绘画鉴赏论文篇（1）

2、把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置

3、鼓励学生直率地描述直观感受

4、 形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味

5、意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次

6、艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生

7、审美接受不单是视觉接受，也不只是大脑接受，而是整个身心的接受 

关键词：形式分析 意蕴解释 价值判断 

在常人眼里，画画远比看画难，其实不然。著名艺术社会家豪泽指出：“人可以生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”所以有许多儿童画家，农民画民间艺术家也是文盲；但绝无儿童鉴赏家和文盲艺术家。可见，绘画艺术鉴赏是一种由后天专门训练所获得的一种特殊能力。

绘画艺术鉴赏教育是将受教育者带入绘画这一特殊视觉领域，使他们在大量接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下训练对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而育成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。

在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。

那么，如何培养我们的学生这种特殊努力呢？

“观千剑而识其器”，最重要的是大量接触艺术作品。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。这种接受非观赏接受。象在展览馆看画展，随意遛一遛，大体看一 看，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏性接受。在以往的美术鉴赏中，有被戏称为“三段论”的欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏董希文《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。

现将在教学中总结的培养绘画奖赏能力的“鉴赏四步法”略作论述：

第一步：简单描述

在欣赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生直率地描述直观感受。

第二步：形式分析

形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。

> 如夏加尔的《散步》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，红色衬布上的花、酒瓶、酒杯也起了很强的烘托作用。

> 形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。

 第三步：意蕴解释

> 意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。

> 意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言：“看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑”，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。

> 仍以《散步》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在中间，举手托起婚后刚刚生了第一个儿子的妻子，让她在空中自由回旋，以庆祝他们生活的幸福和快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。

 第四步：价值判断

> 价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断 ，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。

绘画鉴赏论文篇（2）

绘画艺术鉴赏教育是将受教育者带入绘画这一特殊视觉领域，使他们在大量接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下训练对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而育成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。

在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。

那么，如何培养我们的学生这种特殊努力呢？

“观千剑而识其器”，最重要的是大量接触艺术作品。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。这种接受非观赏接受。象在展览馆看画展，随意遛一遛，大体看一看，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏性接受。在以往的美术鉴赏中，有被戏称为“三段论”的欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏董希文《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。

现将在教学中总结的培养绘画奖赏能力的“鉴赏四步法”略作论述：

第一步：简单描述

在欣赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生直率地描述直观感受。

第二步：形式分析

形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。

>如夏加尔的《散步》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，红色衬布上的花、酒瓶、酒杯也起了很强的烘托作用。

>形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。

第三步：意蕴解释

>意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。

>意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言：“看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑”，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。

>仍以《散步》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在中间，举手托起婚后刚刚生了第一个儿子的妻子，让她在空中自由回旋，以庆祝他们生活的幸福和快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。

第四步：价值判断

>价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。

绘画鉴赏论文篇（3）

美术作品来源于生活，高于生活，美术作品的存在主要是以人类观察为欣赏基础。美术鉴赏是属于观赏者积极思考的过程，观赏者根据自己的经验和艺术审美能力对作品进行理解，从而使作品更加具有价值。美术鉴赏在美术教育中开展，不仅能够培养学生的素质，而且对提升学生的精神境界也具有重要的作用。美术鉴赏的意义在于使学生的思想得到净化、情感得到陶冶、品格得到升华，从而促进身心合一发展，精神境界得以提高。

美术鉴赏活动是一种认识和感情相统一的精神活动。美术鉴赏人员能够通过对美术作品的欣赏提高自身的认识，感受到文化与历史的辉煌，对人格的完善和灵魂的雕琢，对心灵的净化，对自身精神境界的提高。并且美术鉴赏对培养人的自尊、自信、自立以及自爱的意识，不断提高自身精神文化品位和生活质量也具有重要的意义和价值。如同恩格斯所认同的那样，包括体力、智力、思想、道德、信念等方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，艺术素养已经融入时代的潮流中，受到人们的重视。美术鉴赏作为美育教育的重要手段，对促进学生艺术审美能力的提高、人格的完善、精神品质的升华等各个方面的发展具有重要的作用和价值。

二、在了解美术的基本知识中提高鉴赏能力

美术基本知识包括美术史常识和一般的美术理论，不同的美术门类有各自不同的物质特征和美学特性，必须采取不同的欣赏方法去欣赏，才能获得审美感受。如欣赏雕塑，就要把握它在空间的团块感和质量感；建筑则是凝固的音乐，欣赏时除注重它的空间体积感之外，还要注重它音乐般的流动感。对于工艺美术的欣赏，除了注意它的审美特性之外，还要注意它的材料美感以及实用中触摸的手感等。由于美术各门类具有各自不同的美学特征、工具材料和表现手法，我们必须掌握熟悉这些美术知识，才能真正体会美术作品的特殊美感和艺术魅力。

三、一定的社会、历史、文化知识有助于提高鉴赏能力

马克思说过：“你如果想得到艺术的享受，你本身就必须是一个有艺术修养的人。”我们知道，美术作品是由美术家在特定的历史时期、特定的社会环境下创作出来的，因此一定的社会、历史、文化知识对美术欣赏力的提高是十分重要的。油画是西洋画中的一个主要画种，在给学生欣赏外国油画名作时，我们可以选择抽象绘画作品和具象绘画作品这两种不同风格的作品，形成强烈的对比，让它们在学生心中留下深刻的印象。具象绘画，简单的理解就是有具体形象的绘画作品。如文艺复兴巨匠达・芬奇的《最后的晚餐》。而抽象绘画与具象绘画相反，作品中没有具体的某种形象，只是由一些色块、线条等绘画语言所组成，必须依靠理性观念和思维来欣赏，从而获得精神上的享受。同时，在美术作品所提供的欣赏条件中注意引导，举一反三，触类旁通，由此及彼，由表及里，由现象到本质，逐步地、深入地把握美术作品，从而拓宽学生的思路，而不要把他们框死在一个固定的欣赏模式里。只有这样，才能让学生取得一定的欣赏美术作品的经验，获得对美术作品初步的欣赏能力。

四、在自由评论的过程中提高鉴赏能力

每个人的思维都是有限的，每个人看待事物的角度也是不一样的。如果学生之间没有交流，每个人只是坚持自己的想法，这样学生的审美观是得不到发展的。所以，在教学过程中，教师要让学生自由评论，自由发表自己的看法，让学生在共同交流思路的过程中，集思广益，真正了解作者在作品中所寄予的思想，逐渐提高学生的鉴赏能力。

如鉴赏中国古代建筑代表作品故宫，通过故宫建筑的整体规划、屋顶样式、木结构构造以及建筑装饰彩画雕刻等方面的介绍，使学生从中了解皇权至上的体现，了解中国古代建筑的审美特征。所以，在授课时，向学生展示了故宫的全景图，让学生谈谈自己对故宫建筑特点的感受。此时有学生对故宫的柱子进行了观察：我在电视上看到过，故宫柱子上的刻龙，简直是鬼斧神工，栩栩如生，不难看出，建筑师在这方面花费了不少的工夫，在那个没有电脑、没有网络的时代，古人的技术竟然如此精湛。还有同学从故宫的格局、彩画、优美的屋顶等方面进行了鉴赏，这样学生从不同的角度进行欣赏，既提高了学生的观察能力，又让学生对故宫进行了全面的鉴赏，让每个学生在听取他人的鉴赏结论过程中，补充自己没有想到的地方，让每个学生都能够得到个性而全面的发展。

五、在理解作者的绘画用意中提高鉴赏能力

绘画鉴赏论文篇（4）

中图分类号：J0 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）03-0226-02

一、大量鉴赏优秀作品

正如多听音乐可以培养乐感，多读文学作品可以提高文笔一样，只有大量地鉴赏优秀的美术作品才能够从实践中领悟美术的魅力，从而逐渐地培养美术鉴赏力。大量鉴赏优秀作品，可以找到它们的共同点，吸取其精华部分，对人们艺术修养和鉴赏力的提高有直接的利好。但是，我们日常生活中接触到的艺术作品多种多样，其中不乏掺杂一些质量稍差的作品，作为初学者来说，无法判断哪些才是优秀的作品，这会阻碍人们对真正美的艺术的追求。因此，我们需要有专业的老师来选择和指导对优秀艺术作品的鉴赏实践。

培养美术鉴赏力就要提高眼睛感受形式美的能力，鉴赏名画可以有效地提高这种能力。中外名画是艺术家呕心沥血的代表作，经过多年的沉淀和升华流传至今。其中包含的不仅仅是美术能力的精湛，更是千百年来精神文化的传承。我们在欣赏名画的过程中，要仔细观察，学习名家在绘画上的细节处理以及他们对色彩、形体和构图的构思，通过长期锻炼，对美术作品的辨析力和领悟力会逐渐丰富和提高，眼睛感受美的能力也会逐渐增长。优秀的美术作品会引来许多人临摹，因此出现了大量的复制品，虽然对原作品的临摹相似度很高，但还是很难将原作的审美和精神准确的地传达给观看者。所以我建议如果条件允许的话，还是应该到美术馆、画廊或者博物馆去欣赏原创作品，与艺术大师通过作品进行面对面的触碰。

由于每个人的个性特点不同以及天生审美观的差异，会对美术作品的风格有不同的喜好。例如有人喜欢雄浑的山河作品，有人喜欢清秀的花植作品，还有人喜欢抽象的思维作品，人们可以根据自己的喜好选择美术作品进行鉴赏，不过对于其他风格的作品也应该有所涉猎，不能轻易地排斥，更不能贬低，要培养全面的美术鉴赏力。美术作品也有高雅的格调和低俗的趣味之分，对初学者来说，要根据老师的建议选择个性鲜明、有独创精神的作品，尤其是那些经过岁月的筛选流传下来的古今中外名作，一定要避免让平庸粗劣、格调低下的作品影响初学者的第一印象。

二、学习相关艺术知识

美术鉴赏力不是个人天生的能力，需要经过后天的培养，学习相关的艺术知识是其中的重要内容。相关的艺术知识不仅包括中外的美术发展史、技法理论和艺术概论，还包括相关的文学、哲学、和民俗文化等。首先，对我国美术发展史上出现过的绘画大家及作品要十分熟悉，包括吴道子的“吴带当风”，黄荃、徐熙的“黄家富贵，徐熙野逸”，董源、巨然的“照耀古今，为万代师法”，还有吴门画派的唐寅和文征明，扬州画派的郑板桥、李蝉。此外，从我国美术的发展历史来看，各个朝代所呈现的画风也有所不同，唐朝雍容华贵，宋朝严谨精细，元朝淡然清幽，明清两朝则以水墨为上。对于西方的美术发展史需要了解的是在不同时期产生的不同绘画流派的风格和特点，要知道西方几种典型的绘画风格，如古典主义、印象主义、现实主义、浪漫主义和抽象主义。对于中西方的美术发展史要了然于胸，当看到一幅艺术名品时，在欣赏形式美的同时要联想到其创作背景，这样可以更加深刻地理解作者的创作意图，从而深刻地领悟作品中所蕴含的精神真谛。

要想更好地鉴赏一幅美术作品，了解和掌握美术的基本知识和规律是必不可少的，了解美术的表现形式、艺术特征是学习美术的基本素养。美术从广义上来讲包括雕塑、绘画、建筑和工艺美术等，单从绘画来看，以使用工具、材料和技法来划分可分为油画、水粉画、中国画、素描等；以画面形式和社会功能来划分可分为：漫画、年画、宣传画、壁画、插图和连环画等；以描绘对象来划分可分为：风景画、人物画、历史画、风俗画等，每个画种还可以分为更加细化的种类，如中国画按照描绘题材还可以分为山水画、人物画、花鸟画等等。通过相关美术知识的学习，可以清楚地分出美术作品的题材，感受不同的美术形式带给我们的不同艺术感受。此外，根据不同美术作品的不同表现形式，需要掌握不同的鉴赏方法，例如鉴赏工艺美术时要带有触觉上的感官；鉴赏建筑艺术时要带有运动上的感觉。掌握这方面的基本知识，可以帮助人们正确地把握作品，准确地领悟作品的艺术魅力。

在上文中我们提到过艺术作品反映的是现实生活，因此为了更加准确地领会原创作者的创作意图，学习相关的宗教、民俗和哲学是有必要的。一个民族和时代的艺术和这个民族和时代的哲学是密不可分的，许多流传至今的艺术名品、美术著作中都蕴含着深刻的哲学观念。以中国的美术艺术为例，讲究诗以言志、文以载道、画以立意，这种高度的写意性、表现性就是与哲学相联系的表现方式。通过学习哲学可以更好地理解文艺作品的精神，同时也可以通过对文艺作品的研究来得到哲学方面的启示。不仅仅是中国，西方的美学艺术也深深受哲学、时代和宗教文化的影响。在中世纪，绘画大部分是为基督教服务的，文艺复兴之后也有许多绘画是以宗教为题材的。同时绘画还与文学有密不可分的联系，例如诗经通过绘画的图解，顾恺之也曾经用类似连环画的形式再现曹植的文学作品《洛神赋》。阅读文学作品还可以提升自己的审美情趣，培养想象力和思维能力，为提高美术鉴赏力服务。

三、注重结合审美体验

著名的雕塑家罗丹曾经说过：世界上并不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。提升审美观就是在为自己寻找一双能够发现美的眼睛，那么如何才能提升自身的审美观呢？首先，要多看一些名家的艺术作品，这些作品经过时间的检验，在今天仍然称得上不朽之作，可以充分地验证其艺术造诣和成就。在观看这些艺术作品的时候要充分调动自己的感性直观，细细品味作品中的色彩和构图，经过长期的实践，自己的感悟力和辨析力就会慢慢丰富起来。其次，要带着审美的态度去体验生活。我们知道许多知名的画家和诗人都是十分感性的，他们会带着细腻的情感去理解周围的生活和自然环境，写出“春江水暖鸭先知”的千古绝唱。在美术作品中也有许多描绘大自然、描绘日常生活的作品，正是因为他们有一双发现生活美的眼睛。

提升审美观还要培养开放的艺术观念。所谓艺术观念，指主体对不同流派和风格的美术作品的观念和看法。培养开放的艺术观念就是不仅要懂得欣赏美的、具象的作品，还应该懂得欣赏丑的、抽象的作品，其实作品的美与丑并没有明显的界限划分，要想全面地理解和把握作品的实质，就应该以开放的艺术观念、用一种欣赏的态度去对待每一个作品。此外，许多人会将绘画看作是对实物临摹和复写，将其逼真程度作为评价它的唯一标准，这种做法在鉴赏美术作品当中是有极大误区的。随着照相机的普及和流行，绘画逐渐丧失了其记录和存录的作用，但是绘画并没有因此而衰落，就是因为绘画不仅有其“写物”的特征，还有其“写心”的重要功能，也正是这项功能才使得绘画的艺术境界更高一层。画家在创作艺术作品时，不仅仅是对事物的一种复写，还渗透了自身的情感，这也正是许多著名艺术作品经久不衰、耐人寻味的原因。所以用开放的艺术观念去欣赏艺术，才能鉴赏更加丰富多彩的美学艺术。

美术鉴赏能力和审美观并非一朝一夕就能够培养出来的，需要我们长期实践，不断地积累艺术知识和提升艺术观念，培养良好的审美观。如果有兴趣的话，也可以根据自己的爱好试着练习一些绘画，对眼睛感受形式美有非常好的作用，并且要学会用审美的态度去感受生活，带着一双发现美的眼睛去体味生活，这也是培养美术鉴赏力的最终要求。

参考文献：

[1]孙清予.论高效美术课堂对提高学生审美能力的作用[J].戏剧之家，2015，（01）：137.

绘画鉴赏论文篇（5）

那片塔林坐落于“莫高窟”的大门外，从远处眺望，它处于离窟群并不遥远的地方。那里有一条河，那是一条并非常年奔腾的河。趟过那浅浅的小溪般的河水，便可见一片空地。正是那片空地上，高高低低地建着一片僧人的圆寂塔林。

那些塔呈圆形，状似葫芦，外敷白色。从几处坍弛的塔迹看，几乎每座塔心均竖有一根木桩，四周均以黄泥塑成，基座一律垒以青砖。从这里可以看出，或可以就此作为佐证，历史上，曾在这里住持莫高窟的僧侣们，均不富裕。

仿佛就成了一种佛教和文化的“定义”，或曰一种“禅宗”文化的宿命吧。正是出于这样的缘由，注定了古今僧侣和文人，就必须脱离名疆、利锁；必须以出世而做入世之事；必须苦其心志，劳其筋骨，饿其体肤；或自度、度人，自觉、觉人；或“穷则独善其身，达则兼善众生”。从而将所有遇到的艰难困苦和挑战，变成一个个自我修行的过程，将所有艰辛的文化研究、探索、艺术表达，成为一种“文化的苦旅”。

或许真的就是由于这种文化的玄学，文化的精神，文化的影响所致吧。否则，半个世纪过去了，那夕阳下，凛冽寒风中，那个破落群体的无比悲凉记忆，为何依然深深植根于我的脑海，每每重要当口，十分关键时刻，便会清晰地映现在我的眼帘。否则，尽管时令变幻，人生转折，生活有了颇多的变故，尘世有了更多的喧嚣与纷扰，我却依然能够保持着一种苦心孤诣，一种不倦于岁月的笔耕，一种从容的人生境态。既为历史、文化、世间沧桑而咏，又为生活新知、艺术新知而赞。每每于一种豁达的心境之中，在一种历尽坎坷却颇能积极的心态之中，心到何处，笔便也能到了何处。进而以一种禅的修炼意境，去品味历史、品味文化、品味艺术、品味人生。努力书写一段如歌的岁月，表达一种翰墨真情，担起一份历史和社会的责任。

一部艺术哲学史，早已清晰地标明，中国画是充满人文精神的艺术作品，中国画的创作历来是以人文精神为主体的。“外师造化，中得心源”，这一概述虽讲的是客观与主观的两个方面，揭示的却是以人为主体的艺术行为，是画家主动挖掘与表现艺术之美的行为。中国画将诗、书、画、印、论有机地融合，实际上是中国文化孕育出来的综合艺术，而画家往往又是诗人、思想家、书法家、理论家。他们往往有着深厚的国学修养，是一个个具有丰富文人精神的社会特殊群体，诸如坡的诗文、书画皆佳，齐白石的诗、书、画、印、山水、花鸟、人物皆精，而遍阅宋元明清诸多大师的作品，则无一不是这一个个群体中的优秀代表。

当然，中国书画艺术历来属于中国文化的重要组成部分。作为民族文化艺术的瑰宝，尤其是绘画艺术，远在五六千年前的新石器时代，先民们就能以矿物作颜料在陶器上绘成精美的纹饰。考古发现，最早的卷轴画，是湖南长沙出土的战国龙凤人物及人物御龙图两部帛画。汉代以壁画人物为主，稍后，出现了山水画。唐代是中国绘画的繁盛时期，名家辈出，遗存了很多作品。此时，绘画的技术不断出新，题材种类日益丰富，除人物画外，还出现了花鸟、马、牛等绘画品种。表现的技法有工笔、写意，其中工笔又有白描、重彩、淡彩之分，写意又有大写意和小写意之别。王维独创的水墨淡彩山水，提出了诗中有画，画中有诗的绘画理论，开辟了文人画的新天地。宋代各种画科有所发展，题材更加广泛，画派林立，盛极一时。元、明、清三代绘画，沿袭了宋代院体画与文人画的画风，涌现了诸多名家和名作。近代则出现了海上画派、金陵画派、岭南画派、京津画派。其中海上画派对近代美术史影响最大。近现代画家在继承传统的基础上，多注意吸收西方艺术之长，发展创新，从而使画坛上出现了百花齐放、百家争鸣的局面。在长期的发展演变中，中国书画艺术、绘画艺术，逐渐形成了一种民族文化的精髓，成为中国文化学的一个重要分支。

历代皇家和官宦阶层的书画鉴赏、鉴定和收藏活动一直就很早，民间的此项活动则稍稍要晚一些，但真正发展起来之后却并不逊色。

到了封建社会的晚期，中国书画的品鉴和收藏活动，愈来愈成为一种关乎理想、价值、情感、身份、趣味的生存方式。时至明清两代，书画鉴赏、鉴定 、收藏，甚至已经成为社会地位与阶级、阶层的象征，而对于某些所谓“高雅”书画作品的品鉴、欣赏、鉴定和收藏，则成为进一步衡量社会个体或群体的知识、门弟、价格高下的具体“标准”。

如今的中国社会，已将书画鉴赏、鉴定和收藏，将古今书画作品的整体，视为了全人类的文化遗产而精心保护。事实上，正是由于鉴赏者的珍惜，鉴定者的保护，收藏者的关爱，使得书画作品具有了非凡的生命力量，具有了延续存在的可能；使其可以穿越漫长的时间隧道，通过遥遥的空间承转，生命彼此的流注，使精神古今贯通。

然而，并非所有的投资均那么简单，一帆风顺。书画艺术不同于普通商业、产业的投资，其独具的专业性与学术性，已令许多热衷于此的人们望洋兴叹，不着要领，败下阵来，尝足了惨痛的教训。

如何将一种基本的书画理论概念，传统而浅显易懂的书画欣赏、品鉴、鉴定常识，书画欣赏、品鉴、鉴定实践经验，有效地传播给广大的受众；如何将一种直接的对古今书画名家、大师、作品和风格的具体赏析和品评，形象而直观地传达给广大读者和爱好者。尤其是将生活在我们同一个时代，相对家喻户晓的当代名家及其作品，立体地进行介绍，较为准确地进行评论，全面地普及性地将他们的人生阅历、艺术追求、艺术风格、艺术贡献，尽可能有效地、生动地展现给广大观众和读者，是我撰写这部六十多万字的书画、美术、评论、鉴赏、鉴定专著《翰墨情缘》的初衷，也是继2005年作家出版社为我出版美术、书画、评论专著《岁月如歌》之后，出版的又一部新著。在这部专业的新著中，经过不断的改进和努力，与第一部相比，我在努力做到内容更加广泛、丰富，内涵更加精确、深邃，知识更加系统、全面，时间空间跨越更加久远、完整、合理，进而以突出知识性、普及性和当代性为重点；兼顾古代、近现代流派、大师和代表画家；尤其对元、明、清以来作品存世量较多的画家，多次亲眼目睹其精品佳作的古代、近现代画家及其作品，重点作了赏析和品鉴；同时又兼顾与当代画家们之间的艺术交流、文化共鸣、真情与友谊。经过长期的不懈努力，从收集到的该著相关的一百五十多位古今画家的五千多幅作品图片中，精选出了三百多幅，作为配图和插图，以供读者欣赏、鉴识、认定、掌握，以便于读者全面提高对不同时期书画珍品的欣赏层次，辨伪辨仿能力，收藏鉴赏水平。

在该著的创作过程中，北京画院资深老画家、刘海粟大师磕头关门弟子、北京湖社画会原老会长王挥春先生，为本书提供了封面绘画，题写了书名和长篇题词。近代绘画大师陈少梅先生之子陈长智、儿媳林庆萍夫妇，为该著精绘了封底作品。恩师周宏兴先生，著名老画家林心传、冯向杰、衣惠春、臧焕年等众多名家朋友，先后为该著题词、绘画，均付出了一份份友情与真诚。我的师妹、著名作家、冰心文学奖获得者、北大学者梁宾宾，文化艺术评论界、电影、文学界的著名评论家曲丽萍女士，再次为我的新著写序。摄影记者潘松刚，同事罗锋、莫丽霞、魏瑞亮、石雅茗，还有许多文化界、出版界的朋友、领导、编辑、照排、校对，为我联系出版，提出建议，解危助困，真诚相助，尽量压缩开支和降低成本，以保证和不断提高这本新著的设计和编辑质量。特别使人感动的是，时隔六年，作家出版社又一次为我编辑出版新的美术书画评论、鉴赏、鉴定专著，借此机会，我一并表示真诚的感谢。

尽管该著在撰写的过程中，经多年的刻苦努力，我已做过精心的学习准备和知识储备，但在如此浩瀚纷繁的信息传达中，由于种种原因，定会有失误和纰漏，望广大读者批评和原谅。好在书画艺术的目的在于传播一种文化，《翰墨情缘》的灵魂在于传达一种艺术精神，在于讴歌艺术家的一种良知、道德和精神修养。

绘画鉴赏论文篇（6）

中图分类号：G623.75 文献标识码：A 文章编号：1002-7661（2016）22-0022-02

一、培养学生参与美术鉴赏的兴趣

俗话说“兴趣是最好的老师”。根据新课改要求，将高中美术鉴赏课分为五部分，通过研究发现，要想培养学生的积极性，教师必须在明确教学目的的基础上，引导学生进入到述评活动中去，进而产生分析艺术形式、讨论美术作品的兴趣，在找到乐趣之后还会自觉主动地去欣赏，并在教师的进一步引导中将直观的面层欣赏进入到深入的理论分析之上。

二、正确引导学生运用鉴赏方法，准确应用美术术语，恰当与人交流

方法一：对比法。为使学生在知识和美术走的鉴赏中有更丰富的实践经验，教师可鼓励并引导学生在海量中外美术作品混杂的图片中进行鉴赏，对比法还能帮助学生理性的认识作品。我在讲授《20世纪的国外绘画》一课中，为了使学生对现代主义绘画特点有明确的认知，就分别选取了三组不同的作品，包括三幅传统绘画、三幅现代绘画，并积极引导学生就色彩、造型和真实性等方面进行了一一对比，使学生对西方现代主义绘画色彩的装饰性、造型的二维效果和形象的符号性等特点记忆非常深刻，这一形式不但能给学生产生感官刺激，激发课堂兴趣，而且能使学生产生理性的认识分析，取得了不错的课堂效果。

方法二：合作交流法。在美术学科中，其语言元素包括点、面、线、色等。由于受到文化环境因素及意识形态的差异影响，各民族的美术语言也各具特色。如，中国绘画讲求笔墨、意趣、虚实、章法和皴法等。而西方的绘画作品则更为突出透视、质感、空间和色彩等。我们都知道，不同学生因生活阅历、个性和知识结构的差异，也会在作品欣赏中产生不同情境的再造。如果教师能在课堂中进行分组讨论，使学生能够表达自己看法并进一步交流沟通的话，即形成了某种意义上的合作学习法，在后期的交流中，会逐渐从感性认识上升到理性的分析，以此为基础对艺术作品进行重新的审评，这样不但能提升学生的鉴赏能力水平，还能使他们在合作交流中获取更广泛的知识信息。

三、采用灵活的教学方法和现代信息技术来收集美术鉴赏的关联信息

任何美术加上活动都必须有特定的对象，在高中美术课程中，鉴赏对象除了中西绘画作品外，还有中外雕塑、建筑和工艺等诸多形式。课堂鉴赏中多采用图片形式。教师可以采用现代信息技术在网络中找到与课堂相关作品和图书杂志等的图片及摄影摄像资料，将其制作成课件直观的展示在课堂教学活动中，在将中西美术作品、传统与现代美术作品的对比中，让学生能快速找到不同之处，使课堂教学内容更深刻。此外，还可利用录音录像等的展示来丰富课堂资源。当然，学生也可以在现实重视收集各类信息资，包括中国结、年画和剪纸等用以传阅，这些灵活的方式都能带给学生更强烈的视觉和触觉刺激，激发出学生进一步创作的欲望。

四、从身边材料入手，选用多工具方法对课堂鉴赏作品进行再实践

高中生的求知和探索欲很强，书本知识难以满足他们的好奇心，教师应鼓励他们用平面设计和3D立体美术设计，按照课本中的雕塑和设计鉴赏作品独立去完成创新设计。

五、帮学生梳理美术、自然和社会间的关系，将美术认识放到具体的文化情境中

美术作品发展至今，积淀了不同时代的人文背景。每种美术形式的形成都与当时的自然条件和社会环境紧密相连。中国画崇尚自然，而不同地区地貌之别也在画家师法自然中呈现了不同特点的作品。如北方山水画多峥嵘壮阔、雄浑厚重、山石突兀；南方山水画多自然墨色湿润、清新秀逸。教师应在作品鉴赏中让学生尽可能多的吸收作品内涵的人文营养。此外，教师可通过设立研究性的课题，来提升学生的探究能力和创新精神。

六、培养学生对祖国优秀传统文化的热爱之情

我国的传统文化历史渊源，博大精深，高中美术鉴赏和别的学科并无两样，均具有德育教育功能，任何一个国家的发展和民族的兴盛均离不开民族意识和民族自豪感。所以，在教学中，教师有责任将我国人类文明的艺术精品展现给学生，并对学生的深入理解提供正确的指引，使学生具有强烈的民族自信和自豪感。

绘画鉴赏论文篇（7）

著名艺术社会学家豪泽尔说过：“人生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”高中阶段专门开设美术鉴赏课，其目的在于通过鉴赏教学，启迪智慧，陶冶情操，提高学生的艺术修养，促进学生人文素养的提升及身心的健康发展。

一、中西艺术交融，了解文化差异

关于高中美术鉴赏课的教学内容，中国传统绘画与西方传统绘画这两方面都可进行，因两者皆有其特点与魅力所在。中国传统绘画可以让学生充分体验了解中国绘画的特点，更深入地体会中国绘画艺术博大精深、哲学化的审美倾向。中国传统绘画其门类也很多，可以从其中挑选其一种或两种进行教学。例如：花鸟画中可选梅兰竹菊，也可选简单的山水画等。西方传统绘画也可以进行教学，学生从中可以学到西方的绘画理念，了解西方造型艺术的特点及其规律，学习西方的审美观。在教学方面也可以选取其中的素描、速写、色彩等进行实际教学。中国传统绘画与西方传统绘画同步教学能让学生真正全面地了解东西方文化艺术的差异，在欣赏与鉴赏中逐步获得审美愉悦，受到教益和启迪。

二、合理利用资源，开发特色课程

在美术鉴赏课中一般比较重视对理论知识的探讨和理解，令学生感到乏味，我们可以利用学校周边现有资源，适当开展一些取材容易而又操作简易的手工制作课，让学生自己创作艺术作品，把成功的体验与众人分享。比如，如果学校离河边较近，可以在河边搜集小贝壳。我们可以把贝壳黏结起来做成各种各样形状的小雕塑制品，容易制作也容易形成课程。鼓励学生进行大胆和可能的尝试，着重感受、体验和兴趣培养。然后，开一个小型的“雕塑作品展”，当学生们看到自己的作品被展示出来时，会有很高的成就感。如果学校依山傍水，那山上少不了石头，可以直接采集石头做盆景雕塑，效果也会很不错。无论贝雕、盆景还是其他，都可以就地取材，只要合理安排教学设计，必会带给学生新颖而又难忘的一课。

三、美术鉴赏，走出单一理论教学

上好一堂精彩的美术鉴赏课，需充分掌握教材知识，把握教材的教学宗旨，找到美术鉴赏教学与实际生活中鉴赏审美应用的连接点，对教材进行深入挖掘与突破。对于美术鉴赏课来讲，教材有其局限性，我们应该把学生带出教材，走到生活中去，让“活生生的教学”巩固提高学生的审美体验能力。我们要不断挖掘自身所在城市或者环境资源的美术鉴赏层面，让学生有空间和时间去体验及应用审美知识。任何小小的审美实践都要胜过“死记硬背”的“纸上谈兵”，我们相信：美术鉴赏教学会逐步走向理论与实践相融合的道路，而学生会有机会去读一本包容万象的“大书”，而不是“死记硬背”那本教材。在美术课堂上，他们明亮的眼睛和时时发出的惊叹声可以告诉我们：他们的内心充满了对美术知识的渴求。教材是死的，教师是活的，灵活使用和挖掘教材成为目前美术鉴赏课教学环境下对教师提出的新要求。

四、把握中国特色，奠定传统文化底蕴

在当今大众追逐时尚的潮流中，毫无例外的，美术教学领域也受到了很大冲击，一律追求“新颖”“新概念”“新花样”的“新”却恰恰掩盖了中国传统艺术的传承与推广，更少了传统艺术特色的革新与发扬，传统艺术人文精神的缺失更是越来越难以赋予作品更深邃的内涵。大众正在被逐步、被完全地西化，其根源应该归结于我们传统美术教育的普及推广。我们的技能模块学习应该首先立足于中国传统文化的基础之上，这样既有利于中国传统艺术的普及也有利于对西方文化艺术精华的吸收和融会贯通，对于提高艺术素质有着更好的继承发展。我们并非排斥外来文化，而是想让本民族的文化瑰宝得到更大的继承和发扬。中小学美术教育中多注入中国因素是继承与发扬中国传统美术的一个非常重要的模式。

五、创设轻松的教学环境，提高学生的审美体验

没有一个能让学生更好地发散自己思维、发掘自己创新意识探索发现自己艺术潜质的环境，其他的空谈都是假的。风景优美、依山傍水的环境因素对学生的身心发展是有利的，利用当地的优势资源开展美术鉴赏课也是很好的。以前的学校教育要想在短时间内转变也需要一个过程，我们只有尽自己所能去改变并去营造对学生更好的环境，尽自己所能在有限的环境中取得最大的成绩。在现有的条件下，我们应该给学生创造宽松的课堂环境，让他们在没有压力的情况下轻松地学习；在聆听各种各样的“故事”中，展开想象的翅膀，任思路自由飞翔。

潜移默化之中，深刻细腻的观察与感受能让我们的学生具备“不寻常”的眼睛，让他们能够捕捉到更多美丽的色彩，尽享这曾经熟悉但又有所不同的形色世界带给他们的新的感官体验，独特的审美观察也会塑造出他们的多彩人生，这才是我们艺术鉴赏课的主旨所在。

绘画鉴赏论文篇（8）

关键词:绘画鉴赏 中国画特征 审美情趣 绘画评论 写作

中图分类号:J20 文献标识码:A

欣赏绘画作品已经成为现代文化生活的重要组成部分。不论是举办美术展览吸引的千万观赏者,还是独自在家翻阅画册,或在居室内悬挂几幅喜爱的名画,都可以从中获得美感享受。可见欣赏绘画与人们的精神生活息息相关,欣赏绘画不仅是人们的审美需要,而且在欣赏过程中也会不断提高人们的审美修养,净化人们的心灵。为了提高人们的欣赏水平,经常写一些有关绘画的评论文章是非常必要的。可我们很容易发现,好的绘画评论文章着实不多,其中绘画知识的缺乏、不懂得如何欣赏,是影响绘画评论写作的一个重要原因。为此,针对如何提高绘画欣赏水平,写好绘画评论,谈几点粗浅的认识。

一 了解绘画的种类及特征

欣赏和评论好绘画作品,首先需要了解绘画的种类及其特征。如果按绘画使用的工具材料的不同,绘画可分为中国画、油画、版画、水彩画、水粉画等等;按表现对象的不同可分为肖像画、风俗画、风景画、静物画、历史画等体裁;按作品形式不同又可分为壁画、年画、连环画、宣传画、漫画等式样。每一种绘画,都有自己表现形式的特点和不同于其他种类绘画的技法、技巧等,这里只是将各类绘画的共同特征略加说明。

绘画是造型艺术中的一个种类,同其他雕塑等造型艺术不同,它是在一度空间,通过平面描绘的方法来塑造人物的形象和周围的现实情景。这种二维的造型艺术,有其自身特点:

1 绘画取材广泛,具有特殊的表现力

对于绘画,只要是可见的客观事物,包括自然风景、人物、社会生活等各个方面,都可以成为表现对象。东汉王延寿在著名的《鲁灵光殿赋》中描述殿中壁画时说:“图画天地,品类群生。杂物奇怪,山神海灵。写载其状,托之丹青。千变万化,事各缪形。随色象类,曲得共情。”可见绘画在平面上能把各种可见事物予以表现,即所谓“图画天地,品类群生”。而且由于绘画(特别是近代绘画)重视空间透视关系的科学性、形体的准确性以及色彩的逼真性,因而在反映客观事物的具体性上,远比其他艺术样式(例如语言艺术)更为确定。在再现对象的形貌神情和丰富色彩方面,具有特殊的表现力。比如敦煌莫高窟至今尚存的一幅北魏时代创作的壁画《狩猎图》,描绘了两个骑马的射手正在林中和群兽搏斗,近处一人跃马而起,张满弓弦,向着扑过来的猛虎射去;远处一人纵马奔驰,追逐着一群黄羊或者野鹿,迫急如飞。这幅画生动地描绘了当时我国西北地区游牧民族狩猎生活的场面,为今人了解那时的社会生活提供了形象的教材。晋朝陆机说:“宣物莫大于言,存形莫善于画”,正是指出了绘画的这种特长。

2 绘画着重表现事物的静态和运动的瞬间

莱辛在《拉奥孔》一书中说:“绘画在它的同时并列的构图里,只能运用动作中的某一顷刻,所以就要选择最富于孕育性的一顷刻,使得前前后后都可以从这一顷刻中得到最清楚的理解。”这就是说,绘画不论要表现多么复杂的场面,多么曲折的事件过程,也只能描绘出静止不动的形象和事物在运动中的瞬间状态。因此,从表现时间和运动上说,绘画有它的局限性。但是,这不等于说,绘画无法表现对象的运动过程。以静显动,依靠那些不动的形象去暗示人物的行动,唤起观者展开想象,正是绘画表现手段的特殊性。这里的关键是选择和处理静中有动的画面。

19世纪法国著名画家米勒有一幅名作《倚锄的男子》,画面上一位倚锄的农民,站立在锄过不久的土地上,伏身向前望去。画面上的人物虽然一动不动,却使观者感受到“他刚刚劳动过而且疲劳了――这就是说,他正在休息而且还要接着劳动。”中国画论中说:“虚实相生,无画处皆成妙境。”在中国绘画大师齐白石的笔下,几只河虾,一群蝌蚪;或者一枝干莲蓬,配上一只蜻蜒和几道水波等等,都能虚实相生,静中显动,鲜活跳跃,生机盎然。这得力于画的巧妙构思。因此,懂得绘画艺术的基本特征,是进行评画论画的基本条件。

二 了解中国绘画独特的表现形式和审美趣味

一般来说,中国人大量接触和欣赏的是中国画家的作品。中国画的历史十分悠久,1921年在河南仰韶发现的彩色陶器上的纹样和装饰,便是我们祖先原始的绘画艺术,距今约有六千年。在几千年漫长的历史发展过程中,中国绘画形成了自己的传统特点,与西洋绘画判然有别。要欣赏和评论中国画,就需要了解中国传统绘画的特点。

中国传统绘画基本上可分为三个门类:人物画、山水画、花鸟画。每个门类又包含种种不同的风格和流派。但不管分支多么繁复,只要是中国画,在构图、用笔、设色三个方面,都有着共同的特点:

1 从构图上看

西洋绘画在构图布局上的一个最大特点是遵循透视的原理,画面上的一切物象,都是从固定的视点出发进行描绘。如果画家要画眼前一座大山,只能画出视线所及的景物,大山后面的一切也就无法进入画面。而中国画则不受这种制限,因为中国画是没有固定视点的。画家眼前虽是山重水复,他却可以移动自己的脚步,绕到山后去发现那里的宜人景色,所以在国画中可以出现“山外青山楼外楼”的奇特景观。西洋绘画的构图方法称为“焦点透视”或“远近法”,而中国绘画的构图方法则称为:“散点透视”或“积累远近法”。

2 从造型手段看

西洋绘画大都以明暗块面来描绘对象,而中国绘画却擅长以线条来写情状物。中国历代画家所描绘出的那些动人的艺术形象,都是由线条勾勒而成的。晋代顾恺之的名画《洛神赋》,画中的洛神形象异常生动,真是“翩若飞鸿,宛若游龙”,而这形象的构成,靠的却是画家那“春蚕吐丝”的线条勾勒工夫。北齐的曹仲达画人的衣服紧贴身体,富于体积感;唐代的吴道子,画人的衣带随风飘举,富于运动感,都是用线条描画产生的独特效果。

3 从设色方面看

西洋绘画往往描绘特定光线下,物体反映出来的色光之间的复杂变化,而中国画则强调“随类赋彩”,以纯色平涂为主,把复杂的自然现象概括为一个主要的色调。例如,水的色彩,按照“随类赋彩”的原则,便是“春绿、夏碧、秋青、冬黑”。至于某一特定时间和光线下物象色彩的变化,以及暗部、反光、投影等色彩,则不在画家的考虑之内。

总之,中国传统绘画的特征反映出中国画独特的审美情趣。这就要求在欣赏和评论中国画时,必须把握我们民族传统的独特审美趣味,而不能用欣赏西洋绘画的眼光去对待它。

中国绘画所包含的审美趣味,首先是,中国画特别讲究神似,早在晋代,顾恺之就提出了“以形写神”的著名论点。拿人物画而言,中国画不仅真实地反映人物外貌,而且特别注重通过外貌反映人物的性格特征和精神面貌。在创作实践中,许多优秀的画家都把神似放在第一位。因此,我们在欣赏与评论中国画,尤其是古代画家的作品时,就不能单纯以“画得像不像”、“比例对不对”为标准。

其次,中国画注重意趣。所谓意趣指的是在作品中应该有一些含蓄的、可以让人回味、咀嚼的东西。如果透过画面,能使人产生联想,领略到一些画外之旨、弦外之音,那就有了意趣。如清初的八大山人朱耷笔下出现的许多独立寒枝、翻着白眼的鹌鹑、鸲鹆,就蕴含着独特的意趣,画面内容曲折地反映了画家在异族统治下的苦闷和不堪忍受的民族气节。

三 写好绘画评论应注意的几个问题

古今中外的绘画作品,种类和体裁繁多,形式和风格各呈异彩,因此,评论绘画进行艺术分析时,没有什么固定的模式可循,不存在可适用于一切绘画作品的统一评论规格。但有些经验是可以借鉴的,在此,提出以下应注意的几个问题,仅供写绘画评论时参考:

1 联系画家的思想、经历与作品产生的时代背景全面分析,不应孤立地就作品论作品

鲁迅说:“我总以为倘要论文,最好是顾及全篇,并且顾及作者个人,以及他所处的社会状态,这才较为确凿。要不然,是很容易近乎说梦的。”鲁迅这里谈的是“论文”,其实也完全适用于“论画”。例如:俄国伟大的现实主义画家列宾,历时三年经过深思熟虑、呕心沥血创作的不朽名画《伏尔加河上的拉纤夫》。画面上,黑压压的排成长行的拉纤夫们,顶着灼人的酷日,在发烫的沙滩上徐徐而行。每一个拉纤夫都是衣衫褴褛,蓬头垢面,面部呈现出不同的表情,沉思的、愤然的、绝望的……如果我们不了解这幅名画产生时俄国社会的历史背景和画家对俄罗斯人民的热爱,就难以说清列宾为什么要创作这样一幅画,以及作品深刻的思想内容。

2 剖析绘画作品形象,揭示画家寄托的思想感情

不妨举高校教材《美术鉴赏》中人们对唐代名画《步辇图》的评论为例,书中是这样分析、评论这幅经典之作的:初唐杰出画家闫立本,擅长书画,尤精人物,具有很高的写实技巧,他的杰出作品《步辇图》真实地记录了一千三百多年前,汉藏民族之间亲密交往的重要历史事件,画中描绘贞观十五年(公元641年),唐太宗接见吐蕃王松赞干布的使者禄东赞来迎娶文成公主入藏时的情景。乘步辇的唐太宗威严平和,身穿藏服的禄东赞精干而谦恭,气氛亲切融洽。画家靠服饰、举止,特别是容貌神情,生动地刻画了藏族使者禄东赞的精神气质,他宽阔的额头上的几条长长的皱纹,与朴质的颜面和藏族特有装戴,不仅反映了生活在西藏高原的藏族人的特征,而且还表现了他的严肃、诚恳的性格和深沉的才智。画家在画中不仅描绘了李世民的外形特征,同时还表现了他的气质与风度,唐太宗眼睛平视,表情庄重,成功地表现了他对远道来的使者欢迎神情,和对公主远嫁吐蕃这一重大事件作出的果断决策,从而赞颂了当时正确的民族融合政策。此画为绢地工笔重彩,描绘人物精细,眉、须、发皆一根根描出,然后用色渲染。用笔沿着流利的“铁线描”(闫立本的线顾恺之的“高古游丝描”显得刚而粗,富于变化和表现力,后人称为“铁线描”)表现了绸缎衣裳的质感。这件作品,不仅是研究闫立本人物画的珍贵资料,而且形象地反映了唐蕃联姻这个著名的历史事件,具有重大的历史意义和文献价值。

这样详尽的近于复述的形象分析,对于没有机会看到原作的人固然是很必要的,就是对于能够看到原作的人,也会帮助他们深入理解和认识作品的思想内容和艺术特色,获得美感享受。对于某些内容比较深奥难解的绘画作品,这样的艺术分析,尤其是不可缺少的。

3 重视绘画的形式与技巧,分析作品的成功与不足

绘画评论不能仅仅告诉人们作品表现了什么内容,还应进一步说明这些内容是如何表现的。绘画作品作为直观的造型艺术,形式美与技巧运用问题是十分重要的,通过对作品形式与技巧的分析,不只是提示作品内容的表现途径,而且会提高人们对作品的鉴赏水平,了解作品哪些地方是成功的,哪些地方还存在着不足。我们知道,不同时代,不同民族、不同种类、不同流派的绘画作品,在形式与技巧方面都有显著差异。“风格即人”,甚至每一位富有创造性的画家,他的作品形式与技巧,也会有不同于其他人的独特之处。欧洲文艺复兴时期的大画家达 芬奇创作的名画《蒙娜丽莎》,具有极大的艺术魅力,几百年来无数的学者为蒙娜丽莎那“谜一般的微笑”,进行过种种的诠释。《蒙娜丽莎》的艺术魅力来自画家高超的技艺。达 芬奇擅长于“明暗转移法”(即明暗渐次递减),他以这种手法描画蒙娜丽莎的脸、胸、手部,非常柔和协调,富于立体感,使人物充满浮雕一样的美。画家又把人物放在一种好像临近黄昏时刻的柔和、多层次的光影中,使画面产生一种特有的朦胧的美感。他还用“空气透视法”,把起伏的山峰、蜿蜒的道路、河流等景物笼罩在迷蒙薄雾中,渐渐隐没于天边,这样的处理使情与景交相辉映、融合,构成了诗的意境。

参考文献:

[1] 陈洛加:《外国美术史纲要》,西南师范大学出版社,1997年版。

绘画鉴赏论文篇（9）

人类对色彩的认识和运用，有着十分久远的历史，史前的原始洞窟壁画、岩画直至后来的新石器时期都出现了色彩的面貌。

当然，色彩学毕竟是一门绘画技法理论的学问。具体实践来看，从15世纪油画技法被发明以后，科学技术的进步对绘画产生的推动作用促进了绘画色彩的变革，直到印象主义的出现，从过去重视“画什么”到重视“怎样画”。本文就从色彩基础教学中关于色彩微差等问题谈几点认识：

一、使作品显得丰富耐看

有时候，一幅好的绘画作品，百看不厌，耐人寻味。除了具有一般作品的主题、构图、形象等之外，更重要的是作品色彩本身的一种力量。贡布里西就多次提到对绘画的不同观看对于欣赏都有意义，换句话说，既要欣赏图像，也要欣赏色块和笔迹。色彩的丰富性往往是通过微差来完成的，隐含在一定的色块和笔迹之中。

常识告诉我们：再多的颜色放在一起也只是一堆颜色，而不能说是色彩丰富。恰恰相反，色彩的丰富耐看并不一定与颜色种类多少有关，高手作画，简单的几种颜色也能画出丰富的色彩感觉，这就要靠经验、靠色彩的微差变化。

二、是艺术家色彩修养的最好体现

色彩到了高级阶段是一种以少胜多、寓丰富于单纯的表现，

古今中外凡是卓著的油画家、水彩画家都对色彩有过精深地研究，

对于微差的处理也都在其作品中完美地展现出来，高手之间的差别有时也就是那“一点点”的微量把握。所以，我们可以从艺术家运用色彩的能力上判断其色彩修养，尽管用笔粗细不一，表现手法上或写实、或写意、或具象、或抽象、或意象，但在根本一点上对色彩的把握却是精妙和谐，处处显其对色彩的用心之处，这些都是艺术家色彩修养的直接体现。当然，对色彩美的认识深度主要与其性格、学养、经历等有关，高层次的色彩修养要靠高尚的人格修养。前面列举的艺术家都能很好地说明这一点。

三、反映出画家本人的审美取向和风格化特征

任何一位油画家都对色彩运用有着自身的体会和经验体系，对色彩运用所体现出的审美倾向和风格特征也迥然不同。当然，个人的色彩处理特点归因为自身的学养、经历、性格等因素，常有明显的个人印迹。

四、是鉴赏名画的基本养料

2004年，来华展出的“法国印象派绘画珍品展”、直到后来的

“意大利文艺复兴作品展”“美国艺术三百年”等都是非常重要的

展览。随着中国国家经济实力的增强，相信今后还会有很多重量级的艺术大师作品来华展出，这也会为我们提供一个很好地接近大师原作的机会。如何欣赏名作，这是一个非常重要的人文命题，我们除了对作品背后的故事有一点了解之外，对于艺术作品本身如何鉴赏？绘画作品毕竟不同于文学而有自身的形成因素：题材、造型、色彩、明暗、材料、技法、形式、肌理、风格等，甚至包括展览环境，各因素相互联系融为整体，既宏观又具体，既能整体欣赏又能把每一个要素单独独立出来品味，这确实是一种复杂的视觉感受，这里既有观者的学识修养、兴趣、爱好，还要有相当的艺术实践经验（包括对造型、色彩的观察与判断）。否则，只能是看热闹，永远也触及不到大师的心灵深处，每一位大师都有自己的艺术风格。我们应该从哪一方面去鉴赏呢？色彩当然是鉴赏名画的基本方面，如果掌握了色彩语言的规律，对色彩的微差把握也基本成熟的话，它会是你欣赏名作的一个秘密武器，当然你在这方面学到的会更多。所以，对名画色彩语言的判断分析，微差色运用是一个重要环节，尤其对以色彩见长的作品就更显重要，要想进入色彩语言的神秘领地，我们必须提高对色彩微差的感受能力，以小见大，它是我们鉴赏名作的基本养料，也是能够欣赏某些重要艺术流派画作的秘密所在。

以上是我关于色彩教学中微差色的几点简单的认识。当然，这一认识如何贯彻到教学实践当中去，提高学生对色彩的规律认识以及用色彩造型的能力的提高还有待于广大同仁的共同努力。另外，色彩教学实践应注意以下几点内容：

①在色彩教学思想上要重视色彩艺术规律；

②教学实践上要重视观察方法和调色训练；

③对微差色基础训练的具体环节处理；

④专门安排课时分析名作，体会微差色的美感。

总之，绘画离不开色彩语言，色彩语言的魅力也离不开微差色的运用，尊重色彩基础实践教学之规律，改进教学手段，强化训练，才能提高我们的色彩水平，才能真正地欣赏理想中的色彩

世界。

参考文献：

绘画鉴赏论文篇（10）

对比法，即依据一定的标准，把彼此之间具有某种联系的教学内容放在一起，加以对比分析，以确定其异同关系，认识其本质差异。对比教学法的运用，能培养学生自主学习的能力;能培养学生举_反三、触类旁通的能力;能培养学生从事物表面现象找出本质差异的分析能力。经过实践，笔者认为把传统绘画和现代绘画进行比较，是帮助学生较好地理解现代绘画的有效教学方法。那么，如何将两者进行比较呢?以《伏尔加河的纤夫》和《内战的预言》两幅美术作品为例说明。

 

1. 引导学生从作品表现形式上进行比较

 

引导学生首先从作品类别上进行区分，这是非常重要的一个环节。《伏尔加河的纤夫》是一幅典型的传统绘画作品，而《内战的预言》是幅现代绘画作品。《伏尔加河的纤夫》注重画面的真实性。人类把画从“不像”到“像”历经了几百年，直到文艺复兴时期一大批艺术家的出现，把解剖学、透视学、光学等知识带入绘画的时候，才让我们在平面上看到了以假乱真的艺术作品。所以鉴赏传统绘画就是要从空间感、质感、体积感入手。而《内战的预言》构思、创意具有独特性。从19世纪末到今天，把作品画得“像”已经不是什么难事了，艺术家开始追求的是全新的艺术表现形式。如画面构思奇特——观者看到只有在噩梦当中才会出现的情境：画面是把人撕开再拼凑起来的一具支离破碎的人体，狰狞恐怖的面孔支撑在一只手上，身体七零八落。人物自己的手抓着自己的上半身，脚踩着自己的五脏六腑，自残的形象给观者强烈的视觉冲击。

 

2. 引导学生对作品背景进行比较

 

《伏尔加河的纤夫》作者是画家列宾，作品背景是19世纪60年代，沙皇亚历山大二世宣布法令——废除农奴制。可是，由于封建剥削势力的根深蒂固，俄国农民并没有改善他们的悲惨境遇。作品刻画的是11位衣衫褴褛、骨瘦如柴的纤夫形象，他们饱受压迫，生活艰辛。1这幅作品激发了人们对19世纪俄国人民命运的思索。《内战的预言》作者是西班牙画家达利，作品作于1936年西班牙内乱之前。画面中央是一个巨大而残缺的人体，象征受难的群众。蔚蓝的天空，布满了乌云，大地上撒满了土豆，象征着西班牙荒芜的土地，所有这一切都是对战争的有力控诉。

 

3. 引导学生从作品风格特点上进行比较

 

列宾是俄国19世纪后期最伟大的批判现实主义画家，他以无比丰富的创作和卓越的表现技巧，把俄国现实主义绘画艺术发展到高峰。画中刻画了 11位饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难地拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性，他们生活在社会的最底层，但这是一支坚忍不拔、互相依存的队伍。这支队伍凄苦、惆怅、无助，画笔直抵纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照。达利是20世纪西方伟大的超现实主义大师，也是最能表现20世纪西方社会的混乱与动荡的艺术家之_，他善于把事物形象进行夸张、变形。在他的画中，现代人的梦幻、苦难、心灵的骚乱、战争给心灵带来的巨大痛苦与扭曲，都一眼可见。看他的画，往往有一种非常压抑，却又是痛快淋漓的感觉，让人觉得那些连你自己都说不清道不明更不知如何表达的情绪，他都替你表达出来了。

 

通过传统绘画与现代绘画相比较的教学方法，可以帮助学生从多种角度鉴赏不同形式的艺术作品，揭示不同风格作品的创作意图、深刻内涵或目的差异。

 

二、运用启发式教学，引导学生感悟作品

 

启发式教学是素质教育中_种重要的、积极提倡的教学手段，它要求在整个教学环节中教师起到积极的主导作用，学生则能呈现其重要的主体地位。通过这种启发式教学，不但能使学生掌握知识，发展能力，更重要的是让学生学会依靠自己解决问题，教师不能包办替代。2所以，教师必须运用各种手段启发引导学生，调动学生的学习积极性、自觉性，促使他们自主地掌握和运用知识。以美术作品《百老汇的爵士乐》为例说明。《百老汇的爵士乐》这幅作品在西方现代绘画史上是一部非常重要的艺术作品，但是画面完全没有具体形象，只有纵横线条的分割、排列，色块的穿叉点缀，让学生对这幅作品进行鉴赏有一定难度。笔者做了如下教学思路设计。

 

1. 抓住文题，启发感悟

 

鉴赏艺术作品，最重要的是先“解题”。题目_般是艺术家传情达意的“窗户”，作品通常所要表达的思想情感和艺术情境都要通过题目去传达。我们可以先不让学生看作品，先让学生解题，结合其他相关学科的知识，说明什么是“百老汇”。高中学生应该已经从其他人文学科对这个概念有所了解，所以这样切入会相对简单。教师可以根据学生的回答和教学所需加以归纳：百老汇”是美国纽约非常著名的一条大街，贯穿纽约南北市区，在南北和东西街道的结点上，夜总会、事务所、银行、戏院比比皆是，夜晚降临，贵族的先生、女士们就会来到这里休闲、娱乐。“爵士乐”是指在19世纪末20世纪初，随着非洲黑人的大量涌入，带来的当时最为流行的爵士音乐。

 

2. 根据作品情境，配以音乐辅助鉴赏

 

题目当中提到一种音乐形式“爵士乐”。那我们不妨在教学中穿插一段爵士音乐，既可以让学生了解爵士乐的常用乐器和乐曲风格，又可以请学生谈谈听后的感受。在这个教学环节当中，很容易引导学生把握以下两个信息：爵士乐”是用萨克斯、单簧管、小提琴、大提琴、架子鼓等乐器演奏，它的曲风愉悦、轻松、明快，振奋人心。

 

3. 进一步引导学生把音乐感受和美术元素结合起来鉴赏艺术作品

 

其实音乐和美术虽然表现形式不同，但对人们心灵感受体验结果是相同的，都是在鉴赏音乐和美术作品之后，对情感起到不同的震撼作用，或平静、或愉悦、或兴奋、或悲伤。“爵士乐”的曲风给我们的审美体验是“愉悦、轻松、明快”，那在美术语言当中，什么颜色让我们感到“愉悦、轻松、明快”呢?通过这样的“异类同感”式教学，学生一定会回答：红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的颜色会让我们有和欣赏‘爵士乐’同样的心理感受。”从而帮助学生归纳总结出如下信息：画面应该有南北、东西交错的线条，结点上有很多夜总会、事务所、银行、戏院，呈现的是红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的暖色氛围，这和爵士乐的欢乐气氛相吻合;黄色的小色块就像节奏鲜明的打击乐，大色块就像是钢琴或大提琴的浑厚音色，大小色块就像声音扩散一样交织在一起形成美妙较有规律的爵士乐。[3 ]

 

4. 通过画面，进一步引发联想

 

教师还可以进一步根据作品启发学生产生联想：这些颜色不同、纯度不同、比例不同、冷暖不同的色块交织一起，虽然没有具体的形象，但是却留给我们更多的联想空间。如可以结合20世纪初的美国社会现状进行联想：把不同跳跃的色彩联想为百老汇夜晚霓虹灯;明快的色彩还能想到美国人节奏明快的生活方式;画面中小色块的分布感觉像美国发达的汽车工业——小汽车。

 

在教学当中，教师如果能够采用这种层层启发的教学方法，就会很容易使学生把握画家的创作过程和创作心理，从而体验到抽象绘画实际也是现实生活的整合和表现，只是在艺术形式上有别于画得具象的传统绘画表现形式，这样，学生再理解这类艺术作品就容易得多。“高中生已进入个体发展的青年期，身心发展都达到成熟水平，观察力、记忆力和想象力的发展都进入最佳时期。”[4]只有这样的教学方法，才能使学生真正形成更加深刻的审美鉴赏能力。

 

三、 联系生活实际，引导学生搜寻艺术之魂

 

西方现代绘画作品随着时代的变革越来越成为鉴赏的主流。由于这种绘画形式大多没有具体形象，意蕴相对含混，它也能最大程度与实际生活相联系，所以我们要尽量引导学生从生活经验出发，选择一些与学生已有的生活经验、学习经验相关联的西方现代绘画进行鉴赏，激发学生的学习兴趣，调动学生的鉴赏热情。

 

法国著名雕塑家罗丹说：“生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。”如果我们稍做留意的话，就会发现在现实生活当中，西方现代绘画的佳作不时映入视线，“作品与服饰’’、“作品与居室’’、“作品与环境”都有着千丝万缕的联系。我们以蒙德里安的作品《红、黄、蓝的构成》为例。画面结构非常简洁，几个大小不同的矩形被黑色的、粗重的线条控制，主导颜色是右上方鲜亮的红色，不仅纯度极其饱和而且面

 

积巨大，画面四块灰白色有效配合了画的右下方的一点点黄色和画的左下方的一小块蓝色，红色正方形在画面上牢牢控制住平衡。在作品中，三原色坦然纸上，再无其他颜色。水平线和垂直线是画面当中仅有的线条;方块和直角是唯一的形状。分割与组合的巧妙，节奏、动感的画面，非常具有美感。学生取得了鉴赏蒙德里安《百老汇的爵士乐》作品的审美经验后，会很欣然接受这种艺术形式。那我们不妨在教学中再进一步创设这样的教学情景：

 

[1] 结合作品的构成形式，自己创作一幅以红、黄、蓝三原色为基调的作品

 

学生的操作热情很高，在绘制的过程当中不断地互相讨论并时有争论。每位学生都在精心策划着不同色块的大小、比例、构图，分割线条的粗细等。有几位学生的作品还不时受到其他同学的称赞。最后，教师应提供给学生_个展示作品的机会，可以把作品贴在教室黑板上，也可以贴在墙上，近距离地观察各自的作品，再和原作进行比较，学生很快就会发现作品的优缺点，然后进一步修改作品。

 

[2] 引导学生把自己的作品创意应用到实际生活当中

 

创意的构思、设计、制作，是引导学生捕捉发现美的过程。可以把作品应用到“作品与服饰”、“作品与居室’’、“作品与环境”等各个领域，待学生完成作品之后，教师可以把自己搜集的案例向学生展示，以有趣的实物为例说明这种艺术自身的美感，在实际生活中应用是非常广泛的。如生活用品玻璃杯(蒙德里安的抽象形式装饰)、鞋(直线、三原色，方块图案的布料)以及家居、建筑设计等。事实上，在我们的曰常生活中抽象艺术无处不在，它给我们带来的抽象感就在我们身边。[]

 

这种鉴赏与动手操作相结合的教学方法，分为两个教学阶段。前阶段的教学环节使学生从功能和审美的角度鉴赏西方现代绘画不同文化背景下的艺术作品，打开了学生们的艺术视野;而后阶段的教学环节，主要是让学生自己动手，有创意地完成一件设计作品，并在设计当中特别强调“有创意”这就要看学生能否运用以往所学的美术设计知识发挥自己的形象思维能力，体现创新意识，体会将现代的抽象作品与我们的实际生活联系起来的种种乐趣。

 

四、 运用批评的观点，引导学生对作品进行评价

 

《普通高中美术课程标准》中指出：“ ‘美术鉴赏’是在义务教育阶段美术课程中‘欣赏、评述’学习领域的基础上更高层次地拓展与延伸。”对于高中生来说，通过学习，他们不仅能欣赏一些“西方现代绘画’’，同时对美术作品还要有能力进行批评。它是判断教学是否有效的检验依据，在整个教学过程当中必不可少。因为美术学科具有其他学科不_样的特点，它具有开放性的评价体系。我们鉴赏美术作品的同时，要引导学生大胆对艺术作品进行评价，发表自己的看法和观点，使学生能在不同审美趣味和审美观念中碰撞出既开放又具有个性的审美态度和审美观念，这才是审美的最高境界。

 

美国艺术批评家沃尔夫吉伊根所著的《艺术批评与艺术教育》1书中总结了几点指导学生进行艺术批评时所遵循的原则，在我们的教学当中，相当具有借鉴意义。

 

1.以学生自身感受为主体，对一件或一类作品进行批评

 

传统的教学只是让我们教会学生理解艺术作品，而现在的教学更加侧重于让学生自己获得对作品的理解。这种理解并不是教师能教会的，它需要在理解作品的基础上通过自己的努力获得。

 

2.尊重学生的反应

 

教师应该避免针对艺术作品反应而强行设置某种程度;相反，他们应该相信学生最初做出的反应。[6]学生在面对作品时，会有瞬时的心理反应，即使面对同一幅作品在不同时期也会有不同的心理体验。教师应鼓励学生摆脱对教师的依赖感，解放焦虑和僵化的思想，充分尊重学生的所见所闻、所思所想，避免引导学生接受早已预定好的对作品理解的课堂讨论。

 

3.为学生提供面对有争论作品的机会

 

西方现代绘画作品对学生原有的认知和价值观提出了挑战，这就给我们提供了争论作品的机会。面对机会，可以让学生交流一下各自的学习心得，让学生从不同的角度感悟作品。

 

4.为学生创设安全、自由的批评环境

 

高中学生处于生理和心理逐步成熟时期，各个知识领域的认知也相对客观。对西方现代绘画作品无论从作品美术语言的角度还是从历史研究的角度、文化的角度都会有能力进行客观的作品评价。但教师如果不能为学生提供安全的、开放的、言论自由的评价环境，学生就不能坦率地表达自己的看法。只有让学生敢于表达，才算是批评与思考的有效运行。如果学生处在出现错误处境或尴尬的环境中，那么批评和思考就无从谈起。我们在批评的教学环节中所应遵循的基本准则是合作，而不是竞争。