是一种自动的活动,但歌唱时要求特殊的呼吸,所以要有特殊的气息控制”。爱金说:“歌唱时的呼吸,是与寻常的呼吸有所不同。”它的整个目的是为声音的发出,支持一种长的、节制的很好的空气压力。一口满满的气,常须很快地吸进,并且要在一个控制着压缩情况下,至少保持20s。这样1min的呼吸次数才能减到最低限度。再一点是要以一种留心地控制着的力量把它呼出,因为声音能够把握的发出全靠这一点。

3歌唱呼吸的训练

在歌唱时很多教师和演唱者大都采用“鼻口同时吸气”。在演唱起音时必须用口吸气,以便较好地扩张咽、喉以及气管、主支气管,并使它们的平滑肌作积极的活动。

下面有几种方法,可用于锻炼有关器官在歌唱时发挥其机能。它们是哄笑、叹气、打哈欠、惊讶、喘气法等。

(1)“哄笑”可以发展腹部的肌肉群,像在唱歌时所适应的那样。(韦柯夫:《歌唱者的基础》)

(2)“在歌唱中自由地呼吸最好的实例是拖长音的叹息。”(瓦特尔斯:《歌曲声乐学习的材料》)

(3)“歌唱者的呼吸必须像打哈欠时那样吸的深。”(马尔开西《歌唱者的问题解答和纲领》)

(4)“就像在受到惊吓时那样迅速的吸气,可以发展在歌唱时的快速换气。”(辛德尔:《头韵法与发音法》)

(5)“喘气是加强呼吸活动柔韧性的最好练习。”(威尔逊:《独唱者》)

作为一个声乐工作者,当掌握了一些歌唱呼吸的基础和基本原理,并有了一定的实践经验之后,还有必要结合歌唱实践,对气息运用的技法和理论,作进一步探索,从而使自己对所从事的事业,有着更扎实的声乐文化素养。

4如何正确运用呼吸达到“字正腔圆”

呼吸广泛地运用于歌唱中,良好的呼吸才能达到“字正腔圆”,正确呼吸方法的运用,可引出口腔应有的各种发音机能,使发出之音,自然“字正腔圆”。

艺术议论文篇(8)

在鸦片战争造成的“五口通商”之后,上海自19世纪60年代起,逐渐成为国内最大的商埠和中西文化的交流中心,号称“十里洋场”。张鸣珂《寒松阁艺琐录》中记“自海禁一开,贸易之盛,无过上海一隅,而以砚田为生者,亦皆于于而来,侨居卖画……”由于上海经济渐趋高度发展和城市人口膨胀造成的市场繁荣,以及太平天国运动的影响,各地画家多来上海居住﹑谋生和寻求发展,上海成为全国画家最多最集中的城市。政治和经济的变化,带动了审美观点和创作思路的改变,使寓居上海的画家群体萌发了革新要求和实验新的创作实践的愿望,新的画风应运而起,形成清末民初著名的“海上画派”。

近代的“海上画派”,并不是狭指中国画中的一个风格派别,而是泛指一群敢于破格创新,甚至吸收西方手法技巧的海上画人,他们来自五湖四海,共同开拓了海上新画风。海派在总体上呈现以下风格:在继承传统的基础上开拓创新,个性鲜明;重视诗书画印诸方面的修养,从民间艺术中吸取营养,雅俗共赏;借鉴吸收外来艺术。海上画派最具代表性的画家有赵之谦﹑虚谷﹑蒲华﹑任伯年和吴昌硕等。

海上画派在题材的选取上偏向于花鸟画,其次是人物,再次山水。由于受绘画商品化的影响,海派绘画大多表现的是与市民生活密切相关的现实性题材。WWW.133229.cOm海派画家大多擅长画花鸟,很少有人画山水画,这是因为花鸟画更能赢得市民的喜爱,容易出售。与传统的表现优游山水的林泉之志不同,其选取的多是月季﹑玉兰﹑牡丹﹑海棠﹑菊花﹑美人蕉等以及白菜﹑萝卜﹑南瓜﹑大蒜﹑柿子﹑蟠桃﹑枇杷等具有吉庆色彩和生活气息浓的题材入画。这与上海的环境有很大关系。经济的繁荣使市民有能力购买绘画作品装饰厅堂,这样就推动了审美习惯的改变。那些寄托了人民富贵发财愿望色彩的绘画作品很符合他们的需要,而画家为了生存就必须根据主顾的需要而创作绘画作品。

海派绘画在色彩上非常鲜明,色墨浓郁而又热烈,具有浓重的商业化色彩和强烈的世俗性特点。海派绘画作品的色彩喜用民间绘画中的大红、青绿等鲜艳对比强烈的色彩作画,使其风格与民间绘画的色彩格调相似,这是因为市民们大多喜欢色彩鲜艳对比强烈的绘画作品。一个画家要想很容易地卖掉自己的作品,就不能不考虑市场的艺术趣味。海派画家用色浓重的另一个原因可能和西洋绘画的影响有关。由于上海是一个“十里洋场”,海派画家的创作不可能不受到外来文化的影响。在任伯年和吴昌硕的作品中经常用洋红色,而洋红颜料就是从西洋带来的,而任伯年的人物画受西方写生法的影响,每当外出,必备一手折,见有可取之景,就铅笔勾录。酸寒尉像中吴昌硕所穿官服,均用大块色彩渲染而成,不见一笔勾线,以没骨法画人物,凭借的是冼练而准确的写生功力,才能将人物画得形简神全。而其画的花鸟画中呈现的光影效果也是受西方绘画的影响。

海派绘画中具有强烈的金石趣味。海派起于赵之谦,他被公认为给“海上画派”之形成以决定性影响的人物。赵之谦诗书画印四绝,又精通古文字学。其书法初宗颜真卿,画则学习南北两派,书致力于篆﹑隶﹑八分以及北魏书,锤炼出流媚华妍的风格。其篆刻初学浙皖两派,融会诏版﹑碑刻﹑砖文﹑钱印﹑镜铭﹑石鼓文之类的金石文字入印,是继浙皖诸派之后大家。其印章法讲究,古劲雄厚,凝练俊美,独创新格,人称“新浙派”或“赵派”,为篆刻艺术开创了广阔前景。赵之谦的画融徐渭﹑石涛等人写意法,用鲜艳的色彩来配合放逸的笔法,加上精巧的布局,对海派后来的画家有重要影响。除了赵之谦以外,把篆隶笔法和篆刻刀法融入到绘画创作中另一杰出人物当首推吴昌硕。吴昌硕学画时博取陈淳﹑徐渭﹑朱耷﹑石涛﹑金农﹑赵之谦诸家之长,尤其推崇徐﹑朱﹑赵三家,又继承赵孟芾以来以书入画的传统,“以榴写花,草书作干”。吴昌硕的画讲究诗书画印整体的美,崇尚气势,笔力老辣而富有金石气。他以篆隶笔法和篆刻刀法融入绘画之中。吴昌硕一生最爱梅花,画了多幅梅花图,甚至将自己的性格﹑思想和人品也融在高洁清雅的梅花之中。由于他有着坚实的书法和篆刻功底,又能将他们与绘画艺术有机结合,在用色上大胆创新,形成独特的艺术风貌,使作品具有浓郁的金石气,别具一格,对后世写意花鸟画产生巨大的影响。

海派绘画中任伯年的人物画比较出色。任伯年出生于鸦片战争年代,其一生清政府都处于国弱民穷,落后挨打的风雨飘摇之中。任伯年用他的画笔曲折写出对祖国前途的担忧和山河大地的深沉感情。他常画的《关河——望萧索》﹑《故土难忘》﹑《关山在望》为直抒胸臆之作。这些画单人独马远眺前方或跪拜地上,画中萧疏寒林﹑荒漠大地一片苍凉,表达了画家的爱国热肠和忧患意识。在《观刀图》中,画面绘大树和假山旁的两个壮士和一位妇女,一位壮士正抽刀出鞘,女子则双手抱刀,三人都怒目圆瞪,似面敌欲战。画中之景是豫园点春堂的环境,三人显然是当年占据此地反抗腐朽的满清当局和洋人枪队的小刀会英雄。他在题款中特地指出为点春堂而作,分明是回忆当年和想象所见的人物及景象,用画笔表达一股勇气,表达自己对国家“恨铁不成钢”的怒气。

海派绘画的画法简练概括,运笔飞快。海派画家作画或没骨晕染,或勾花点叶,皆粗笔阔墨顷刻而成。海派画家这种快速作画的方法与画家的效益追求有密切关系,这种画法可以在最短的时间内创作出大量的绘画作品,以满足供不应求书画市场。

海派绘画在审美境界上具有强烈的世俗情调和浓厚的生活趣味。由于海派深受绘画商品化的影响,他们的作品具有强烈的迎合市民欣赏的口味。赵之谦画上的“大富贵”﹑虚谷的“松鹤延年”、“紫绶金章”等皆是代表,吴昌硕画面色墨浓郁的富贵牡丹都具有很大的商业化世俗化味道。海派在题材与绘画内容上,都与传统的文人画有了截然的区别。古代文人画家所追求的超越世俗的艺术精神和优游山水之间的林泉之志在这个“十里洋场”中已没有存在的社会基础,传统萧条淡薄的艺术境界和孤芳自赏的高逸品格早已和当时上海商品社会的审美情调大相径庭。色彩灿烂﹑装饰味浓的海派绘画更多表现出的是一种大富大贵的市民精神和欣欣向荣的商业气象。

以开放发展的眼光看海派绘画,其在继承传统的基础上大胆创新,从民间绘画以及西方绘画中吸取营养,形成自己独特的艺术风格,使绘画更加符合社会的审美需要,从而成为绘画史上的又一高峰,对后世绘画艺术的发展具有深远的影响和启发意义。

参考文献:

艺术议论文篇(9)

一、装潢艺术的设计理念

(一)实用性

装潢设计属于现代设计范畴。据有关专家研究,将现代设计划分为产品设计、环境设计和视觉设计。而装潢设计在这三大类设计中均有其重要的位置。现代设计又与建筑艺术、园林艺术、工艺美术等,共同构成实用艺术。因此,实用性乃是其题中应有之义。这就要求装潢设计首先要充分注意到不同人对不同被装潢物的不同实际需求。从总体上说,建筑艺术的主要-功能是避雨遮风,为人们提供舒适方便的室内空间场所。但不同的建筑类型,具有各自不同的使用目的,因而其具体实用性也就各不相同。例如,住宅楼的实用性主要是适宜人们日常的起居生活;剧院的实用性主要是保证观众充分欣赏演出;陵墓、纪念堂的实用性则主要是创造庄严肃穆的气氛。为了充分体现出装潢设计的实用性,就要力戒单纯片面地追险猎奇,防止浮华不实与奢侈浪费。

(二)美观性

装潢设计之所以被称作“装饰艺术”,顾名思义,是以美观性作为重要审美特征的。但是,作为一条设计原则,美观性要服从、服务于实用性,要做到实用性与美观性的完美结合,以实用性作为美观性的前提与基础,而美观性反过来又增强实用性。例如室内装饰布置就愈来愈引起人们的关注,从地面装饰、墙壁装饰,到花样繁多的灯具、琳琅满目的床上用品,乃至窗帘、家具、摆设的壁挂、观赏工艺品等等,都日益普及,进入千家万户,紧连你我他。而且可以预见,随着我国社会经济的快速发展,这一趋势会更加明显。

装潢设计的美观性作为表现性空间艺术的重要审美特征,并不注重模仿客观事物的再现性,而是注重某种朦胧抽象的情调和意味,正如英国现代著名美学家克莱夫·贝尔所说:“这是一种有意味的形式。”也就是用色彩、线条、造型、图案等外部形式,来表达体现出一定的情绪、气氛、格调、意味。所谓“意味”,实际上就是一种朦胧宽泛的情绪或情感,也就是要表现出设计者的情感、风格和美学追求。

作为形式美,装潢设计的美观性,既包括色彩、线条、造型、图案等因素,又包括对称均衡、多样统一等形式法则。美观性既产生于形式美本身,又产生于形式美整体和各个部分之间的协调。需要特别注意的是,美观性的追求应与安全环保性相统一,绝不可以单纯为了美而危及到安全与环保。因此装潢设计者一是要牢固树立“安全与环保第一”的设计理念。

(三)民族性

世界上一切国家、一切民族的一切艺术,都以本民族的民族性作为生命与灵魂。装潢设计作为一种艺术设计,当然也必须以民族性作为一条重要的设计原则。仅以园林设计为例,我国的园林就与西方园林和阿拉伯园林迥然不同。我国园林与文化传统密切相关,许多园林都取材于古代文化、引用神话传说、借鉴文化典故、诗化自然风光,追求“诗情画意”。例如杭州西湖风景区中,就有大型的亭榭、楼阁、寺庙、园林等30余处,为风景如画的自然风光增光添彩。而其内部与外部的装潢设计,或楹联相对,或壁画相称,在色彩、布局诸方面,均具有鲜明的民族性特点。装潢设计的民族性,不是“为古而古”,而是“古为今用”。在这方面,有许多成功的典范,例如北京奥运会的“中国印”的图案设计,就是民族化的经典,也为装潢设计如何“古为今用”做出了表率。其中的篆刻艺术,为中国所独有,民族特色十分鲜明。而文字的人形的象形意义,又充满体育运动的特色。

二、中国文化对装潢艺术的影晌

设计离不开庞大的哲学思想,离不开悠远的民族传统,离不开当今文化的发展。儒、释、道是中国传统文化的三大要素,每一个中国人所受的教育均以这三大要素为基础。倘若对这些基本思想缺乏深入了解,却试图透过设计来传递这种思想,那么这类设计作品将无任何价值可言。如香港著名设计师靳埭强的作品就具有庞大的东方哲学思想和浓厚的东方文化色彩。他的构图结构稳健、画面清丽,对于留白处理及和谐比例有着很深的造诣。作品色泽时而欢悦、时而雅致。立意隽永丽充满禅机。

艺术议论文篇(10)

(一)财务管理理念落后

现在的文化事业单位普遍存在这样的问题,对财务管理的认识不足。通过调查发现,财务管理者对财务管理理论理解不深同时也缺乏创新意识,造成财务管理与业务管理不能统一。

(二)固定资产管理存在的问题

不少文化事业单位对固定资产管理的方法过于传统,没有现代化的管理方法。财务管理者仅仅对固定资产核算原值,但是原值只能反映历史成本,不能真实反映单位的经济资源。在对固定资产管理上要很全面,比如,固定资产账面价值与净值,都要很详细的记载,通过账面可以很好反映单位的资金的使用情况。

(三)预算管理存在的问题

大多数文化事业单位存在资金用途不明、“专款不专用”的现象的不良现象,这是由预算中出现错误造成的。在现在的文化事业单位中都实行事业单位会计制度,在这种制度下,预算工作必须要得到重视。为了使事业单位资金的正常运转,真正的体现预算的计划控制作用,在对预算管理工作时必须要进行决算。决算是对预算执行的总结,文化事业单位的预算和决算是相关联的,通过两者的控制,来避免那些不良现象发生。

(四)财务管理人员素质不高

随着经济的快速发展,事业单位对高素质人才的需求越来越大,他们对其的发展有着重要的作用。纵观现在的文化事业单位,其人才结构存在明显不合理的现象:高素质的会计人才和财务管理人才占有比例小。由于这种现象的普遍存在,使得事业单位的财务管理工作很难高效进行。在市场经济快速发展、会计制度深化改革的情势下,低素质的工作人员已经失去了竞争力,其业务能力和专业技术水平偏低,对新制度、新技术的接受能力有限。同时,财务管理工作的轻松环境可能会使财务人员缺乏风险意识、责任意识,这也是财务管理人员素质不高的一种表现。

二、深化文化事业单位财务管理改革的措施

(一)转变财务观念

财务管理人员管理财务的观念要与时俱进。这就要求财务管理人员要转变传统观念,在传统的基础上加以改革,并逐步寻找适合自己发展的新的理念,完善财务管理体制。例如,在事业单位会计制度的实施下,对产权界定可以很好的对经营成果的核算。这项工作就不是一般的财务人员就可以做到的,需要财务人员转变观念,所以财务管理人员要接受新的财务理念才可以更好的完成财务工作。

(二)加强预算管理

文化事业单位的资金来源是国家财政,由于这个许多事业单位的财务制度存在漏洞,认为花的是国家的钱,造成资金浪费。为了更好的管好、用好预算资金,文化事业单位要坚持“突出重点,兼顾一般”的原则,并对预算项目细化。[2]国家拨给文化事业单位的资金有限,所以财务人员在预算时,要充分考虑单位年度内的业务情况。财务管理者可以通过参照前几年的各项收支水平来做本年度的预算,并留有一部分的预备资金,用以应对年度内突发的情况,使其预算更合理。预算的根本目的是提高资金的使用率,避免超预算的情况发生。文化事业单位的资金虽然都是国家专项资金,单位资金的使用上要坚持“勤俭节约,专款专用”的原则,使国家资金可以最大化的帮主事业单位的发展。

(三)加强资产管理,特别要加强固定资产管理

文化事业单位的资产是国家的一部分,它的资产都经国家物资管理部门验收的。文化事业单位是国家为了保障文化事业活动正常开展而设立的单位,因此文化事业单位要有更为严格的财务管理制度。在其单位资产的购置及维护方面,要报予国家物质管理部门,并在财务上明确记录,加以说明。[3]对单位的贵重仪器等物品,应该经专业技术人员检验评估后交付使用,并在财务备案,以方便记录设备的后期维修保养等费用。单位固定资产的转让和报废,都需要国家资产管理部门的批准及有关单位的鉴定,并将所得记录上财务,事业单位不得私自处理。除此之外,对一些隐形的资产也要在财务部门做出相应的记录,如文化产品的商标权、专利权等还有文物、艺术品等都是国家重要的资产,是国家文化的一部分。对于这些资产财务部门要详细的记录在案,并定期与物资管理部门进行核对,以保证国家文化资产的安全。

加强固定资产的管理。首先是单位固定资产的购置,原则是经济适用,符合集中采购标准的要进行集中采购。为了防止重复购置,可以将固定资产的购置纳入预算中去;其次是对固定资产的处理。为了确保国家资产的安全与完整,要及时上报国有资产管理部门批准;最后是固定资产的折旧。所谓固定资产折旧,是指固定资产在使用过程中,由于损耗而逐渐转移到成本、费用中去的那部分价值,从而使资产出现贬值的情况。随着社会主义市场经济的发展,固定资产的更新周期大大缩短。于是,对固定资产更新改造的速度提出了更高的要求,加速折旧从而加速资金的回收就变得更加重要,这也对财务人员提出了更高的要求。在财务管理工作上,要有严格的管理制度制约财务人员的工作。现在就有很多好的制度可以优化其工作,例如会计岗位责任制度,这个制度就很好的把责任分配到个人,提高了财务工作人员的积极性,增强其责任意识和危机意识,从侧面提高其综合素质,有利于财务工作的顺利进行。财务工作要遵循“账账相符、账实相符”原则,使财务工作更加规范,才能保证文化事业的健康发展。

(四)重视内部财务控制制度的完善

财务最终反应了文化事业单位的经营管理活动的成效。为了使文化事业单位更好的发展,要严格实行“责任分化,授权控制”的原则,加强财务管理。[4]首先要从单位内部的会计环节入手,让财务人员明确责任,并逐步向其他管理部门延伸,最终使整个单位的工作都有条有理。财务部门应该有严格的制度,财务人员都要有明确的责任和权限,一般情况下不能僭越。例如,会计不能代出纳收款,出纳不能代会计做账,非出纳人员不得管理现金收付和保管业务,这些做法都不合理,容易使财务工作混乱,发生许多不必要的麻烦。结合各单位的业务特点,制定相应的流程制度,规范财务人员的工作方法,可以使会计工作更有效率。在财务工作中,要注重基础工作,注重细节问题,并做好账目的核对工作,以便及时的发现问题解决问题。为了更好的监督财务工作,财务人员可以对单位资金的流向做出记录,张贴出来,使经济业务和会计处理得以相互联系,使财务工作公开透明。

三、结语

从文化事业单位的财务管理的情况来看,财务管理理念落后、固定资产管理存在的问题、预算管理存在的问题、财务管理人员素质不高等问题还是普遍存在的。这些问题的存在严重的制约了事业单位的健康发展。文化事业单位需要转变财务观念、加强预算管理、加强资产管理、重视内部财务控制制度的完善。这样才能够使得财务管理满足文化体制改革的需求。

参考文献:

[1]杨玲玲.强化单位财务管理的思考[J].行政事业资产与财务,2011(08).

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