篇（1）

音乐是一种依靠听觉来感知的时间艺术，古今中外的理论对音乐创作、表演关注的同时，也对“音乐欣赏”的理论诠释所重视，有人还将这一诠释视为“三度性创造的艺术”［1］，以此来和创作、表演的一、二度创造艺术相提并论。中国远古的“高山流水觅知音”、西方音乐中阿门达对贝多芬《F大调弦乐四重奏》中“情人离别”的感受等故事，都说明欣赏是音乐文化中的重要组成部分。钱仁康先生认为音乐欣赏是作曲家和演奏家寻觅知音的重要组成环节，它要在4个方面下功夫：沟通音乐信息、发挥主观能动的审美作用、判断音乐作品的艺术价值、接受感心动耳和荡气回肠的艺术享受，把音乐欣赏引导纳入寻求音乐美感的快意中［2］。李宝杰主编的《音乐鉴赏》（下文简称《李鉴》）就具有钱先生所言及的探索，它是在理论探索之中应时代之需进行的学科理论建构。

一、继承传统 推动学科

撰写“音乐欣赏”类书籍的传统不仅在国外盛行，在中国也自古有之。中国古代文人在品乐中留下了精彩文献，老庄的“大音希声”、孔子的“闻韶乐三月不知肉味”、嵇康的“声无哀乐论”等赏乐格言已为世人所熟知。进入20世纪后，随着西方专业音乐理论的传入，中国的“音乐欣赏”领域进入新的境界，黄自的《音乐的欣赏》（1929）等系列著述的诞生就是早期的代表［3］。新中国建立后，特别是改革开放以后，音乐欣赏领域更是获得了极大的发展，上海文艺出版社组编的《音乐欣赏手册》（1981）内容丰富、文笔活泼、实事求是、编排新颖［4］，钱仁康的《音乐欣赏讲话》（1982，1991年又出续编）注重知识理论与技术分析相结合、内容形式与辩证关系自然地结合、知识介绍与审美认识、艺术想象启发相结合［5］，孙继南的《中外名曲欣赏》（1985）通过通俗的笔调、深入浅出的介绍，喜闻乐见地评介了古今中外不同历史时期和艺术流派音乐名家的声乐、器乐作品（见赵沨序言），杨民望的“世界名曲欣赏”系列（1991）等，将中国在“音乐欣赏”领域的探索逐步引向纵深。

近年来，“音乐欣赏”类的著述更是如雨后春笋般地涌现，如：《中国民族音乐欣赏》（江明惇）、《世界名曲与CD指南》（杨雁堤）、《中外名曲欣赏》（邹燕凌）、《中外名曲50首欣赏》（张鸿玮）、《中外音乐名作欣赏》（张志军）、《中外名曲欣赏指南》（宋申）、《中外名曲100首欣赏》（杨惠芬）、《中外名曲赏析》（王盛昌）、《中外音乐名作欣赏》（冯步岭）、《音乐名作赏析》（张文元）、《中外经典音乐欣赏》（周世斌）、《音乐名家名曲中国篇》（王安国）、《中外音乐名作选析：1. 2.3》（王少华）、《中外音乐名作赏析》（朱之谦）、《中西名曲欣赏》（关伯基）、《声乐作品欣赏》（武兰平）、《世界名曲赏析》（李虻）、《音乐欣赏》（张旭）、《中外名曲赏析》（茅原）、《外国音乐欣赏丛书》（人民音乐出版社编）、《中国音乐欣赏丛书》（湖南文艺出版社编）、《交响音乐名作鉴赏》（胡企平）……另外，以辞典形式对中外音乐作品进行鉴赏评介的还有缪天瑞的《音乐百科词典》（人民音乐出版社1998年）、罗传开的《外国名曲欣赏辞典》（上海音乐出版社2003年）、罗忠镕的《现代音乐欣赏辞典》（高等教育出版社1997年）、林逸聪的《音乐圣经》（三卷本，华夏出版社1999、2000）等，著述虽然繁多但良莠不齐，比如：有人对《现代音乐欣赏辞典》所做贡献的高度赞扬［6］，而有人认为《音乐圣经》是“快餐时代的低劣出版物”［7］，《中国民族音乐欣赏》是“一本谬误百出放胆抄袭的教材”［8］。而在期刊的研究文章方面，据笔者统计，从新中国建立后至今的见诸于刊物的“音乐欣赏”类的论文就有6千余篇，是所有音乐研究中最为兴盛的领域。这些论文有涉及到具体作品欣赏的，有以音乐欣赏课程教学的角度予以解析的，等等。

这些研究成果的不断涌现，一方面表明“作品欣赏”在音乐传播中的重要性，另一方面必将促使人们去深思“音乐欣赏”应具有学科化建构的意识。否则，欣赏类著作的撰写必将停留在重复的层面上，难以适应信息化时代大众对音乐文化传播的渴望与需求。《李鉴》的出版可说是应时代之需进行的较好学理探索的成果之一，它是普通高等教育“十一五”公共艺术限定性选修课程规划教材，集合了音乐院校和综合院校“音乐欣赏”的一线授课教师，把编者们多年来对该领域教学的有益经验进行整合，编写中表现出“教材”所需要的普适性、进阶性的特点从而展现出较强的个性特色。它按照课堂教学的规律来分类不同专题，每个专题又“有史有论”、“有个案有线索”。它以音乐体裁的专题史发展为形式，将散性的个案鉴赏整合为可供学科化教学实施的艺术专题。书中内容既有宏观历史线索的勾勒，又有微观作品的音乐内涵解读，尤其注意了选修课的广宏涵盖面和对象的特殊性，其施教对象并非只考虑到音乐专业学生，文科诸专业甚至工科院校也是其涵容的对象。这些教材化的建构特点是李宝杰、冯立斌、齐宜婷、唐继凯、夏艳洲、王青等编者深入认识“音乐欣赏”既往学术成果，整合优化其精要，是在新时期的学科化发展理念下所做出的探索。这一探索既有教学讲解中的历史性价值评判，又有学科视野下的进阶性、整体性、艺术性，还依据学科发展特点注重了学术规范的要求。这一探索把音乐技能培养与情感心理引导相结合，在音乐耳朵感染中接受文化、历史与生命律动的音韵美。它以既往“音乐欣赏”领域的研究成果为研究对象，以学科教学实践所需要的规律进行整合、优化，从其论述线索中可以看出它对“音乐欣赏”学科建构的推动性贡献。

二、观念新颖 构思精巧

拓展阅读视野和促进音乐文化发展是《李鉴》在编写观念上给读者的印象之一，而以音乐体裁为艺术单元、以历史纵横向的音乐学理比较是其构思上给人的特色之处。其构思的精巧在于不同于以往个案解读，而是以专题历史沿革为导引的论述线索，这就涵盖了学术极为丰富的信息，还以“延伸”阅读的补充方式扩展其正文之外的内容，使个案解读的鉴赏中增添了宏观的学科涵容广博。而这些观念和构思又是为其欣赏的专业课程化教学服务的，它不同于以“单曲介绍”为形式的、辞典式的“音乐欣赏”著述。

从观念上看，《李鉴》从影响爱乐者审美情趣的深层机理出发，进行音乐欣赏表现方式的挖掘，对音乐历史文化语境下的古今中外经典作品进行了技术性的解读。它体现了音乐欣赏在走出用文学化、美术化方式理解音乐的误区上的实践［9］，注重音乐作品的技术信息解构，注重对象的艺术品格剖析，尤其以爱乐者的知识建构为技术解析对象，以雅俗共赏的叙事方式展开其逻辑层次。

《李鉴》既有整体编写的统一性控制，亦有个案性格化的叙事展开。这种控制与展开都是编写团队深入理解既往音乐欣赏领域的优点而作出的学科化建构。如“管弦乐”部分，编写者将其分为以序曲、组曲等形式的“管弦乐”和以多曲哲理联缀的“交响乐”，这一区分既有传统的习惯又有学理的技术细分，体现出明确的整体与个体关系。在欣赏导引部分，编者以交响乐历史发展为宏观线索梳理，给读者建构起观念上的初步印象，从词意、乐意、乐史的层面为读者建立起了交响乐这一体裁的学理知识，这为后续的“名曲”技术层面的解读铺垫了基础。在《艾格蒙特序曲》个案的技术解读中，编写者以歌剧的戏剧结构为基础而将音乐结构的发展置于主题思想的层次剖析之中。这种个案的叙事在宏观的知识导引下逐步引申展开，将贝多芬作品中特有的“英雄性”乐意及其思想逐层渲染。这种编写观念和构思是着眼于学科教学的实际，立足于学生乐思的接受实践过程，由此彰显出《李鉴》编写的特色。 转贴于 　 三、体例独特 结构清晰

体例的创新是《李鉴》给笔者的第一印象，其体例以“艺术歌曲”、“器乐独奏”、“歌剧”、“室内乐”、“管弦乐”等体裁为结构单元，以中外音乐经典作品为个案内容为叙述逻辑，将各体裁的历史和技术特点娓娓道来。而每一部分又细分为多节，分述不同内容的代表作。这样的论述方式除了给人以体例独特而有别于以往的“音乐欣赏”，还在结构上以层层递进的展开给人以线索清晰之感，而章节式的体例有助于教学过程的具体实施，延伸的推荐曲目又有了“课外作业”的意味。每章的“欣赏导引”除了给人以体裁专题史的知识铺垫外，还给教学过程的导入注进了理性逻辑。

以国民音乐素质的培养、音乐审美接受的理论与实践的层面看，《李鉴》从每部作品的作者、背景、戏剧结构等方面来层层推进，将普通音乐课程新标准、艺术课程实施规律予以“音乐欣赏”化的贯彻。这一强调音乐审美来推行新时期乐教核心的方式，使《李鉴》的体例具有了宏观学科视野下的具体课案实践的探索意味，这与音乐欣赏的学科发展背景是相合的，体现出欣赏的目的、内容、过程乃至逻辑这些新时期对音乐欣赏学科发展提出的新要求［10］。

如《李鉴》中的“艺术歌曲”，它以艺术歌曲的历史发展为“欣赏导引”，以“德奥”、“意大利”、“法国”、“俄罗斯”、“中国”等国别为结构单元，对艺术歌曲的经典作品进行了鉴赏。编者以艺术歌曲发生发展为出发点，以历史进程中的不同国家各领风骚的艺术歌曲鉴赏为突破口，将作品进行技术解析，并结合歌词意蕴对其抒情性特质进行了阐释。

如果从教学的角度看，《李鉴》中的艺术歌曲叙论结合、层层展开、灵活多变地将教学过程所需要的知识与技术呈现出来。这种体例和结构有助于教学过程中的实施步骤推进，也符合不同教学单元的个性展开。其思路之清晰、叙事之独特是《李鉴》最突出的特色之一。

四、阐释精到 引领乐品

音乐欣赏是一种在娱乐基础上的深刻社会素质建构的有效艺术形式，它不仅是一项审美实践活动，还是一项创造性的审美活动；它既是音乐实践的最终目的，又是推动时代音乐发展的力量［11］。一部优秀的“音乐欣赏”论著就是社会审美引导的美丽风景。要达到引领思想风尚的艺术效果，光依靠作品的视听还无法达到准确表意的目的，其中精到的欣赏理论阐释是必不可少的。

《李鉴》的阐释精到首先表现在每章的标题上，如：“乘着歌声的翅膀”——抒情歌曲、“魔鬼的颤音”——器乐独奏、“今夜无人入睡”——歌剧精粹、“如歌的行板”——室内乐等。这些标题多以各体裁的经典作品为指代，使标题的指向性意图明了，直达乐意，文风活泼，加强了“娱乐性”阅读的情趣。

阐释的语言风格也是《李鉴》阐释美学的表现形态之一。如：对江文也的《台湾舞曲》 的论述，编者引论到：

20世纪早期是中国音乐与世界音乐发生碰撞的特殊阶段，由于多变的局势动荡，致使一些较早踏上现代音乐之路，在那个时代华人音乐家阵营中并不多见的，本该成长为世界级的作曲家，或者说已经在一定范围内产生了世界影响的作曲家，却过早地断送了艺术生命，留下了永久的遗憾。这就是本节所要介绍的台湾籍作曲家江文也的艺术道路及其惊世之作交响诗《台湾舞曲》（《李鉴》第191页）。

这段引论以简略的笔墨将《台湾舞曲》的创作背景及成就精要地呈现出来，其后，论述以“追随世界音乐潮流，追求奇特的形式结构，探求新的音响”为作品技术阐释中心，将这一创作阶段中的江文也的曲作特色呈现开来。阐释中，编者以结构内容的逐层表达为逻辑层次，如在乐曲的开始处所鉴赏的内容，它解析出《台湾舞曲》的“有意打乱旋律节奏的轻重关系”的特色，并就此延展出乐曲整体性的节奏形态特质；又以回旋曲几个插部的节奏和旋律形态特征，来说明乐曲中所运用的印象派手法的娴熟，表达了作曲家深情款款的故土情怀、对民间音乐的主动发展以及对管弦乐创作的技术和思想。这种以技术解读为中心，以作品特色和思想的呈现为延展，以结构层次的挖掘为逻辑线索，《李鉴》的阐释可谓精到。

从接受美学的角度来看，艺术接受的本身也是一种创造，也是一种带有主观能动性和批判精神的再创造活动。［12］而音乐欣赏是要在音乐形式内容的解读中寻求的思想的启迪和升华，把音乐作品描绘的意境与欣赏者的情感触动相对应［13］，遵循创造美和接受美的规律是音乐欣赏阐释的基本准则，只有精到的乐意阐释才会触动品评音乐的美感境界。《李鉴》的阐释中注意了乐意内涵的直观性表达，如在贝多芬第九交响乐《合唱》的阐释中，《李鉴》从音乐主题的造型分析入手，结合启蒙主义的思想背景，将席勒的诗意和贝多芬的乐意进行了对照直至解读，展示出作品中“欢乐”的思想主旨，使听乐者感受到作品中崇高、雄伟、博大和恢宏的乐境，从而感染聆听者的思想，在忘我的审美体验中获得精神的提升（《李鉴》第200页）。从这些阐释可以看出《李鉴》中的鉴乐思想，其主旨和终极目的是为接受对象精神境界的提升创造了条件，文中立意可见一斑。

《李鉴》其它方面的特点还有很多，如：谱例遴选适当、文笔流畅活泼、论述由浅入深、图文并茂等。这些特点都将使其“音乐欣赏”的诠释具有学科化、学术化、艺术化和可读性特色，必将使读者更能从中感受音乐欣赏的理论价值和艺术美育贡献。

当然，作为初尝音乐欣赏新形式的学科化实践，《李鉴》也并非完美无瑕。比如：从总体上看，它在细致展示音乐作品创作过程的同时，导致其背景知识部分的展开过于繁琐，这一“喧宾夺主”的“展开”影响了所要进行的技术解读等主体部分的展开；从局部来看，编者将拉赫玛尼诺夫的《c小调第二钢琴协奏》、格什温的《蓝色狂想曲》、门德尔松的《c小调小提琴协奏曲》等作为室内乐的体裁，这显然不适合编者对室内乐体裁的界定；而局部比例失衡也限制了某些体裁解读的正常展开，如对音乐剧部分的阐释，《李鉴》只用了《演艺船》之“老人河”、《猫》之“回忆”、《音乐之声》之“孤独的牧羊人”三曲具有片面性无法全面展现处于“朝阳产业”发展态势中的音乐剧艺术的音乐风采。这些欠缺如能在将来的修订中予以调整和完善，可能会使《李鉴》走进更多的教学课堂，并为更多的赏乐者所喜欢。

参考文献

［1］赵沨.中外音乐欣赏-序［C］.济南：山东教育出版社，1985:1.

［2］钱仁康.中国音乐欣赏丛书-总序［C］.长沙：湖南文艺出版社，2001:2-3.

［3］冯长春.黄自音乐美学思想的基本观点及其本质探微［J］.中国音乐学，2000（3）.

［4］晓耿. 简评《音乐欣赏手册》［J］. 人民音乐， 1982，(11).

［5］沈念慈.寓深于浅 博约相照——简评钱仁康的《音乐欣赏讲话》［J］.人民音乐，1985（8）.

［6］王震亚.世界现代音乐的投影——《现代音乐欣赏辞典》简介［J］.中国音乐学，1998 (1). 汪申申.全方位了解现代音乐的良师益友——评《现代音乐欣赏辞典》［J］.人民音乐，1998 (2).

［7］刘诗嵘.误人子弟的“圣经”［J］.人民音乐，1996（6）.

［8］刘国杰.一本谬误百出放胆抄袭的教材——评《中国民族音乐欣赏》［J］.中国音乐，1992 (4).

篇（2）

《人生必修――赏音析乐方法论》（人民出版社出版），云南师范大学艺术学院刘丽英教授的新著，笔者以为有三新。

首先，欣赏音乐是需要方法，但运用何法，却能显出鉴赏者或著书者的高下。而《赏音析乐方法论》这一能勾起人的好奇心的书名本身就有别于笔者案头琳琅满目的诸多音乐欣赏类读物。而该书目录“析乐篇”中，又言简意赅地提出了听赏音乐的多样贴切比喻，如：赏乐一如品人；从体裁的“型”中品出题材的“味”；标题音乐――读出“情景”，非标题音乐――感悟“心灵”，等等……足见著者对乐音音响的感悟能力和投入精神，以及欣赏理论的解读功力和人本精神，既有相当的学术研究价值，且可面向音乐专业在读生，又是一本面向大众的书。

篇（3）

② 韩艳梅：《跨文化解读》，《电影文学》，2013年第1期。

③ 阳欣：《：美国精神、乐观主义之歌舞再现》，《数位时尚（新视觉艺术），2009年第8期。

[参考文献]

[1] 曾田力.影视剧音乐艺术[M].北京：中国传媒大学出版社，2003.

篇（4）

我国是由56个民族组成的大家庭，在长期的历史发展中，不同地域、不同生产生活方式的民族产生了自己独特的文化和音乐，民族文化成为我国优秀的传统文化的重要组成部分。高校在音乐教育中，传播和弘扬优秀的民族音乐，是对我国优秀文化的传承和发扬，也是对民族历史文化的尊重。

一、民族音乐赏析的特点分析

（一）文化性

对民族音乐的赏析，要求欣赏者具有较高的传统文化知识，要求其对民族的历史传承、风俗习惯、生产生活方式进行了解。民族音乐产生于民族的特殊的土壤中，其产生和发展都受到当地的语言、宗教、哲学思想和社会思潮等的影响，民族音乐作品来源于当地的生产生活实际，因此在民族音乐作品的赏析中，欣赏着应知晓当地的社会风貌和日常生活面貌。同时，文化具有平等性，不同民族的音乐都具有同等的价值，我国民族音乐发展的历史就是各族人民在民族交往中不断发展的历史。高校在音乐教学中，应该对不同民族的音乐作品进行赏析，让学生对民族文化进行相应的了解，在音乐学习中体会民族文化的互补性和差异性。

（二）地方性

民族音乐因为产生的地域不同而有不同的特色。我国根据地域的划分，将民族音乐分为音乐文化组：如黄土高原、云贵高原、北方草原、中亚绿洲、中南丘陵等等。在民族音乐中，不同民族的音乐有着自己独特之处：有奔放悠长的内蒙古民歌，有欢快活泼的新疆民歌，有悠扬悦耳的江南丝竹，也有激昂高亢的信天游。高校在民族音乐的赏析中，应体会不同民族的音乐特色。

（三）艺术性

民族音乐是一种独特的艺术形式，学生在学习时要充分挖掘民族音乐的美，对民族音乐进行多角度、多层次的赏析。首先应对民族音乐的基本的曲调进行赏析，掌握音乐的基本主题，在此基础上，将诗词分析的方法移入音乐的赏析中，创设必要的情境，了解音乐作品的思想内涵。

二、民族音乐赏析课程的现状和问题分析

（一）赏析课程的设置不合理

在高校音乐课程的设置上，对民族音乐的关注度不够。在教学中以现代音乐为重点，在民族音乐的教学中，也仅涉及对民族音乐形式上的分析，并没有深入挖掘民族音乐的内涵，民族音乐的赏析课程缺乏思想深度。

（二）学生的学习积极性不高

民族音乐因为其自身的地方性，导致与学生的生活脱节，学生在学习民族音乐时，不能与之进行情感的交流，不能产生思想上的共鸣，学生的学习积极性受到影响。同时，学生对民族文化知识的匮乏，对民族音乐进行赏析时往往会束手无策。

（三）师资力量薄弱

在高校的教师队伍中，民族音乐教师的师资力量比较薄弱。而民族音乐的地域差异性和范围的广泛性，对音乐教师的素质提出了更高的要求。民族音乐教师不仅应具备较高的音乐素养，同时必须对地理、历史、风俗学等进行了解，这样才能对民族音乐进行比较深入的赏析。

三、高校民族音乐赏析的对策分析

（一）注重人文素质的培养

在民族音乐的赏析中，必须对民族音乐产生的背景进行深入挖掘，对影响民族音乐的各种历史和现实的因素进行综合分析，才能了解音乐作品的象征意义，才能知晓民族音乐中所饱含的深厚的感情。艺术来源于生活，民族音乐产生了当地的生产生活实际，只有在文化层面上深刻理解了作品的内涵，才能感受到民族音乐的伟大魅力。因此，在民族音乐的赏析课程中，要加大对音乐基础理论知识的培养，引导学生学习民族优秀的文化，同时，可将中西音乐文化进行对比学习，培养多元文化的音乐学习方法。

（二）加强学生审美素质的培养

音乐教育最重要的目的是培养学生的审美素质。高校在民族音乐的赏析课程中应重视对作品的旋律、和声、节奏的学习，对音乐作品的民族性和文化性应重点把握，同时应结合现代音乐的基础知识和音乐理论对作品进行技术层面分析。

（三）对民族特色和地方特色进行分析

民族音乐赏析具有地方性和民族性的特点，要求高校在民族音乐的赏析课程中，必须对作品的地方性和民族性进行准确的把握。民族音乐为民间音乐，它可以反映出当地的社会形态和文化特色。同时，民族特色是民族音乐赏析中的重要内容，在引导学生学习民族音乐中，要让他们明白民族音乐的精髓和核心，学会欣赏不同民族的音乐作品。

四、结束语

民族音乐赏析课程是高校素质教育的重要内容，高校在民族音乐的赏析课程中，存在着赏析课程设置的不合理，没能真正挖掘民族音乐的内涵，同时，学生的学习积极性不高，师资力量薄弱，这些都影响着我国民族音乐的传承和发展。民族音乐赏析具有文化性、地方性和艺术性的特点，在高校的赏析课程中，应注重学生人文素质的培养和学生审美素质的培养，同时，在欣赏民族音乐中，对民族特色和地方特色进行深入分析，传承我国优秀的文化。

参考文献：

篇（5）

音乐赏析是指对音乐作品的欣赏与分析，就是经过感悟、体验和再造想象，把听到的音响在脑中整合成音乐语言要素，从中感觉到活生生的形象，进而把握音乐作品所蕴涵的思想内容。音乐赏析无论对于赏析者还是对于音乐教育、对于社会的意义都是多方面的。它对于赏析者的意义主要表现在：有益于陶冶情操，提升审美能力，形成创造性思维；对于音乐教育的意义主要表现在：它是音乐教育的重要支柱，是进行素质教育不可或缺的一个环节，是进行审美教育的必要手段；对于社会的意义主要表现在：是实现音乐作品社会作用的必要条件，在造就社会所需的时代新人方面有着重要作用，并能够促进人类社会审美理想的形成。限于篇幅，本文重点阐述音乐赏析对于赏析者的意义，在此基础上探索音乐赏析的方法。

一 音乐赏析对于赏析者的意义

1．有益于陶冶情操

优秀的音乐作品，无论是声乐作品还是器乐作品，都是内容与形式、思想性与艺术性的完美统一，有着强大的艺术感染力和深刻的教育力量，能够带给赏析者艺术造诣的升华，使其道德情操得到进一步的提升。赏析者在审美的氛围中会不知不觉受到音乐形象的感染，自然而然地受到教育和启迪，产生乐观向上的思想情感，剔除思想意识中不健康、不正确的成分，逐渐变得高尚起来，进而形成较高的音乐文化修养及完美的人格。

2．有益于提高审美能力

优秀音乐作品是人类的艺术财富、人文精髓，能够使审美活动带有鲜明的倾向性，引导赏析者建立正确的审美观，消除错误的审美观，从而使其受到教育和启迪。美的观念是同人们的道德观念紧密相连的，它反映着人们的世界观，所以赏析者进行音乐赏析时，实际上是在接受一种道德观、价值观，其影响极为深远。赏析者通过对音乐作品体裁、题材、形式、风格、内容思想性，作曲家创作意图，具体的表现手法等诸多方面进行深入细致地分析，逐渐准确地把握住作品的音乐形象，领会作品中的人文情怀，汲取音乐艺术的精髓，养成审美鉴赏与辨别能力，从而提高审美能力。

3．有益于培育创造性思维

由于音乐语言往往带有一定的模糊性、求异性和不确定性，总是有意无意地留下了许多空白，因而音乐赏析需要艺术想象力，让赏析者去延伸拓展，去捉摸思考，否则便难以转化为具体可感的形象世界，更不能从赏析中得其境界。音乐赏析不仅需要艺术想象力，而且也发展艺术想象力，它是一种积极主动的艺术再创造活动，而不是被动、消极的感知。音乐赏析的过程是一个不断探索、创造的过程，其间所形成的思维方式主要是为了达到对音乐作品内涵的深刻感受、体验和创造，要借助储存的知识和经验，也要运用联想、想象等思维手段，这就使赏析者的智力得到开发，思维更加灵活和敏捷，从而培育创造性思维。

二 音乐赏析的一般方法

1．多听佳曲，感受其美

“观千剑而后识器，听百曲方能知音。”要学会赏析音乐作品，首先必须多听，且要选择古今中外生命力强、感人肺腑的佳曲，感受其富有魅力的音调、恰到好处的表现手法、确切的表达内容与音乐语言、鲜明生动的音乐形象等等。我认为，身为中国人，对我们的民族音乐、民间音乐要有深厚的感情和广泛的了解，所以更应该多听。多听民族音乐，会深刻感受到祖国壮丽山河的美，从中受到爱国主义教育。

另外，优秀音乐作品本身都是美的，可博闻广听，就是要扩大听的范围，主动接触不同题材、体裁、形式、风格的音乐作品，让脑海里既有中华民族各类音乐，又有古典派、浪漫派、印象派、现代派、各时期民族乐派的印象。赏析之前可查阅相关的知识性资料作参考，对作品内容、形式及表现手法有一个大致的了解，然后再结合音响带来的美感，便于更好地把握作品真挚的感情、严谨的结构和鲜明的主题。

2．启动联想，捕捉形象

音乐作品驰骋着丰富的想象，赏析时必须启动联想，捕捉音乐形象，才能充分体味音乐之美，感悟其情致和韵味。对于音乐形象，音乐界有许多不同的解释。简言之，音乐形象就是因为音响的启发，使人在脑海中产生想象中的事物形态或生活图景。如赏析歌曲《橄榄树》的音乐，从六弦琴奏出的大段缠绵不断的分解和弦，到长笛奏出的主题旋律，其音调多是下行的，和弦也是沉郁而柔软的，音型却热情而带祈求，又因每一乐句的句尾拖着长音，更增加了哀而不伤的问句气氛，使人产生无限的伤感惆怅，同时伴有向往之情。这种音乐效果，使人联想到月夜下游吟歌手身背六弦琴、独自漫步弹唱的画面。如能进一步展开联想，就会想到台湾同胞由于多年来不能回到祖国怀抱，以至于“叶落求归根，梦境叹依稀”。人们听到此曲，便会激起浓重的乡愁，或由草原想到大陆，或由橄榄树想到和平，仿佛看到自己变成和平鸽，翱翔于烈烈长空，飞到和平之神的塑像前发出撕心裂肺的祈求，热盼回到祖国怀抱。可见，以丰富的联想捕捉到的音乐形象，可谓胜景无限。

3．体验情感，挖掘内涵

音乐作品不仅驰骋着丰富的想象，并且蕴涵着丰富而又强烈的情感，这是音乐最显著的特点。音乐的内在特点就是抒发感情，音乐作品无不是为了抒情而存在的。换句话说，情感是音乐的生命、灵魂，没有情感就没有音乐。所以在赏析音乐作品时，要以深刻的思想体验，感受音乐作品的情感，然后循着对音响的感知，用灵动的大脑去体悟作品的思想内容或题材范围，进而挖掘其情感内涵。

对于有歌词的声乐曲，因语言本身的含义、节律、韵味等都会在一定程度上揭示出作品的思想内容，这对赏析者具有启示作用，要体验其感情内涵并非难事。但是对于没有歌词、纯器乐演奏的器乐曲，要挖掘其情感内涵相对困难一些。乐曲的标题有时是内容的集中体现，帮助我们了解乐曲的大致内容，同时也可从中揣摩其情感内涵。如圣?桑的《动物狂欢节》，在传统狂欢节中对各种动物进行描绘，它是由14首独立短小乐曲组成的管弦乐套曲，14个小标题使人们在听乐时，能够按照乐曲标题的提示，在思想内容的引导下受到作品情感的熏染，从而情不自禁地陶醉于作品中，或受到感召，产生强烈的情感共鸣。

4．深入乐理，知人论世

前文已经提到，赏析者进行音乐赏析时，实际上是在接受一种道德观、价值观。因为多数音乐作品所表现的内容、感情及创作意图，总离不开作者的世界观，所以赏析者要深入乐理，从作者思想感情的实际出发，由表及里、由此及彼地探求作品的哲理性。如唐代古琴乐谱《碣石调幽兰》，有如下记载：孔子周游列国，终不见用，他在途中看到幽谷中沁人心脾的兰花，于是感慨道：“兰花是香花之王，如今却与野草丛生，正如‘贤德之士，怀才不遇，生不逢辰。’”于是弹奏了《幽兰》这首琴曲，它启发人们自觉抵御现实中的种种诱惑，不畏强权，勇敢地伸张正义、维护真理。

对于那些无标题的音乐作品，应该怎样赏析呢？那就要“知人论世”。“知人”就是要了解作曲家各方面的情况，一是将其作为个体的人来看待，了解其创作才情、个性气质、艺术修养、审美志趣，甚至师承和流派；二是将其作为社会的人来看待，了解其生活经历、政治遭遇、思想崇尚，乃至籍贯、家世和交友。“论世”就是要了解作品的时代背景，如政治上的治乱、经济上的兴衰、社会生活面貌、文艺思潮、社会风气和风俗习惯等。如贝多芬的《命运交响曲》，是一部哲理性很深的音乐诗篇，其哲理性是贝多芬所有九部交响曲中较为杰出的一部。它反映出当时全人类共同遭遇的命运和人民要起来、要解放，社会要革新、要前进，急需寻找自由、平等、博爱的资产阶级革命道路的理想。但因种种逆历史潮流而动的恶势力的无情阻挠，在此社会背景下，作者创作了这首作品，认为只有与恶势力做不屈的斗争，才能取得最后胜利。结合贝多芬当时的个人遭遇，乐曲中有着抑郁的成分，更有希望、有斗争、有必胜的信念，充分揭示了作者感情深处隐藏很深的心声，却得到了人们广泛的共鸣，激励着我们以顽强的意志去争取斗争的胜利。对于大多数无标题音乐作品的赏析，因其寄寓着很深的哲理，只有善于“知人论世”，才能充分领悟乐曲的情致和韵味，从而不断提高音乐赏析的能力和水平。

参考文献

［1］弗兰德?劳厄.开启音乐之门［m］.北京：人民音乐出版社，2000

［2］张前、王次??音乐美学基础［m］.北京：人民音乐出版社，1992

［3］渡边?.音乐美的构成［m］.北京：人民音乐出版社，1996

篇（6）

中图分类号: J605

文献标识码:A

(一)

交响乐,既是一个家喻户晓的音乐名词,又是一个容易被误读的文化概念。它曾在西方文明的土壤中孕育和成长,现已成为世界共享的音乐文化系统。今天,它所表达的含义是如此的多元化,让我们无从对它做出单纯清晰的界定。对爱乐者来说,交响乐往往意味着高级音响中播放的CD唱片;对作曲家而言,交响乐可能是探索创作技法的又一次尝试;一方面,它可以代表某一区域音乐创作、音乐教育的专业化程度:或成为衡量音乐创作水准的杠杆,或成为音乐教育结构的量化标准;另一方面,它又与二十世纪以来涌现的诸多新音乐潮流相对峙,成为“学院派”、“音乐标本”的文化象征。

中国的交响乐发展,已走过百余年的坎坷和磨练。从二十世纪九十年代开始,振兴和普及交响乐,再一次成为中国的重要文化国策。但是,在振兴和普及的前景中,交响乐所面临的现实却尤为严峻,它涉及到音乐创作、音乐教育、音乐传播等方方面面,无论是创作风格和技法之间的失衡,音乐教育理念和结构的滞后,还是市场规模的萎缩,都是不能回避的现实。

在音乐教育领域,交响乐赏析是目前国内高等院校音乐基础课程的重要内容,是振兴和普及交响乐的关键环节。尽管专业院校和普通院校存在不同层次的教学对象,学制和教学大纲也有很大差异,但在教学观念及相应的教学形式上却有着许多相同的问题。其中,赏析分离是尤为突出的问题之一。

在具体的教学过程中,交响乐是怎样“存在”于教学环境中的?

据笔者目前掌握的情况①,交响乐赏析的教学内容一般侧重对18―19世纪西方艺术音乐作品的介绍,教学形式分理论宣讲和作品欣赏两部分。理论宣讲一般包括作品的文化背景概述、作曲家介绍、作品结构和风格分析等方面,作品欣赏以磁带、CD的聆听方式为主,在教学过程中,由于音乐语言的抽象性特征,理论分析是隐形、静态的;作品欣赏是显要、动态的,交响乐的整体信息倾向于单一的音响――听觉因素。在这里,似乎缺少某种机缘,某种动力,让赏析之间相互碰撞、整合,犹如一栋主人消失的空房子,徒有其表,缺乏生命力。由于赏析之间的疏离和失调,使学生始终无法真正接近交响乐内含的完整信息,感受到的只是音乐静态的理论信息和动态的音响信息之间巨大的隔膜,教学效果往往流于表面,从而造成学生对交响乐理解上的种种误区。

如何解决交响乐赏析中的赏析分离,找到两者之间的契合点,让理论分析和作品欣赏最大程度地还原交响乐的整体意义,找到其合理的存在方式,是笔者关注的问题。本文无意得出某种确定性结论,只想通过对交响乐发展历程的重新审视,对其所蕴含的整体意义――即存在方式做初步的分析和思考,以求对交响乐赏析的教学方法,提供一种新的观察视角。

(二)

交响乐,并不是单纯的音乐术语,它代表着一个立体化的三维动力系统:即文化动力――音乐动力――仪式动力的综合体。文化动力源于交响乐发展的外部文明环境,包括社会历史和文化环境,作曲家和音乐受众的文化心态和审美趣味,特定的音乐传播模式等,呈现多元化的历史“视觉”因素;音乐动力则来自音乐本体所蕴含的内部发展规律,包括交响乐在音乐创作思维、技法、风格、表演等诸多音乐形态方面的基本特征,形成与“视觉”因素相适应的“音响――听觉”因素,最终,两者共存于视听结合的仪式动力中。

交响乐的文化动力来自西方文明。早在光荣而伟大的古希腊罗马时期,其博大精深的哲学思想就为交响乐的文化精神埋下了思辨理性的胚芽。伴随着漫长的文明发展历史,西方文化在浓厚的宗教温床中经历了信仰――反思――批判的三大历史时期,即中世纪的经院哲学――文艺复兴的人文主义――启蒙时期的近代哲学和科学革命时期。交响乐的文化动力正是在这三大历史时期中生成、发展,走向成熟,构成了鲜明的文化品格。其中,有源于经院哲学的思辨精神,有来自文艺复兴的人文色彩,有充满启蒙理想的理性特征。超越、个性、科学,是交响乐文化精神的三大法宝,也是推动交响乐不断发展的文化动力。

从交响乐的音乐形态上看,广义的理解,交响乐泛指以戏剧性为主要音乐形象的乐队作品。在这个意义上,音乐体裁的范围非常宽泛,包括器乐体裁中的古典奏鸣-交响套曲、交响诗、交响组曲、序曲等;声乐体裁中的清唱剧、康塔塔、大合唱、器乐思维的歌剧,如瓦格纳(R.Wagner, 1813-1883)的乐剧等。

狭义的理解,交响乐特指形成于十八世纪中期的古典奏鸣-交响套曲体裁。以表演形式的不同,又分为交响曲、协奏曲等体裁名称。体裁形成的历史线索可以追溯到中世纪以奥尔加农为起点的早期复调音乐形式,文艺复兴时期主调音乐思维的形成和威尼斯乐派早期器乐曲的创作;在巴罗克时期,大量器乐体裁的不断涌现和迅速发展,为古典奏鸣-交响套曲的形成作好了充分的形式储备。十八世纪中叶,是西方音乐史上的“早期古典风格”时期,法国、德国键盘音乐中的“华丽风格”、“动感风格”,曼海姆乐派的乐队创作和实践,先后影响了体裁的形成。最终,奥地利作曲家海顿(F. J.Haydn,1732-1809)为之奠定了基本的创作规范,通过莫扎特(W.A.Mozart, 1756 -1791)的进一步丰富、完善,贝多芬(L. V.Beethevon, 1770-1827)在十九世纪初完成了里程碑式的创作历程。这是交响乐最具代表性的体裁形式,也是目前国内交响乐赏析的相关课程中,被选择的主要音乐文献。

交响乐的仪式动力,是其文化动力和音乐动力的特定表现形式,是两者内涵的动态载体,是音乐特定的存在方式,也是观察交响乐生命动力结构的窗口。在这里,音乐和文明之中的诸多因素构成相互制约的公共环境,形成内含音乐整体信息的视听现场――它由潜在的社会文化心态和特定的音乐传播方式组成,包括音乐创作(符号形式)、音乐表演(音响形式)、音乐欣赏(视听形式)三大环节,其中,音乐的表演和欣赏成为音乐与人产生情感共鸣的唯一媒介。在这个意义上,交响乐的完整结构应该是视听结合的――离开特定的“音乐仪式”,单一的音响组织结构不可能捕捉到音乐的整体信息,音乐也部分失去了与人产生情感共鸣的可能性。

观察不同的“音乐仪式”,是把握音乐历史发展动力的重要途径。在人类文明历史的不同发展时期,音乐的精神和形式构成发生了无数次巨大的变化。但其中恒定不变的构成要素之一,就是其仪式功能,笔者称为“仪式动力”的重要特征。从远古时代的宗教祭神活动,到近现代的各种涉及政治、经济、文化的公共环境里,音乐与人的内在生命欲求总是通过特 定的仪式被紧紧地联系在一起。

交响乐(本文限定为狭义的理解)的“音乐仪式”是西方文明在特定历史环境中文化风尚的的缩影。十八―十九世纪的欧洲,正经历巨大的社会变革。政治上,表现为封建体制向资本主义体制的转型,经济上,逐渐由乡村向城市,农业模式向商业模式过渡,社会结构中,教会―贵族―市民三大阶层内部的能量比急剧失衡,在此基础上,以中世纪经院哲学为代表的西方文化体系面临颠覆的前夜。经院哲学的思想武器―思辨理性成为思想革命的批判对象,以此为起点,西方文化进入近代哲学和科学革命的启蒙时期。工具理性,成为启蒙运动的核心理想。其宇宙观怀抱“人是可以得到完善的”美好希望,认为人是世界的最高理想,因此自然界中的其他一切不过是用来实现这个理想的工具而已。相对十四―十六世纪文艺复兴时期的人文主义理想,启蒙时期的工具理性显得自负而傲慢,当它拆毁经院哲学信仰神坛的同时,反而又在神坛里竖起了另一尊“上帝”的塑像――作为衡量万物的标准的人。自负的工具理性让西方文化经受了腥风血雨的思想洗礼,交响乐的“音乐仪式”正是这场洗礼的艺术表现形式之一。

在贝多芬的交响乐文献中,音乐创作的主题核心始终是“通过斗争,走向胜利”、“通过黑暗,走向光明”的英雄形象;在创作技法上,不断扩展作品规模,包括主题素材的数量,素材内部和素材之间的对比层次,调性布局的复杂化,乐队配器语言的不断丰富等等;从第三交响曲开始,作曲家也经历了不断挑战自我的创作过程,在第九交响曲中,贝多芬的英雄形象透过炉火纯青的音乐结构达到顶峰,完成了用音乐符号体现启蒙理想的使命。

在十九世纪初的欧洲,音乐传播的主要方式已经从教堂、贵族客厅逐步转移到更为公开的公众音乐会形式,贝多芬是西方音乐史上第一批公开举行公众音乐会的作曲家之一。分析贝多芬交响乐文献的主要接受群体,贵族阶层所占比重是第一位的。在作曲家人生的各个阶段,尤其是重要的音乐创作时期,贵族阶层无论从生活方式,审美趣味,还是创作风格等各方面,都对贝多芬产生了很大的影响。这一阶层既代表欧洲传统社会的旧秩序,又对启蒙理想充满了热烈的幻想,这种充满戏剧性的社会角色,影响了贝多芬音乐风格的形成,也深刻体现了西方文明社会内部结构的转型,贝多芬的交响乐用音乐语言印证了这一转型的过程。在十九世纪初的维也纳,倾听贝多芬交响乐的人们,在贵族沙龙、爱乐协会济济一堂,通过其波澜壮阔的音乐语汇,感受人类改变世界、征服世界的信心和勇气,在这里,音乐的规模、主题的发展、现场中音乐家和受众的呼吸汇成立体的音乐世界,这一刻,音乐充满了力量!

(三)

理解“音乐仪式”在交响乐赏析中的重要性,平衡文化动力―――音乐动力―――仪式动力的视听关系,是把握交响乐整体意义的关键。其中,音乐所独有的音响组织结构是显在的听觉因素,而音乐所暗含的文化心理结构是潜在的视觉因素,这是一种心理视觉,是对已成为过去的音乐现场的回忆。

篇（7）

中图分类号：G712 文献标识码：A 文章编号：1672-5727（2013）05-0032-03

近年来，高等职业教育在我国得到了快速发展。2011年具有普通高等学历教育招生资格的高等职业学校数量达到了1 276所，占普通高等学校总数的60%。2011年招生数为325万人，占普通高等学校招生总数的47.7%。从全日制学生数量统计来看，2011年全国高等职业学校毕业生329万人，在校生总数达960万。从学校分布的城市类型来看，66.1%的高职院校坐落在地级城市或县级区域。高等职业教育在使我国高等教育大众化、普及化并深入至地市一级地区等方面发挥着主导作用，也对所在地域及其社区的文明建设做出了较大贡献。

音乐教育历来是教育的重要组成部分，关乎素质教育、人的修养、人与社会的关系等。作为公共课或者说是通识课程，音乐课在普通高校早已开设，并且成为学生喜爱的课程之一，帮助大学生提高了音乐欣赏水平和艺术修养，丰富了业余生活，有的大学生还从此与音乐结下了不解之缘。那么在我国高职院校中，公共音乐课的情况怎样呢，高职院校是否开设了公共音乐课，开设课程的指导思想是什么，教师讲授什么样的内容，采用什么样的教学方法，学生的学习情况怎样？带着这些问题，笔者通过搜索中国期刊网（键入关键词“高职院校”+“音乐教育”），阅读了2008年以来的相关论文近百篇，2005年以来硕士毕业论文4篇。在阅读与学习的过程中，对近几年高职院校公共音乐课的教学及研究有了初步的了解，又因尚未看到这方面的综述性文章，在查阅与统计后，在此，从已有研究的内容及研究方法等方面予以归纳与梳理，并对高职院校音乐教育中尚且存在的问题提出一些愚见。

高职公共音乐

课教学与研究现状

（一）目前研究中的内容

近年来，高职院校音乐教育的研究文献主要包含以下内容。

音乐教育作用研究 音乐教育在学校中的作用毋庸置疑。约有40%的文章涉及这方面的内容，普遍认为音乐教育作用体现在三个方面：一是对学生的身心健康具有有益的影响；二是有利于提高学生的音乐素养和人文素养；三是与校园文化建设密不可分。如王周秀的《浅议音乐艺术教育对高职学生能力素质的影响》，陈颖的《试论高职院校学生的音乐素养与素质教育》，杨秀云的《谈谈高职生音乐审美素质教育的重要性和新举措》和孟展的《从洛阳工业高等专科学校艺术教育课程现状透析河南普通高职高专公共音乐教育》等。

音乐教育现状研究 约有35%的文章对目前高职院校音乐教育的现状进行了研究，主要集中在以下几个方面：一是课程体系不完善，课程定位模糊，得不到相关教学管理部门应有的重视。如汪靓的《高职院校音乐教育课程体系改革的方向与重点》一文，论述了高职院校音乐教育课程体系在学生学习、课程设置、教材选编、师资建设、机制保障等方面存在的问题；王爱峰的《江苏省高职院校公共音乐教育的调查与研究》认为，音乐课程在教育体系内定位模糊、课程设置及地位边缘化，公共音乐教育是从属地位等。二是教学目标过高，教材选择随意性大，应确立适合职业院校学生特点的教学目标，编选适合职业院校学生使用的音乐教材，相关文章如金云霞的《对农业高职院校音乐欣赏课程的教学实践研究》，王靖怡的《论高职院校音乐教育管理》等。三是加强师资队伍的建设。四是当前的现状研究侧重理论研究，缺少调查形式的研究等。

“音乐欣赏课”教学研究 从现有文献来看，音乐欣赏课是高职院校的主要音乐教育模式，约有25%的文章论述了音乐欣赏课教学。这些文章一方面，提出了音乐欣赏课教学的不足。如刘昂的《浅议高职院校音乐欣赏教学》认为音乐欣赏教学现状是模式单一、互动不足，教学设备投入不足，创新不足、质量不高等；王敏靖的《高等职业学院音乐欣赏课程开发的研究》分析了音乐欣赏课程的教材、教学模式、教学评价的不足。另一方面，提出音乐欣赏课应该通过教学实践予以改进。如蒋玲玲的《高职“音乐欣赏”课程的教学探索》和王敏靖的前述论文等。

教学方法研究 一些研究者在自己的教学实践中进行了教学改革与探索，总结了有效的教学方法。一是比较法。如蔡朝霞在《比较法在高职院校非音乐专业音乐欣赏教学中的运用》中谈到运用比较法进行音乐欣赏教学，将中国传统古典音乐作品与西方古典音乐作品做比较，将中国各地民歌风格做比较。二是研究性学习方法。如王敏靖在《中国民族音乐——民歌欣赏》一课中，采用研究性学习方法，变“被动”为“主动”，充分发挥学生主体性，激励学生主动查阅各种资料，深刻分析研究中国民族音乐与流行、摇滚音乐的联系与区别，取得了很好的教学效果。三是“聆听、体验、实践”三位一体的教学方法。如郑莉的《关于高职院校音乐教育的问题与改革》认为，音乐实践本身不但可以提高学生的审美能力，也能激发学生学习的兴趣，让学生通过对音乐技能的训练，通过学生自己动手作词、配乐朗诵、设计舞台背景等，切身感受到音乐艺术的美。

（二）研究方法

文献研究法 汪海在论文《高等职业技术学院音乐教学实践探索——以日照职业技术学院为例》中回顾了近10年来国家教育部关于高职高专院校人才培养工作的相关政策与文件，分析了国家近年来高等职业教育的培养目标。

分析比较法 陆小燕的《高职非音乐专业音乐鉴赏教材编写的思考》，运用分析比较法，对五本音乐鉴赏教材（类别包括国家教育部重点教材、高等学校音乐教育学会推荐教材和21世纪高等院校素质教育教材等）进行了初步的比较研究，进而对高职音乐欣赏教育和教材展开了积极的思考。王敏靖的《高等职业院校音乐欣赏课程开发的研究》一文，分析了国内外关于音乐欣赏课程开发的相关文献资料，认为西方发达国家学校（包括职业大学）都非常重视音乐教育，十分注重音乐课程的设计。

调查法 王爱峰、汪海、王敏靖、孟展等都在自己的学位论文中广泛使用了问卷调查法和访谈调查法，调查了学生喜欢的音乐情况，学生的音乐素养，学生对音乐教学的期望以及师资情况，调查学生接受音乐教育的情况、音乐基本知识掌握情况等，及学校开设音乐选修课的情况。朱振玉在《广州市高职生中国传统文化素养状况调查》一文中采用抽样调查法和问卷调查法，抽取广州市六所高职院校为样本，对广州市高职生中国传统文化素养状况做了调查。

个案研究法 孙晶晶、汪海和孟展运用个案研究法，对自己所在院校的音乐教育进行了较为全面的研究。

教学实践法 汪海、王敏靖、蔡朝霞等以自己的工作单位和工作岗位为立足点，在课堂上实践音乐教学，探索了新的、行之有效的教学方法，如比较法、创设音乐情景法、研究性学习法、多媒体教学法，等等。

由现状引起的思考

通过对已有研究文献的阅读与梳理，笔者了解到，许多高职音乐教育工作者在自己的工作岗位上付出了大量的劳动，取得了凝聚着辛劳与智慧的成果，尤其是个案研究和通过广泛调查的研究，给同行的教学提供了有价值的参考和指导，启示着后来者的教学与研究。但是从教学内容和教学方法来看，笔者以为高职院校音乐教育中还存在一些不足和有待探索的问题。

（一）对教学内容的思考

仅有6%的文章论及传统音乐的教学。这些文章指出了民族音乐教育的重要性，并对在高职院校音乐教育中引入传统音乐文化教育提出了建议和策略。如陆小燕的《对高职学生加强民族民间音乐文化教育的分析》，朱振玉的《广州市高职生中国传统文化素养状况调查》，孙晶晶的《论普通高职公共音乐教育引入本地传统音乐的价值——以浙江纺织服装职业技术学院为例》，蔡朝霞的《比较法在高职院校非音乐专业音乐欣赏教学中的运用》等。由此可见，在高职院校的音乐教育中，传统音乐的教学内容是有的，只是很少，对传统音乐教学的认识严重不到位。

1995年12月在广州召开的“全国第六届国民音乐教育研讨会”提出了“以中华音乐文化为母语的音乐教育”口号。音乐学者、音乐家、音乐教育工作者疾呼至今，但在大学生课堂上却还是较少听到传统音乐的声音。通过这次文献研究，笔者看到所有调查“学生喜欢的音乐类型”的结果，都是学生更喜欢流行音乐而较少喜欢我国传统音乐，对传统音乐的关注和对传统音乐品种的了解远远少于对流行音乐歌曲的关注与了解。中国传统音乐是我国传统文化的重要组成部分，是世代劳动人民的精神财富，承载、凝聚了劳动人民音乐生活的记忆。中华民族拥有数量众多的民族音乐珍品，可学生却唱不出几首民歌，认不得几件民族乐器，听不进戏曲和曲艺，传统文化在学生的心中地位堪忧，民族音乐的未来堪忧。

我们的学生从小就受爱国主义教育，而不了解自己民族传统文化的人、不认同自己民族传统文化价值的人何以爱国？笔者认为，高职院校的音乐课堂应该为广大青年学子开一扇传统音乐文化之门，让学生学习传统音乐，了解传统文化，加深对中华民族的情感，为我国传统文化的传承与发展创设良好的人文生态环境。

（二）对教学方法的思考

听得多，实践少 音乐欣赏课是当前高职院校开设的主要音乐课程，但是，在音乐欣赏课上强调了聆听，忽视了学生的实践。正如郑莉所说，聆听不完全能让学生感受到音乐的美，只有通过音乐实践，才能让学生感受到音乐的魅力。唱可以感受旋律的美、跳可以感受节奏的律动、奏可以体验到亲手抚弄出音乐的乐趣。怎样在教学中加强学生对音乐的作品的实践，从而让学生更“近距离”地学习音乐，是我们今后教学中应该要探索的问题。

课上多，课下少 音乐课每周一次，学生在课堂上学习之后，大都不会在课下再去关注，而音乐的学习恰恰是在于平时的积累。教师在课堂上的讲授，其实只是一种引导或者说是引领，课堂上接触到的音乐作品不过是音乐海洋中的几朵小小的浪花。怎样发挥学生的主动性，激发学生的学习兴趣，在课下利用一切可以利用的资源，比如网络、电视、广播等，拓宽自己的音乐知识面，将课堂上的学习延伸到课下，延伸到生活中，使学生对音乐的学习不止步于课堂，是我们教学中要探索的第二个问题。

声音多，文化少 音乐是有声的艺术，但这声音不是孤立产生的，它是一种文化，是产生于一定的文化背景之中的。目前的音乐课堂上，我们以聆听为主，间或有唱或奏，这些听得见的声音的背后是什么？我们引导学生感受音乐带来的委婉、抒情，高亢、明亮，忧郁、哀伤或者震撼，作者又是在什么样的环境下、怎样创作出这些作品的？这些问题，只有音乐的“声音”是解决不了的。音乐与生活、情感、语言的关系，音乐与民族、国家的关系，音乐产生的地理环境、传播方法等，都是需要在课堂上学习的，只有这样的学习才能对音乐作品有较全面的了解，只有全面的了解，才能真正认识到它的价值，只有真正认识它的价值，才算得上达到了学习的目的。

笔者以为，在高职院校的音乐教育中，怎样将有声的音乐与无声的背景文化结合起来，引导学生加强对音乐文化的了解和学习，是我们要探索的第三个问题。

高等职业教育业已成为我国高等教育的重要组成部分，高职院校的学生教育不仅是对专业技术的学习掌握，还有音乐教育这一“非专业、非职业性的教育”，这是对所有大学生的教育，是对人文传统的继承教育。

参考文献：

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篇（8）

[中图分类号]G424.21[文献标识码]A[文章编号]1009-5349(2010)01-0064-01

音乐欣赏是听觉艺术审美的全过程。《音乐手册》论说,欣赏音乐有三个阶段:1.官能性欣赏;2.感情的欣赏;3.理智的欣赏。官能的欣赏主要满足于悦耳,也就是好听,是比较肤浅的欣赏。要对一个音乐作品进行透彻全面的领略,从而获得艺术享受,还必须进入感情欣赏和理智欣赏。这三个阶段是音乐欣赏的必由之路。在此我根据音乐欣赏的三阶段作为划分,逐一探讨在不同阶段的课堂教育教学实践。

一、官能性欣赏

欣赏是人们对客观事物的一种审美反映。自然界里一些发声的事物,例如两点散落的淅沥声;鸡叫鸟鸣的动物声,都让我对声音的认识清晰自然。因此在音乐欣赏课程中有一些音乐,官能性欣赏可以占主导。例如唢呐吹奏名曲――《百鸟朝凤》,利用唢呐嘹亮清脆的音色模仿了众多鸟的声音。教师在指导学生赏析时,抓住学生容易官能欣赏的特点,在教学方法上可以不使用兴趣教学法,因为此类曲子很容易就使学生产生欣赏兴趣。我认为此类音乐教学应该采用开放性教学方法。不把过多的目光和精力集中在乐曲本身,而是广泛联系生活实际。采用联想和发散性思维,使学生在充分官能欣赏获得满足时,不仅仅停留在官能欣赏上,而是获得音乐欣赏所要达到目标之一――有联想或联觉。官能欣赏虽然在音乐欣赏的兴趣保护中起到了不可代替的作用。教师只有抓住学生的欣赏兴趣进行由浅入深的导引,才能使音乐欣赏课程受到学生的认可与喜欢。

二、感情性欣赏

在音乐欣赏过程中声乐作品特别也是最易引起学生的关注。在关注的过程中会自然的产生情感。值得关注的是现在的学生多喜欢流行音乐,很大部分的所谓音乐情感性体验来源于歌词而不是音乐本身。真正能够感情性欣赏的音乐作品,一定是有艺术加工的。真正有感情性的欣赏音乐作品是指优美和谐的歌声传导至耳腔,进入脑屏后,产生印象“余音绕梁,三日不绝”。这体现了音乐修身养性,陶冶情操的艺术功能,在音乐欣赏教学中采用当前比较先进的情境教学方法指导,我认为比较合适。现代化多媒体教学可以帮助实现情境式教学。音像创设情境,通过音响及视觉形象如图画、电视视频画面等,创设与教学内容相关的情景。教学内容应从易到难,从流行的轻音乐入手,再到中外艺术歌曲,从形象化再到抽象化。例如先从音乐小品法国作曲家王桑的《动物狂欢节》之天鹅音乐片断,在天鹅形象中体会作曲家着力表现的音乐形象,运用的音乐语。再从音乐中体会唯美的东西,感受天鹅美丽气质的同时,通感的方法感受到高雅与美。

还有一些中国作品能够极大的抒发音乐情感,振奋精神,鼓舞斗志。以抗日战争时期的歌曲《松花江上》为例,如诉如泣又深含悲情的歌,让人感到失去家乡的悲切、凄凉!但是,随之而来的《游击队歌》等一系列抗日歌曲,都充满激情、同仇敌忾。在这些不乏激情的欣赏题材中,学生对此类音乐的兴趣程度,不如官能性音乐来的高,我认为在此类音乐教学中应采用一定的兴趣教学法,比如故事法就是很好的引导方法之一。学生投入到教师所述的感人故事中,自然会对音乐的理解加深。在获得情感性音乐欣赏的基础上实现学生情感目标的培养。

三、理智性欣赏

音乐的理智欣赏,是建立在官能与情感性欣赏之上的,实质是对音乐作品的学术研究或探索。对音乐的理智欣赏是音乐教学的最终目标。首先要求学生具有一定的音乐基本知识,例如:熟悉音乐的构成,像音高、节奏、节拍、速度、力度以及音色等元素,还要掌握旋律、变调等概念,为综合分析音乐打下基础。中外音乐欣赏存在着音乐构成上的差异。中国是一个擅长写旋律的国度,旋律又叫曲调,是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。中国音乐的旋律无论是声乐作品,像《茉莉花》,还是器乐作品,像《二泉映月》,都把旋律的美发挥到了极致。而外国的特别是欧洲音乐擅长和声的织体组成与复调音乐的创作。其音乐作品往往旋律感没有中国音乐作品清晰,但音响效果十分宏大,气势恢宏。和谐与不和谐的音乐色彩运用自如,音乐内涵深厚。在教学方法上我认为纯音乐理论知识应该放在学生对音乐作品的感性接受基础上。例如:演唱与表演、游戏与故事等方式并用,允许学生发表自己的观点与意见。此外在长期的教学活动中,得出先从中国作品欣赏入手学生较易接受,也比较容易展开音乐知识和背景及相关文化的介绍,外国作品的学习应该先对作者、文化背景和创作背景作深刻的剖析,再逐段逐篇分析音乐作品内涵。通过反复欣赏建立欣赏兴趣,并能充分发表对音乐的思考与见解。理智地欣赏音乐必须建立在官能性与情感性欣赏之上,让学生经历从感性认识到情感抒发再到理性分析的音乐体验与研究过程,最大程度地增长知识,陶冶情操,丰富内涵。使音乐欣赏课程达到最终目标,真正实现对学生的美育教育与素质的提高。

篇（9）

中图分类号：G712 文献标志码：A 文章编号：1674-9324（2014）12-0239-02

音乐欣赏课是一门欣赏、分析人民群众的集体创作――民族民间音乐，以及专业作曲家创作的科目。在对古今中外数目众多的、具有一定思想性和美学价值的音乐名著的审美实践的同时，既使学生获得艺术的美感享受，又促使学生在音乐上的发展――使他们对音乐作品和内容形式的积极自觉地感受，培养他们分析音乐语言及其要素――音乐的表现手段的能力，以帮助形成他们的音乐鉴赏能力和开阔艺术视野，为达此目的，在音乐欣赏教学中最重要的是如何启发学生进入“感情”和“理智”的欣赏中去。促进他们在音乐上的发展，培养他们具有“音乐的耳朵”，这就是职业学校音乐专业开设音乐欣赏课的目的和任务。否则，他们很可能会“弦歌绕梁而置若罔闻”，美景“在目而熟视无睹”的。正如马克思所说“对于非音乐的耳朵，最美的音乐也没有意义了。”

经过近二十多年课堂教学的不断探索和总结，我终于摸索出了如何使音乐欣赏课真正成为学生积极自觉地进入“感情”和“理智”的欣赏。如何让学生自己积极调动“感觉”和“记忆”这两种能力，用感觉觉察正在产生的音响；用记忆把握已产生的音响，跟踪音乐，寻找运动中的音乐形象，我运用了启发式的教学、诱导性的教学和讨论式的教学相结合，在音乐欣赏课的教学中获得了良好的效果。

一、启发式的教学

由于音乐是听觉艺术，它反映社会现实生活，表达人们的思想感情，它是通过不同因素组成的声音，通过人们的听觉感知，而作用于人的心灵，使人获得音乐的感受。而它不可能像造型艺术那样直接地反映视觉形象。人们看不见它所描写的对象，但通过音的高低、长短、快慢、强弱等要素的变化，可启发人们在意识中存在的听觉――视觉间的联想，产生情绪或感情共鸣，引起对抽象事物的想象、从而体会出作者所描写的事物，所表现的思想感情并受到感染。比如，在分析欣赏小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》呈示部中的引子时，那轻柔的弦乐颤音，那优美动人、活泼跳跃的长笛，华彩的旋律，那双簧管柔和抒情，细腻的音色描绘的是那么逼真、自然。在这里，我首先启发学生，当你置身在一个春暖花开的清晨，有那弯弯的小河、弯弯的小桥，在那薄雾缭绕的大自然中，你就会随着这缓缓流动的音响，感受到轻柔的弦乐颤音，像是平静的小河水在荡漾，晨曦拨开小河上的薄雾，生机盎然。长笛吹出的优美动人、活泼跳跃的华彩旋律，像初醒的小鸟在枝头歌唱。双簧管柔和抒情、如诗如画般的音调，使我们联想到现实生活中那风和日丽、春光明媚、草桥畔桃红柳绿，百花齐放的情景。这样学生在欣赏的过程中便会自觉或不自觉地进入到“感情”体验中去，如同在视觉中见到一样，仿佛身临其境达到了“理智”欣赏的目的。

二、诱导性的教学

由于音乐是时间的艺术，它是一个动的发展过程，作曲家塑造音乐形象存在于时间之中。也就是说，随着时间不断地流逝，那些高低、长短、强弱、音色不同的音被依次呈现、发展、有机地组织起来，构成各种不同的音乐形象，表现着人们丰富的思想感情。因此，音乐它不能像绘画艺术那样，通过静止的画面来表现，只有随着时间的流逝，那些依次呈现、发展、有机地组织起来的高低、长短、强弱、音色不同的音，才能构成不同的音乐形象，存在于人们的记忆中，使人们受到感染或感动。同时人们自身情感的产生与发展同样是一个运动的过程，同样需要时间。学生进入“感情”和“理智”的欣赏，就必须充分调动“感觉”和“记忆”这两种能力，把握正在产生的每一音响。在启发式教学的基础上，进一步诱导学生进入“感情”和“理智”的欣赏中去。这一教学手段，一般用于作品分析之后，欣赏音乐前，即在学生有了理论上和心理上的准备，充分调动学生“感觉”和“记忆”这两种能力，诱导学生，动之以情、共鸣以情，触发学生听觉与视觉中的想象与联想，达到进入“感情”和“理智”欣赏的目的。比如，在欣赏贝多芬的《田园交响曲》的第四乐章《暴风雨》之前。我首先启发学生把日常生活中所见到的暴风雨的情景加以回忆、描述，目的在于诱发学生把自己置身于现实生活中的暴风雨中，先于音乐进入情感体验，紧接着进入音乐中的暴风雨，使之更能领会到弦乐下行弱奏的音响，就像是风雨飘摇中的树枝；定音鼓奏出的不同强度的轰响，仿佛听到了暴风雨中的风吼雷鸣。

并且在联想的同时，联系自己经历过的或间接认识到的生活现实，使我们如同在视觉中见到一样。这些能够触发我们视觉联想的多是那些音高、节奏、音色、响度等方面的特性，可用乐器加以模拟的音乐信息。有时，我们听到高低、强弱不同的音响，虽然它们并无音响特征可模仿，但有形状、体积、远近、运动、光和色等直观特征。可类比（类比――人们对性质相近事物的联想，用声音或乐曲形式的某些特征，使其在人们头脑里产生出类似的自然现象的变幻）现实生活中空间的高低、情绪的高昂与低沉；而音色明暗的变化，会使我们类比西安市生活中光的阴暗，情绪的愉悦和忧伤。如我们在欣赏印象派大师德彪西的交响素描《大海》时，那不同乐器在不同音区奏出的明暗不同的音色，把“黎明到中午”的海上的浓淡、深浅、色彩变幻不同的光照，做了细腻精致的描写。这样学生能更好地在短暂的时间里迅速投入到“感情”和“理智”的欣赏中去。

三、讨论式的教学

这是学生自我分析、欣赏的教学过程，每个学生可以依据自己的生活体验，结合音乐作品各抒己见，达到自觉进入“感情”和“理智”欣赏中去的目的。比如，在分析欣赏歌曲《我的中国心》时，同学们以讨论的形式，进行自我表现教学，他们以自身的感情体验，深入讨论、分析作品，并能有自己的独到见解。有的学生认为，这首作品的感动之处，在于以流行歌曲的形式展现“爱国主义”，这一严肃的主题。而有的学生则认为，它虽然没有华丽的词藻，但它那朴素的歌词展示着炎黄子孙的昭昭爱国志；它虽然没有激越的旋律，但它那诚挚的曲调流淌着中华儿女的汩汩赤子情。因而它像一股清泉，泌人心脾、令人陶醉。又如，分析欣赏歌曲《龙的传人》时，学生能充分展示自身的文学修养和音乐素质，创造性的从文学形象去捕捉音乐形象。认为歌词和诗一样，要靠形象来表达感情。一首歌词的艺术性，首先表现在形象性上，形象越鲜明，感情表达的越充分。“古老的东方有一条龙，它的名字就叫中国，古老的东方有一群人，他们全都是龙的传人”。有的人说，以“龙”这一形象比喻中国，以“龙的传人”来比喻中华民族，手法新颖独特，寓意深刻。还有人的说，自古以来，我国便有关于“龙”的神奇、美好的传说。成语中也有不少借用“龙”的，如“龙马精神”、“龙腾虎跃”、“龙飞凤舞”等。可见，“龙”是威武、朝气、善良、美好理想的象征，是民族精神的化身！它勾起了我们对五千年文明古国的光辉历史的自豪感，为我们有“黑眼睛黑头发黄皮肤”，就“永永远远是龙的传人”而感到无比振奋。对“多少年炮声仍隆隆，多少年又是多少年”的局面发出感叹；热切盼望祖国统一的人民，发出“巨龙巨龙你擦亮眼，永永远远的擦亮眼”。它以其独特的纯朴、深沉美，深深地打动了每一颗中华儿女的心！多么朴素的语言，多么熟悉的声音啊！一字字，一声声，说出了大家早已想说的话，抒发出埋藏在我们心底里的感情；既真挚，又深沉，唱出了台湾人民向往祖国和期盼祖国统一的心愿，表现了一代青年在民族意识上的觉醒。学生们的分析准确而又质朴。通过讨论式的教学，学生自觉做到了进入“感情”和“理智”的欣赏中去。

然而，音乐艺术有其特殊性，它不像文学、戏剧那样，通过概念的符号――文字，表述故事的详细情节，描写人物的作为，直接表现某种概念。也不像绘画那样，画家通过构图、造型设色等表现手段，在静止的画面上，通过生活一霎那的镜头，创造出可视的形象，逼真地反映现实生活。而作曲家只能在一定的思想基础上，面对客观现实，产生情绪感情的反映。它是以一种含意隐晦的，缺乏视觉可靠性和概念准确性的语言，直接诉诸于欣赏者的情感世界。从而带来了音乐的第一个特殊性――不能表达某种事物本质，更不能直接表达抽象的是非逻辑判断。所表达的是事物引起的情，以及好与恶的情感判断。由于音乐缺乏具体形象和思维的准确概念，又带来了音乐的第二个特殊性――不确定性。它不能指明具体的主人公，很难明确过程的因果关系等。从而决定了学生们在欣赏音乐时表现出的强烈的主观倾向，和因修养、阅历的不同而呈现的因人而异的幻想。比如说，你听过舒伯特的《摇篮曲》吗？你看见那一双父亲似的手，母亲似的手在轻轻地晃动着一只摇篮吗？摇篮里是一个男孩？还是一个女孩？或者竟是一个梦？但，是温情的，是充满着人情味的。我想这是一个恰当的举例。

四、对比试的教学

对比也是音乐表现中的一种重要手段。像优劣音乐作品的对比；各种音乐流派和音乐作品风格的对比；古典音乐和流行音乐的对比，同一题材、不同体裁、不同风格、不同演唱演奏形式，也是让学生进入“感情”和“理智”的欣赏中去的很好的办法。例如，在欣赏莫扎特的《第四十交响曲》时，可以先播放S.H.E演唱的流行歌曲《不想长大》，让学生作比较，会发现如此时尚、前卫的音乐竟源于两百前的古典音乐，出自音乐神童莫扎特之手。又如：在欣赏中国民歌《茉莉花》时，教师可以将同一题材、不同体裁、不同风格、不同演唱形式的民歌《茉莉花》进行对比聆听，逐步加深学生对《茉莉花》的认识；而后让学生听赏歌剧《图兰朵》中的《茉莉花》片段，将学生的视野引向历史和国外，进一步从历史和世界两个维度来深化自己的体验及认识，那就是茉莉花是美的，《茉莉花》音乐与中国民歌也是非常美的，它早已深深植根于世界音乐的百花园中；最后欣赏由童声、混声合唱队及乐队构成的千人交响合唱《茉莉花》，以清新优美的旋律变化、丰富多彩的音色对比、缓慢舒展的速度处理，感染了所有学生。由于对教学内容的合理整合，方法运用得当，且在课堂中有效地激发了学生学习兴趣，取得很好的教学效果。

还有许多方法都对提高学生的审美能力有一定的作用，音乐审美教育要让学生多侧面、多层次地感受音乐的美，获得音乐审美的能力。除此之外，音乐作品速度、力度、节奏及音色的对比等都能从某一方面不断地提高学生的审美素质、审美意识和审美能力。

篇（10）

中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1673-8500（2013）02-0020-02

我国的中国音乐史教学开始于上世纪20年代，随着西洋音乐的传入和我国近代教育家蔡元培先生对美育的重视，萧友梅等音乐教育家对早期新兴音乐教育开始了探索和实践。推动了我国近代音乐教育的发展。自1927年上海国立音专成立，其专业设置及教学管理体制日趋完善，并聘用经验丰富的音乐家任教，黄自亲自教习音乐史等课程。例如《先秦音乐史》、《中国古代音乐史》、《中国近现代音乐》、《中国当代音乐史》等。而在高师院校中《中国音乐史》与《中国音乐史与名作赏析》已成为音乐类各专业学生必修的一门基础理论课程。本文就中国音乐史的教学对象、课程设置、教材选择、教学内容和目标、教学方法等教学环节进行分析和研究，试图通过这样的研究以便更好地去进行教学的实践。

一、任务与目的

学生通过系统了解中国音乐从古至今的历史发展，并结合音乐作品的鉴赏，对各个历史时期社会音乐活动的主要特点和发展规律，对音乐创作和音乐人物、音乐思想和审美意识、音乐教育和传承、音乐传播和文化变迁以及乐种、乐律、乐器等方面取得的主要音乐成就和相关知识，能够有所了解和掌握，熟悉一些有代表性的中国音乐作品。并对于如何学习运用历史唯物主义和辩证唯物主义的方法和观点，正确看待音乐史上的中西、古今、雅俗问题，能够有所了解，同时初步形成运用音乐文献、文物史料研究历史音乐现象的基本能力。

二、课程教学要求

学生通过本课程的学习，能够较为系统地了解中国音乐发展的历史进程、不同历史时期社会音乐生活、各种音乐体裁以及主要音乐作品的创作特点及艺术表现创作手法，丰富音乐史论知识，提高音乐艺术的理论修养，并且培养学生具有一定的研究能力。

本课程通过音乐作品的欣赏教学，使学生具有一定的对中国音乐的审美鉴赏能力和修养。在音乐欣赏中需要适当加强视频欣赏的内容，以提高教学效果。另外，还应在教学中注意使学生理解中国近现代音乐与西方音乐之间的联系。

教学的重点在于对不同历史时期主要的音乐活动、音乐体裁及作品、音乐家等内容要有基本的了解。教学中的难点在于如何结合、调动学生已有的知识和生活经验，理解和掌握音乐史知识，同时结合音乐的感性体验，培养学生具有一定的审美鉴赏能力。

但是基于近几年才提升的本科师范院校中，很多表演专业的学生在进入大学前，只学习了乐理、视唱练耳等基础课程，这些学习都建立在艺术高考的基础之上。

三、课程的设置

目前，很多地方性的师范院校相继由原来的师专提升为本科院校，在专业的设置和学生的教学设置、培养计划都不一样。因此，由于专业的不同，学生们对于中国音乐史的学习也是有一定的区别和侧重的。例如表演专业的学生，特别是学习西洋乐器的学生，如果能学习本专业的《乐器和器乐发展史》，学习演唱的学生能进一步学习《艺术歌曲发展史》等课程，将会对其专业的学习进一步发展有着直接的作用；音乐教育、主持与播音专业，考虑到他们专业要求综合能力强，课程设置较多的特点，可以将《中国音乐史》与《中国音乐名作欣赏》课程结合教学，合成一门课程《中国音乐史与名作赏析》，同步进行音乐史与音乐作品鉴赏的学习；作曲与作曲技术理论的学生，应该要加强《中国音乐史》与《西方音乐史》等课程学习；此外，音乐学专业学生，尤其是选择学习中国音乐史为专业方向的学生，应该加强断代史、专题史的学习力度。因此，地方性高校中对音乐类学生们根据自身专业方向和兴趣灵活选择课程提供了可行的途径――推行学分制。这也在一定程度上对担任音乐基础理论课程的老师提出了更高的要求。

四、教材的选择

关于教材，在此主要针对共同课《中国音乐史》来进行简单的论述。回顾中国音乐史的研究，上世纪20年代叶伯和先生第一部《中国音乐史》在1922年发表，之后相继出现王光祈、郑觐文等学者也撰写了音乐史著作；到五六十年代，杨荫浏、李纯一等先生进一步深化了中国音乐史的研究，发表了一些影响较大的专著；其后，夏野、汪毓和、梁茂春、刘再生、黄翔鹏等学者的著作，为中国音乐史增添了丰富的内容。[1]

各高校在开设中国音乐史课程的时候，选用教材都必须结合学生的实际需求和专业需要。2006年，教育部艺术教育委员会组织编写出版了《中国音乐史与名作赏析》[1]，并在全国高校推广使用。这本教材在教材框架和教学内容上体现了“基础性”与“时代性”，强调“师范性”，也强调“学术性”，强调教师教育的培养目标，但并不是以降低、削弱课程应有的学术含量为代价”。[1]可以说很好的体现了《纲要》的指导思想，其特点是将中国音乐作品的欣赏置于中国音乐历史文化的背景中进行，同时使中国音乐史的教学更直观形象，促进学生的历史知识、感知能力与思辨能力得到均衡发展。但遗憾的是与教材配套的音像资料的建设迟至今日也未见发行，教师在授课过程中仍然要花费大量时间搜集音像资料。这就要求教师在教学中要结合自身条件通过各种方式和途径积累音响资料，以最大限度保证课堂教学的顺利进行。

五、教学内容和目标

各师范院校中国音乐的教学虽然在课程结构上设了性质不同的课程，但是许多学校并没有真正针对学生的实际情况，进行教学内容和目标的区别设计和对待。存在主要问题有：共同课《中国音乐史》在教学上在理论深度上区别不大，没有针对具体学生有明确的教学目的；教学内容也存在不平衡的问题，大多数师范院校《中国音乐史》课程开设在秋季学期，而且只开设一个学期，相当于18周的教学内容，这就导致很多院校把古代音乐作为重点，近现代的作曲家以及当代音乐史都采取一笔带过，甚至有的都来不及介绍；音乐史的学习和音乐名作欣赏课程之间没有联系性，重复讲授的内容很多。笔者认为解决上述的问题，必须要更针对性地对学生的教学内容和目标进行细致严谨的设计。

在教学内容和目标的设计上，根据《中国音乐史》课程的需要，可以设为三个不同的层次：第一个层次，授课对象以音乐教育等专业为主，教学内容和目标以半年时间简单清晰地勾勒出中国音乐史的发展的整体脉络；对于每个朝代的宫廷音乐、民间音乐、乐器、音乐思想以及说唱、戏曲音乐、近现代音乐思潮、代表作曲家作品与风格进行初步的了解；对于重要的音乐体裁的发展历程给予清晰简单的梳理，聆听最具有代表性的作曲家的代表作品；第二层次，授课对象以音乐表演专业为主，教学内容和目标在第一个层面基础上注意针对表演专业的不同方向，或加重声乐艺术的发展历史或加重器乐音乐的发展史，并对于作品的聆听有相应侧重性的选择；第三层次，授课对象以音乐史专业主修学生为主，教学内容和目标以两个阶段进行设计：第一阶段与所有音乐教育专业的普修半年，对中国音乐史的发展有着基本认识；第二阶段用一年半时间学习中国古代音乐史、中国近现代音乐史、中国当代音乐史，并能清晰的勾勒出各时期的发展的整体脉络；对于每个时期的音乐发展、主要的音乐思潮、主要作曲家的代表作品与风格进行深入的了解，包括其在音乐史整体发展中的地位；历史、政治、文艺思潮等对于音乐文化的影响；作曲技术的发展；音乐体裁的发展；要求课上、课下聆听和熟悉一定数量的音乐作品。

关于音乐史的学习和音乐名作欣赏课程之间的学习，首先两门课程应该是紧密地联系的，《中国音乐名作赏析》是通过具体作品来在教导学生学会聆听和欣赏音乐作品，更深入地了解中国音乐文化和重要作曲家的课程。对教材中关于作品的教学要结合音乐历史的发展，并且突出重点，特别是近现代音乐史中作曲家的生平和风格作为重要的内容。因此，对于教材编著的内容，我们教师在具体的教学中应该合理的取舍，笔者以为《中国音乐史与名作赏析》课程教学应更多的应针对古琴音乐作品、传统戏曲、说唱、近代作曲家的创作背景、音乐特点，以及该作品在同类作品或整个音乐史上的地位等教学内容展开。

六、教学方法论的探索

《中国音乐史与名作赏析》的教学任务在于通过教与学，拓宽学生的音乐视野，提高音乐审美能力和分析能力，完善知识结构，树立辩正唯物史观，适应基础音乐教育需要等方面具有独特的价值。使了解中国音乐发展的各个历史时期，各阶段音乐文化的主要艺术成就和文化背景；了解中国音乐史上的重要流派、重要作曲家及其代表性音乐作品；了解中国音乐的美学特征，音乐的材料、形象、形态、意蕴、价值与功能；熟悉音乐的表现手段，对旋律、节奏、调式、肢体、结构等能作出恰当的分析；了解中国音乐传统体裁的特点和历史变迁；提高音乐感知能力和审美能力，培养良好的艺术素养，热爱艺术与生活。为以后继续学习音乐课程打下了良好基础，从而提高学生的基本音乐素质。

本课程的教学方法采取以传统的教学方法为主，现代教育技术为辅的有机结合方式。由于传统教学方法经历了一个相当长的时期发展总结，仍具有强大的生命力，教师的口头讲授以及板书形式为学生熟悉并相对易于接受，具有较明显的亲和力，所以在教学中笔者仍以讲授为主，适当加入了多媒体教学和计算机辅助教学等方法，有助于提高传统教学方法的效率和效果。

其一，根据中国音乐史的特点和音乐教育的目标，建构教学内容，确定教学方法。在课程讲解中实事求是，根据教学内容和学生状况灵活运用各种教学方法，追求最佳的教学效果。

其二，更新教学理念，拓宽教学模式，充分发挥教师讲课的艺术。教学是师生互动的过程，教师作为传道、授业、解惑的人，在教学过程中始终处于主导的地位。笔者深知教学质量的好坏，往往取决于教师教学水平的高低，取决于教师讲课的艺术。因此，笔者对中国音乐史的教学有充分的认识，经常研究传统的启发式教学模式和各种现代教学模式，不断进行教学方法的优化与创新，努力提高自己的教学艺术。

其三，树立以学生为本的观念，调动学生学习的主动性和积极性。教学活动的最终目标是要落实在学生身上，故学生在教学过程中也处于很重要的地位。如果忽视了这种情况，让学生总是处于被动的地位，对教学实际上是很不利的。基于这种认识，笔者坚持启发式教学的原则，提倡自主学习与合作学习的理念，鼓励学生独立思考，自主学习。

其四，把传授知识和传授方法结合起来，提高学生的创新意识。中国音乐史内容丰富，浩如烟海。要使学生在短暂的大学时代有较多的收获，在教学中不仅向他们传授知识，还向他们传授学习和研究历史的方法。从素质教育和创新教育的角度出发，一开始就向学生介绍学习中国古代音乐史的方法。在教学过程中不断启发学生思维，鼓励学生参与科学研究，提高他们分析问题和解决问题的能力。

在教学方法的不断探索中，根据时代要求、学科特点和现代教育技术的发展状况，采用多种教学手段进行教学实践。

一方面把传统教学手段与现代教学手段结合起来。继承传统教学手段的优点，深入发掘教材内容，认真了解学生实际，确定教学的重点和难点，从启发学生思维、培养学生创新意识的角度出发，进行课堂设计，发挥教师在教学过程中的作用。同时，运用现代教育技术手段，拓宽学生的视野。笔者除了积极制作教学课件外，还利用网络资源进行教学，发挥多媒体音响在中国音乐史教学中的作用。

另一方面，把课堂教学手段和课外辅导手段结合起来。课堂教学以传统的讲授启发为主。课外辅导则主要利用网络进行。通过QQ、电子邮箱等网络交流方式延伸教学内容，解答学生提出的各种问题。从而加强师生之间的互动，巩固所学知识，实现教学大纲规定的目标。在一个学期的教学中，通过对我国各个历史时期音乐文化发展概况及其主要成就的学习，使学生对中国音乐史的发展有一个基本的了解，同时，通过具体的音乐资料学习，提高了音乐鉴赏能力和音乐素质，为从事音乐教学工作奠定基础，为继承弘扬我国音乐文化的优秀传统，发展和创新民族的社会主义的音乐文化作出积极的贡献。

以上，特别强调的就是中国音乐史的教学不是教学生背书，不是把学生变成只会考试的背书工具，而是通过我国各个历史时期音乐文化发展概况及其主要成就的学习，使学生对中国音乐史的发展有一个基本的了解。同时，通过具体的音乐资料学习，提高了音乐鉴赏能力和音乐素质，为从事音乐教学工作奠定基础，为继承弘扬我国音乐文化的优秀传统，发展和创新民族的社会主义的音乐文化作出积极的贡献。

参考文献：

[1]田可文.中国音乐史与名作赏析[M].北京：人民音乐出版社，2007.9.