经典音乐赏析论文篇（1）

音乐是一种依靠听觉来感知的时间艺术，古今中外的理论对音乐创作、表演关注的同时，也对“音乐欣赏”的理论诠释所重视，有人还将这一诠释视为“三度性创造的艺术”［1］，以此来和创作、表演的一、二度创造艺术相提并论。中国远古的“高山流水觅知音”、西方音乐中阿门达对贝多芬《f大调弦乐四重奏》中“情人离别”的感受等故事，都说明欣赏是音乐文化中的重要组成部分。钱仁康先生认为音乐欣赏是作曲家和演奏家寻觅知音的重要组成环节，它要在4个方面下功夫：沟通音乐信息、发挥主观能动的审美作用、判断音乐作品的艺术价值、接受感心动耳和荡气回肠的艺术享受，把音乐欣赏引导纳入寻求音乐美感的快意中［2］。李宝杰主编的《音乐鉴赏》（下文简称《李鉴》）就具有钱先生所言及的探索，它是在理论探索之中应时代之需进行的学科理论建构。

一、继承传统 推动学科

撰写“音乐欣赏”类书籍的传统不仅在国外盛行，在中国也自古有之。中国古代文人在品乐中留下了精彩文献，老庄的“大音希声”、孔子的“闻韶乐三月不知肉味”、嵇康的“声无哀乐论”等赏乐格言已为世人所熟知。进入20世纪后，随着西方专业音乐理论的传入，中国的“音乐欣赏”领域进入新的境界，黄自的《音乐的欣赏》（1929）等系列著述的诞生就是早期的代表［3］。新中国建立后，特别是改革开放以后，音乐欣赏领域更是获得了极大的发展，上海文艺出版社组编的《音乐欣赏手册》（1981）内容丰富、文笔活泼、实事求是、编排新颖［4］，钱仁康的《音乐欣赏讲话》（1982，1991年又出续编）注重知识理论与技术分析相结合、内容形式与辩证关系自然地结合、知识介绍与审美认识、艺术想象启发相结合［5］，孙继南的《中外名曲欣赏》（1985）通过通俗的笔调、深入浅出的介绍，喜闻乐见地评介了古今中外不同历史时期和艺术流派音乐名家的声乐、器乐作品（见赵沨序言），杨民望的“世界名曲欣赏”系列（1991）等，将中国在“音乐欣赏”领域的探索逐步引向纵深。

近年来，“音乐欣赏”类的著述更是如雨后春笋般地涌现，如：《中国民族音乐欣赏》（江明惇）、《世界名曲与cd指南》（杨雁堤）、《中外名曲欣赏》（邹燕凌）、《中外名曲50首欣赏》（张鸿玮）、《中外音乐名作欣赏》（张志军）、《中外名曲欣赏指南》（宋申）、《中外名曲100首欣赏》（杨惠芬）、《中外名曲赏析》（王盛昌）、《中外音乐名作欣赏》（冯步岭）、《音乐名作赏析》（张文元）、《中外经典音乐欣赏》（周世斌）、《音乐名家名曲•中国篇》（王安国）、《中外音乐名作选析：1. 2.3》（王少华）、《中外音乐名作赏析》（朱之谦）、《中西名曲欣赏》（关伯基）、《声乐作品欣赏》（武兰平）、《世界名曲赏析》（李虻）、《音乐欣赏》（张旭）、《中外名曲赏析》（茅原）、《外国音乐欣赏丛书》（人民音乐出版社编）、《中国音乐欣赏丛书》（湖南文艺出版社编）、《交响音乐名作鉴赏》（胡企平）……另外，以辞典形式对中外音乐作品进行鉴赏评介的还有缪天瑞的《音乐百科词典》（人民音乐出版社1998年）、罗传开的《外国名曲欣赏辞典》（上海音乐出版社2003年）、罗忠镕的《现代音乐欣赏辞典》（高等教育出版社1997年）、林逸聪的《音乐圣经》（三卷本，华夏出版社1999、2000）等，著述虽然繁多但良莠不齐，比如：有人对《现代音乐欣赏辞典》所做贡献的高度赞扬［6］，而有人认为《音乐圣经》是“快餐时代的低劣出版物”［7］，《中国民族音乐欣赏》是“一本谬误百出放胆抄袭的教材”［8］。而在期刊的研究文章方面，据笔者统计，从新中国建立后至今的见诸于刊物的“音乐欣赏”类的论文就有6千余篇，是所有音乐研究中最为兴盛的领域。这些论文有涉及到具体作品欣赏的，有以音乐欣赏课程教学的角度予以解析的，等等。

这些研究成果的不断涌现，一方面表明“作品欣赏”在音乐传播中的重要性，另一方面必将促使人们去深思“音乐欣赏”应具有学科化建构的意识。否则，欣赏类著作的撰写必将停留在重复的层面上，难以适应信息化时代大众对音乐文化传播的渴望与需求。《李鉴》的出版可说是应时代之需进行的较好学理探索的成果之一，它是普通高等教育“十一五”公共艺术限定性选修课程规划教材，集合了音乐院校和综合院校“音乐欣赏”的一线授课教师，把编者们多年来对该领域教学的有益经验进行整合，编写中表现出“教材”所需要的普适性、进阶性的特点从而展现出较强的个性特色。它按照课堂教学的规律来分类不同专题，每个专题又“有史有论”、“有个案有线索”。它以音乐体裁的专题史发展为形式，将散性的个案鉴赏整合为可供学科化教学实施的艺术专题。书中内容既有宏观历史线索的勾勒，又有微观作品的音乐内涵解读，尤其注意了选修课的广宏涵盖面和对象的特殊性，其施教对象并非只考虑到音乐专业学生，文科诸专业甚至工科院校也是其涵容的对象。这些教材化的建构特点是李宝杰、冯立斌、齐宜婷、唐继凯、夏艳洲、王青等编者深入认识“音乐欣赏”既往学术成果，整合优化其精要，是在新时期的学科化发展理念下所做出的探索。这一探索既有教学讲解中的历史性价值评判，又有学科视野下的进阶性、整体性、艺术性，还依据学科发展特点注重了学术规范的要求。这一探索把音乐技能培养与情感心理引导相结合，在音乐耳朵感染中接受文化、历史与生命律动的音韵美。它以既往“音乐欣赏”领域的研究成果为研究对象，以学科教学实践所需要的规律进行整合、优化，从其论述线索中可以看出它对“音乐欣赏”学科建构的推动性贡献。

二、观念新颖 构思精巧

拓展阅读视野和促进音乐文化发展是《李鉴》在编写观念上给读者的印象之一，而以音乐体裁为艺术单元、以历史纵横向的音乐学理比较是其构思上给人的特色之处。其构思的精巧在于不同于以往个案解读，而是以专题历史沿革为导引的论述线索，这就涵盖了学术极为丰富的信息，还以“延伸”阅读的补充方式扩展其正文之外的内容，使个案解读的鉴赏中增添了宏观的学科涵容广博。而这些观念和构思又是为其欣赏的专业课程化教学服务的，它不同于以“单曲介绍”为形式的、辞典式的“音乐欣赏”著述。

从观念上看，《李鉴》从影响爱乐者审美情趣的深层机理出发，进行音乐欣赏表现方式的挖掘，对音乐历史文化语境下的古今中外经典作品进行了技术性的解读。它体现了音乐欣赏在走出用文学化、美术化方式理解音乐的误区上的实践［9］，注重音乐作品的技术信息解构，注重对象的艺术品格剖析，尤其以爱乐者的知识建构为技术解析对象，以雅俗共赏的叙事方式展开其逻辑层次。

《李鉴》既有整体编写的统一性控制，亦有个案性格化的叙事展开。这种控制与展开都是编写团队深入理解既往音乐欣赏领域的优点而作出的学科化建构。如“管弦乐”部分，编写者将其分为以序曲、组曲等形式的“管弦乐”和以多曲哲理联缀的“交响乐”，这一区分既有传统的习惯又有学理的技术细分，体现出明确的整体与个体关系。在欣赏导引部分，编者以交响乐历史发展为宏观线索梳理，给读者建构起观念上的初步印象，从词意、乐意、乐史的层面为读者建立起了交响乐这一体裁的学理知识，这为后续的“名曲”技术层面的解读铺垫了基础。在《艾格蒙特序曲》个案的技术解读中，编写者以歌剧的戏剧结构为基础而将音乐结构的发展置于主题思想的层次剖析之中。这种个案的叙事在宏观的知识导引下逐步引申展开，将贝多芬作品中特有的“英雄性”乐意及其思想逐层渲染。这种编写观念和构思是着眼于学科教学的实际，立足于学生乐思的接受实践过程，由此彰显出《李鉴》编写的特色。

  三、体例独特 结构清晰

体例的创新是《李鉴》给笔者的第一印象，其体例以“艺术歌曲”、“器乐独奏”、“歌剧”、“室内乐”、“管弦乐”等体裁为结构单元，以中外音乐经典作品为个案内容为叙述逻辑，将各体裁的历史和技术特点娓娓道来。而每一部分又细分为多节，分述不同内容的代表作。这样的论述方式除了给人以体例独特而有别于以往的“音乐欣赏”，还在结构上以层层递进的展开给人以线索清晰之感，而章节式的体例有助于教学过程的具体实施，延伸的推荐曲目又有了“课外作业”的意味。每章的“欣赏导引”除了给人以体裁专题史的知识铺垫外，还给教学过程的导入注进了理性逻辑。

以国民音乐素质的培养、音乐审美接受的理论与实践的层面看，《李鉴》从每部作品的作者、背景、戏剧结构等方面来层层推进，将普通音乐课程新标准、艺术课程实施规律予以“音乐欣赏”化的贯彻。这一强调音乐审美来推行新时期乐教核心的方式，使《李鉴》的体例具有了宏观学科视野下的具体课案实践的探索意味，这与音乐欣赏的学科发展背景是相合的，体现出欣赏的目的、内容、过程乃至逻辑这些新时期对音乐欣赏学科发展提出的新要求［10］。

如《李鉴》中的“艺术歌曲”，它以艺术歌曲的历史发展为“欣赏导引”，以“德奥”、“意大利”、“法国”、“俄罗斯”、“中国”等国别为结构单元，对艺术歌曲的经典作品进行了鉴赏。编者以艺术歌曲发生发展为出发点，以历史进程中的不同国家各领风骚的艺术歌曲鉴赏为突破口，将作品进行技术解析，并结合歌词意蕴对其抒情性特质进行了阐释。

如果从教学的角度看，《李鉴》中的艺术歌曲叙论结合、层层展开、灵活多变地将教学过程所需要的知识与技术呈现出来。这种体例和结构有助于教学过程中的实施步骤推进，也符合不同教学单元的个性展开。其思路之清晰、叙事之独特是《李鉴》最突出的特色之一。

四、阐释精到 引领乐品

音乐欣赏是一种在娱乐基础上的深刻社会素质建构的有效艺术形式，它不仅是一项审美实践活动，还是一项创造性的审美活动；它既是音乐实践的最终目的，又是推动时代音乐发展的力量［11］。一部优秀的“音乐欣赏”论著就是社会审美引导的美丽风景。要达到引领思想风尚的艺术效果，光依靠作品的视听还无法达到准确表意的目的，其中精到的欣赏理论阐释是必不可少的。

《李鉴》的阐释精到首先表现在每章的标题上，如：“乘着歌声的翅膀”——抒情歌曲、“魔鬼的颤音”——器乐独奏、“今夜无人入睡”——歌剧精粹、“如歌的行板”——室内乐等。这些标题多以各体裁的经典作品为指代，使标题的指向性意图明了，直达乐意，文风活泼，加强了“娱乐性”阅读的情趣。

阐释的语言风格也是《李鉴》阐释美学的表现形态之一。如：对江文也的《台湾舞曲》 的论述，编者引论到：

20世纪早期是中国音乐与世界音乐发生碰撞的特殊阶段，由于多变的局势动荡，致使一些较早踏上现代音乐之路，在那个时代华人音乐家阵营中并不多见的，本该成长为世界级的作曲家，或者说已经在一定范围内产生了世界影响的作曲家，却过早地断送了艺术生命，留下了永久的遗憾。这就是本节所要介绍的台湾籍作曲家江文也的艺术道路及其惊世之作交响诗《台湾舞曲》（《李鉴》第191页）。

这段引论以简略的笔墨将《台湾舞曲》的创作背景及成就精要地呈现出来，其后，论述以“追随世界音乐潮流，追求奇特的形式结构，探求新的音响”为作品技术阐释中心，将这一创作阶段中的江文也的曲作特色呈现开来。阐释中，编者以结构内容的逐层表达为逻辑层次，如在乐曲的开始处所鉴赏的内容，它解析出《台湾舞曲》的“有意打乱旋律节奏的轻重关系”的特色，并就此延展出乐曲整体性的节奏形态特质；又以回旋曲几个插部的节奏和旋律形态特征，来说明乐曲中所运用的印象派手法的娴熟，表达了作曲家深情款款的故土情怀、对民间音乐的主动发展以及对管弦乐创作的技术和思想。这种以技术解读为中心，以作品特色和思想的呈现为延展，以结构层次的挖掘为逻辑线索，《李鉴》的阐释可谓精到。

从接受美学的角度来看，艺术接受的本身也是一种创造，也是一种带有主观能动性和批判精神的再创造活动。［12］而音乐欣赏是要在音乐形式内容的解读中寻求的思想的启迪和升华，把音乐作品描绘的意境与欣赏者的情感触动相对应［13］，遵循创造美和接受美的规律是音乐欣赏阐释的基本准则，只有精到的乐意阐释才会触动品评音乐的美感境界。《李鉴》的阐释中注意了乐意内涵的直观性表达，如在贝多芬第九交响乐《合唱》的阐释中，《李鉴》从音乐主题的造型分析入手，结合启蒙主义的思想背景，将席勒的诗意和贝多芬的乐意进行了对照直至解读，展示出作品中“欢乐”的思想主旨，使听乐者感受到作品中崇高、雄伟、博大和恢宏的乐境，从而感染聆听者的思想，在忘我的审美体验中获得精神的提升（《李鉴》第200页）。从这些阐释可以看出《李鉴》中的鉴乐思想，其主旨和终极目的是为接受对象精神境界的提升创造了条件，文中立意可见一斑。

《李鉴》其它方面的特点还有很多，如：谱例遴选适当、文笔流畅活泼、论述由浅入深、图文并茂等。这些特点都将使其“音乐欣赏”的诠释具有学科化、学术化、艺术化和可读性特色，必将使读者更能从中感受音乐欣赏的理论价值和艺术美育贡献。

当然，作为初尝音乐欣赏新形式的学科化实践，《李鉴》也并非完美无瑕。比如：从总体上看，它在细致展示音乐作品创作过程的同时，导致其背景知识部分的展开过于繁琐，这一“喧宾夺主”的“展开”影响了所要进行的技术解读等主体部分的展开；从局部来看，编者将拉赫玛尼诺夫的《c小调第二钢琴协奏》、格什温的《蓝色狂想曲》、门德尔松的《c小调小提琴协奏曲》等作为室内乐的体裁，这显然不适合编者对室内乐体裁的界定；而局部比例失衡也限制了某些体裁解读的正常展开，如对音乐剧部分的阐释，《李鉴》只用了《演艺船》之“老人河”、《猫》之“回忆”、《音乐之声》之“孤独的牧羊人”三曲具有片面性无法全面展现处于“朝阳产业”发展态势中的音乐剧艺术的音乐风采。这些欠缺如能在将来的修订中予以调整和完善，可能会使《李鉴》走进更多的教学课堂，并为更多的赏乐者所喜欢。

参考文献：

［1］赵沨.中外音乐欣赏-序［c］.济南：山东教育出版社，1985:1.

［2］钱仁康.中国音乐欣赏丛书-总序［c］.长沙：湖南文艺出版社，2001:2-3.

［3］冯长春.黄自音乐美学思想的基本观点及其本质探微［j］.中国音乐学，2000（3）.

［4］晓耿. 简评《音乐欣赏手册》［j］. 人民音乐, 1982,(11).

［5］沈念慈.寓深于浅 博约相照——简评钱仁康的《音乐欣赏讲话》［j］.人民音乐，1985（8）.

［6］王震亚.世界现代音乐的投影——《现代音乐欣赏辞典》简介［j］.中国音乐学,1998 (1). 汪申申.全方位了解现代音乐的良师益友——评《现代音乐欣赏辞典》［j］.人民音乐,1998 (2).

［7］刘诗嵘.误人子弟的“圣经”［j］.人民音乐，1996（6）.

［8］刘国杰.一本谬误百出放胆抄袭的教材——评《中国民族音乐欣赏》［j］.中国音乐,1992 (4).

经典音乐赏析论文篇（2）

本论文为陕西省教育科学“十一五”规划课题，课题编号sgh10171。课题名称：高师声乐课程适应中小学音乐教育改革的研究。

古典音乐泛指西洋古典音乐，即中世界欧洲主流文化背景下创作的有别于通俗音乐和民间音乐的一种承载厚重、内涵丰富的音乐形式。而现今的乐界，古典音乐多用来特指1750-1820年这段时间的维也纳古典乐派所创作出来的欧洲主流音乐，是一个独立的音乐流派，艺术手法考究。

古典音乐，在乐界，因其主要体现理性的情感表达方式，而被更多的学者认为是所谓的“严肃音乐”。[1]在我国，80后、90后这些从出身就带有强烈自由主义色彩的一代，更多地把个人喜好放在了情感宣泄自由的浪漫主义音乐上，逐步远离了带有强烈“严肃”色彩的古典音乐。因此，在自由主义蔓延的当代，如何正确引导和培养年轻的音乐人对古典音乐的兴趣，也就成了音乐教育中一个急需解决的教学难题。[2]

多元化的教学方式往往因其耳目一新的授课方式，而更容易被学生所关注和接受。通过对古典音乐深厚的文化背景的研究，本人采用以下的教学方式，取得了良好的授课效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典文学赏析课程

1750-1820年的欧洲，恰逢古典主义文学和启蒙文学盛行的时代，从莎士比亚、塞万提斯到巴洛克文学的兴起，无不体现当时新文化新思潮的改革，随即出现了昌盛一时的古典主义文学，兴起于当时文化科技繁荣的法国，随后扩展到欧洲其他国家。古典主义文学思潮是新兴的资产阶级和当时封建贵族在政治上妥协的产物。它和古典音乐的特点类似，有着鲜明的时代特色。

因此，在课堂教学中，加入古典文学课程赏析，通过对时代背景的理解，对当时文化意识形态的理解，更容易加深学生对音乐旋律背后诠释的文化的融会贯通。往往可以通过鼓励学生用自己的想象力复原文学作品中表达的大时代，同时鼓励学生用自己对于音乐的理解力通过自己独有的方式呈现当时的文学作品以及那个时代的特征，再对比古典音乐的表现形式，不仅可以激发自我的创作能力，同时通过对比和创作，更有效地吸收了古典音乐的精华，且达到了学以致用的效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典舞蹈赏析课程

舞蹈是在三度空间内用身体为语言的一种交流方式，是用人体的运动来体现的一种艺术形式。而且舞蹈往往借助音乐伴奏，用形体的动作更加丰富地诠释音乐的力量。舞蹈赏析是通过观赏舞蹈时，对舞蹈作品的感受、体验以及理解思考的整个过程，其本质上是一种认识活动同时伴有自我思维的升华过程。舞蹈作品很直接很形象地反映当时的社会生活、人物的情感特点、舞者对于生活的自我审美，是一种全方位多人共同参与表达的艺术形态。

在意大利文艺复兴时代，芭蕾作为欧洲古典舞蹈的经典流行并逐渐职业化。芭蕾在发展过程中有严格的规范和结构形式，要求女演员穿特制的足尖鞋立起用脚尖起舞。在古典芭蕾舞剧的赏析课程上，我们要求学生尽量重现18世纪的场景。我们的课程设计上，尽量模拟18世纪的欧洲剧场，前10分钟，学生通过阅读相关舞剧简介，对接下来赏析的舞剧有个最基本的了解，接着通过对《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》等经典芭蕾舞的赏析，有一个全面直观丰富的体验。最后，在课程结束前通过简短的讨论和提问来对比古典舞蹈配乐和整个舞台效果与真实的古典音乐之间的差异，理解所谓的欧洲现实生活和欧洲当时理想的意识形态之间的差异，从而轻松地理解所谓古典音乐严肃背后的理想主义色彩，通过讨论和提问的形式来达到每个学生的自我理解消化，且所提问题不当堂解决，留为下一节课程的授课中心，学生和老师共同准备下一堂的教学内容。

在古典音乐的教学课程中引入绘画赏析课程

在中世纪的欧洲，人们常常将绘画称为“猴子的艺术”，指的是人类如同猴子一样通过绘画的方式模仿人类活动，因此绘画是一种临摹自然的艺术，因为每个人对自然的理解有偏差也有自我

的独特性，绘画里面通过夹杂了画者不同的自我风格，而体现不同的意识流。

在教学中，我们主要加入对理性主义的“拉斐尔前派”作品的赏析，因为这个学派往往取材于神话、宗教传说以及一些文学作品，通过画者的理解和幻想而表达出来的，如《世界之光》、《盲女》、《基督家庭》等代表作。通过对这些作品的赏析，不但可以通过作品了解到当时西方很多的神话、宗教故事等文化起源的故事，同时还可以了解到18世纪欧洲的画家对于文化起源的理解和自我剖析，可以更全面地理解当时文化时代的意义，也理解到所谓“严肃”音乐在那种特定的时代大背景下为何“严肃”的原因。[3]

只要音乐教育者肯下功夫，结合时代特色，采用多元化教学，古典音乐也必将冲破“严肃”音乐的局限性，被年轻的音乐人和更多的音乐爱好者所喜爱和接受。

参考文献：

[1]宋莉莉.西方音乐简史与欣赏[m].济南：山东大学出版社，2007.

经典音乐赏析论文篇（3）

“古典音乐”(classical music)是一种音乐类别的名称，原指古代流传下来堪称经典的音乐作品，后广指―切思想内容与完美的艺术形式相结合的典范音乐作品。音乐欣赏是以具体的音乐作品为对象，通过聆听的方式及其他辅助手段而得到精神愉悦的一种审美活动。音乐欣赏是音乐实践活动不可或缺的环节，只有通过欣赏者的欣赏活动，音乐作品的创作和表演才能够真正实现其存在的价值。经科学研究发现，人们在欣赏音乐过程中所包含的诸多信息(节奏、旋律、和声色彩、音量大小等)有利于加强大脑的疏导功能。此外。音乐还能诱发人们内心潜在的巨大能量，使头脑中许多孤立、分散的信息得到重新组合、集中。更重要的是西方古典音乐本身具有的“和谐”特点，因此，在音乐老师构筑自己内心和谐的同时，也要关注学生内心的和谐，两者结合，从而更好的发挥西方音乐欣赏在教学中的作用，从而推动创造性思维的发展。

■一、引导学生理解西方古典音乐演奏乐器的外在表现力

任何作曲家创作一首音乐作品、创造一种音乐形象都要借助乐器来表达，这是他们独特的表现手段和方法。如果学生不熟悉音乐所借助的媒体，不了解这些乐器的表现手段，那么，即使有很好的音乐作品，也不可能去理解它。西方古典音乐亦是如此，很多作品的传情基本上是借助乐器来完成的，集中在器乐的体裁与形式上。因此，赏析者要对西方古典音乐的乐器十分熟悉，且须有明确的分辨能力。否则，作品演奏时很多乐器交织在一起，听起来就会十分混乱。因此，教师要从西方古典音乐的演奏乐器上引导学生理解其整体结构的外在表现力，为学生的音乐赏析打好基础。

■二、引导学生从西方古典音乐的情感表达出发体味作品的创作意境

意境是我国古典文论的核心概念，涉及到中国诗词创作及戏曲、影视、小说等各种文学样式，反映了中华民族深层审美心理。音乐是以声音来表达内心情感的艺术，人世间的喜怒哀乐都可以找到相应音乐来表达。一切音乐都可以给人听觉官能上的愉悦感。这主要是因为音乐的情感不单是人的本能生理现象，而是一种高级的、社会性的美感。情感体验是感知音乐的基础，音乐是一种善于激发感情的艺术，是人类感情的一种述说方式。可以说音乐赏析的过程就是感情体验的过程，同时也是赏析者自己的感情和音乐表现相互交融、发生共鸣的过程。一部音乐作品，无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐专家来说，感情体验都是在进行这部音乐作品赏析时不可缺少的一种心理要素。如贝多芬的《第二十三钢琴奏鸣曲》(即“热情”)，作品创造的音乐形象与莎士比亚创作中诗意的、悲剧的形象有相同的地方，二者都非常深刻、强烈地表现了一种使人惊叹不已的勇往直前“超人”的力量。

■三、引导学生探寻西方古典音乐创作背景

学生只有对西方古典音乐相关的背景有所了解，才能够真正从音乐中领会作者的创作意图和作者想要表达的情感。 任何音乐都有其特定的创作背景，既包括音乐创作者所处的时代背景，也包括作者的成长背景、思想文化背景等等。尤其是西方古典音乐的创作背境，往往与音乐家自己的成长经历有着很大的联系。还是以贝多芬为例，他属于古典主义音乐的“代言人”，贝多芬的创作风格体现出更加鲜明的阶段性，在意境表达上比较直接和激烈，早期的《月光协鸣曲》和最有名的《命运交响曲》便是典型代表。

■四、引导学生发挥想象力达到对西方古典音乐的个性化解读

音乐本身就是充满想象空间的一门艺术表现形式。不同的听众从不同的认识和情感立足点对同一首音乐会产生差别很大甚至截然相反的感受与体验。比如对于贝多芬的《第五命运交响曲》，有的人从中听出了暗流涌动的时代，是苦难命运的挣扎，是贝多芬对旧恶势力的揭露与控诉；有的人则从中听出了与命运抗争的坚强决心，听出了理想即将实现的喜悦。尤其是对于经典的古典音乐，处于今天这个时代的我们，当重新去回味这些昔日的经典时，或多或少地会带有个人的主观想象。可以说这种想象力的加工恰恰给音乐赏析带来了多样化和活力，体现出艺术表达的丰富寓意。

■结语

西方古典音乐以其独有的魅力，成为西方文化史上一颗璀璨的明星。倘若我们在赏析这些文化瑰宝的时候，能够从上文所述的几个方面深入把握音乐的外在表现美和内在灵魂美，就能够全面、准确地体会到这些经典曲目带给我们的真切体验和来自心底的共鸣。伴随着这种蕴含对历史、对文化和对人生进行哲思意味的深入赏析，音乐老师构筑本身内在和谐以及教学中的作用就会更加突出，我们的生活也必将增添无比的乐趣和美妙的律动。

参考文献：

1.张可：《论18世纪的哲学思想对古典主义时期音乐风格的影响》.《哲学史学研究》。2009(2)．

经典音乐赏析论文篇（4）

在进入到高中以后，学生对音乐大致已有了的学习，已初步具备了音乐鉴赏的能力，在高中要加以提升和强化，所以选择了比较有难度的古典乐曲来鉴赏，古典乐曲分中西方，接下来笔者就以西方古典音乐为例，谈谈古典音乐的鉴赏策略。

一、清晰音乐历史发展进程，明确教学思路

在开始讲解西方古典音乐时正如笔者上述所说，会大概理清一下古典音乐发展的历史进程，比如笔者根据自己的总结，把西方古典音乐发展归纳为这几个时期：巴洛克音乐―维也纳古典时期―浪漫主义时期―现代，这样一个清晰的发展进程，有利于突出教学重点，教学结构清晰，也有利于提升学生音乐欣赏的理论素养。在学生们明确了这些阶段以后，举个例子，笔者在讲述巴洛克的时候会大概地描述一下什么是巴洛克，什么是艺术中的巴洛克风格，鉴于学生理解的有限性，笔者不会太深入地讲解，只是做一些概念性的描述，在这一系列的铺垫之后，接下来会对于巴洛克音乐风格的代表人物做一个大概的介绍，像典型人物巴赫，对于他的一些作品的特点会做一些详细地讲解，就这样循序渐进，让学生有重点、有意识地去听，有利于加深学生对作品的了解。

二、全方位学习，提升音乐鉴赏水平

任何形式的艺术都不会是孤立存在的，音乐作为一种艺术形式，本就如此，文化是一定时期经济政治的反映，音乐能反映当时的一个社会政治面貌，也能看到国家人民生活的一个状态。音乐是不可以独立存在的，也不可能独立存在，它与其他学科都有一定的关联，在各学科的不断促进下持续向前发展。因此，在教学中，教师在引导学生欣赏这些音乐的时候，要注意联系一下音乐发生的有关背景，便于学生更好地理解作品创作的情感，比如贝多芬的《英雄交响曲》，可以给学生介绍一下贝多芬在创造这首曲子的时候当时的一个大的社会背景，贝多芬本人当时的状况、创造动机是什么，也可以引领学生想象一下拿破仑当时驰骋沙场时的壮观景象。

经典音乐赏析论文篇（5）

形式：问卷调查封闭式，半封闭和开放式问卷相结合

现状：传统的音乐教学内容已经很不受学生欢迎,流行音乐以其贴近生活,通俗易懂,引领时代潮流而占据了学生音乐生活空间.

目的：为了能够更好的使大学音乐欣赏课程和学生的心理发展结合起来，并且可以根据学生的要求来调整课程的设置，使得音乐欣赏课真的能够学有所用。

研究背景：现在随着大众传播媒体以及互联网的不断发展，使得人们对于音乐的欣赏与消费比以往的任何时代都更加迅速、有效和广泛。在最近的几年里，大大小小的演唱会也越来越多的出现在电视屏幕上。音乐排行榜、演唱会、歌友会等等音乐有关的名词对于大多学生来说并不陌生，而孙燕姿、周杰伦、等歌手以及音乐团体更是耳熟能详，对于古典音乐喜爱的人就越来越少了，但是在我们的大学的音乐欣赏课中对古典音乐和民族音乐的欣赏还是占有大部分，所以很多学生慢慢的已经不喜欢上音乐欣赏课了，为了了解学生们的喜好，并且更加准确的定位上课的内容，所以我决定做这个问卷调查应有目的地将流行音乐引入课堂,使学校音乐教育与社会音乐环境结合起来,形成合理、有效的提高学生素质的教学模式.

音乐教育在大学课堂中的重要性：音乐教学在艺术教育中有很重要的地位,它对促进学生的全面发展,塑造完美人格具有独特的、不可替代的作用. 在高校人文素质课程教学中,音乐欣赏课是最受大学生喜爱的课程之一.在欣赏内容的选择上,大多数学生选择流行歌曲,而选择交响乐、艺术歌曲和民族音乐等欣赏内容的学生则较少.

三、调查时间，地点，对象：

1调查教师情况：谢惠迎，女 大学本科毕业，教学内容：音乐欣赏，文艺指导

2时间：2007年 9月

3地点：北京兴华大学（借助朋友的学校做的此项调查）

4对象：学生100名，平均年龄21岁

四、调查方法：

为了使我们的调查更具代表性，调查数据更具说服力，我们以不记名填写调查问卷的形式进行校园问卷调查，派发问卷100份，收回问卷100份，有效问卷100份，有效问卷中男学生54名，女学生46名。

五、调查问卷：

1．你喜欢音乐吗？（a 100%）

a喜欢b 不喜欢

2．你喜欢什么类型的音乐？(a 80%)

a流行b 怀旧c古典d戏剧

3．你认为大学中应该开音乐欣赏课程吗？

(a 92%)a是b否

4．音乐对你的影响大吗？(b 76%)

a大b一般c没感觉

5．你会选择在什么时候听音乐？(e 64%)

a心情好的时候b心情不好的时候

c 睡觉前d吃饭时e 都有

6．音乐能变你的心情吗?(a 87%)

a能b不能

7．如果音乐欣赏课程完全是古典是否能接受(b 100%)a会b不会

8．如果音乐欣赏课程完全是流行歌曲是否能接受？(a100%)

a能b不能

9．你是否会选择到ktv唱歌释放心情？

(b 73%)a会b不会

10．如果让学生选择在论文联盟音乐欣赏课上

（b 90%）a古典 b流行

六．实验过程：把问卷发给100名大学生，这100名大学生中有学音乐的，也有学其他学科的，但是都上音乐欣赏课程。让他们在特定的时间内做出这些问题，并且放一些古典音乐和流行音乐分别让他们欣赏，并同时写下听后的体会。其中百分之六十三的学生都不喜欢古典音乐并且听不懂。还有百分之七的同学说还可以，能接受。剩下就是能听懂的。但是对于流行音乐就出现了相反的状况。喜欢流行音乐的同学占了百分之九十。

七．调查分析：调查发现绝大部分学生对通俗歌曲和现代流行音乐有偏爱。

八．调查结果：

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在调查结束后让每个同学写了一个个人体会其中：

甲：这是我第一次这么认真的去听古典音乐，以前上课的时候老师放也没好好听过，通过今天的问卷和试听，我还渐渐的喜欢上古典音乐了。

乙：我喜欢流行音乐，既能听懂娱乐性很强。

丙：流行音乐和古典音乐都可以

经典音乐赏析论文篇（6）

中级阶段：随着学生心智能力的提高和情感需要的发展，这一阶段要逐步加大音乐欣赏内容的比重。因此，教师应引导学生对常见的经典作品进行欣赏，并根据自己的审美情趣建立经典音乐曲目库，使学生逐步积累具有社会公认审美价值的音乐体验。

高级阶段：学生在之前的音乐实践中已经养成了良好的欣赏习惯，掌握了基本的情感體验，建立了经典音乐曲目库。在教师的引导下，学生应能对经典的音乐作品进行艺术欣赏和文化分析，使之成为个人的音乐经验。

下面，笔者根据多年的教学经验，探究当前音乐教学中存在的问题，并寻找相关的解决策略。

一、音乐教学中存在的问题

1.缺乏对音乐欣赏重要性的认识

人学习音乐是为了什么？是为了使人的精神生活更美好。学校的音乐教育面对的是学生，所以音乐欣赏是以情感论作为教育心理学和音乐美学的基础，使学生掌握基本的音乐情感体验，并通过音乐活动积极地唤起学生表达情感。音乐欣赏是音乐教学中的重要内容之一，是提升学生音乐鉴赏能力的主要途径，但在实际教学中，有些教师直接将其省略，仅仅把音乐教学作为唱歌课，这样的音乐教学是不完整的。

2.违背音乐的审美规律

音乐艺术不能用确切的语言来表述，但部分教师总是习惯于把自己的只言片语强加给学生，学生只能按照教师的思路去欣赏和理解音乐。这样一来，学生对于音乐的理解仅仅是教师主观理解的重复，约束了学生感受力和想象力的发展，偏离了音乐教学的本质。

3.缺乏对本位音乐的关注

尽管新体系在不断推动，但很多音乐欣赏教学仍然停留在传统的讲与听上，师生之间没有交流，学生感受不到其中的意境，没有兴趣，导致学生对音乐的热情下降，使音乐欣赏课流于形式。

二、解决音乐问题的策略

在实施音乐教学新体系的过程中，有些教师只抓住音乐欣赏课的外壳，失去了音乐教学的本质。因此，教师应反思自己的教学行为，把握音乐欣赏的本质，使音乐欣赏课彰显出深刻、厚实的内涵。

1.铺陈背景，贴近作品灵魂

其实，很多音乐作品背后都有一个故事，可以加深学生对作品的理解，引发学生情感共鸣。例如，教学乐曲《土拨鼠》时，教师以情景再现的形式向学生讲述《土拨鼠》的时代背景，分析乐曲的意境，让学生感受乐曲中主人公和土拨鼠虽然相依为命、到处流浪乞讨的生活，但他们依然对生活充满希望，保持乐观向上的心态。

2.紧扣旋律，明确作品主题

紧扣作品主题进行赏析，让学生在作品主旋律的指导下进行赏析，能够加深学生对音乐作品的理解和记忆。众所周知，音乐是时间的艺术，它可以随着时间的推移转瞬即逝，如果学生对一些主题与重要旋律没有足够的印象，那么对之后出现的旋律就不能很好地领会。例如，欣赏《八只小鹅》时，这是一首非常经典的节奏练习曲，教师把主题旋律画在黑板上，让学生感受、熟记，并请他们注意分析作品主题所表现的风格、特点。接着，教师让学生试着哼唱旋律，然后听人家是怎么唱的。听完之后，教师请学生说一说自己的感受，使学生在一次次的欣赏中明白乐曲所要表达的主题。

3.巧借媒体，凸显教学目标

经典音乐赏析论文篇（7）

一、通识教育理念

哈佛大学将通识教育的具体概念定义为：通识教育是指对所有学生普遍进行的共同文化教育，包括基础性的语言、文化、历史、科学知识的传授，公民意识的陶冶，个性熏陶以及不直接服务于专业教育的人人皆需的一些实际能力的培养，目的在于提高全体人的教育水平，促进人的全面发展。通识教育的目标是培养“完整的人”，即有效地思考，清晰地交流，明智地判断和正确辨别普遍价值的人。台湾学者黄俊杰先生在《全球化时代的大学通识教育》一书中认为，提升大学生本土文化素养、重建大学教育主体性的一个重要途径，就是深化大学通识教育。他在书中探讨了深化大学通识教育的理念、策略与方法，剖析了大学通识教育所面临的非制度性危机，并论及了大学通识教育与社区大学建设、大学校长遴选的关系等，为大学通识教育的发展指明了方向。

二、我院通识音乐教育的概况

我院在推行通识音乐教育的过程中，选取《古典音乐入门》作为通识选修课程开设，这是一门关于古典音乐的基础性课程，教学内容涵盖了西方与中国的古典音乐知识与欣赏。通过课程中的教学活动，我们旨在让学生了解古典音乐的基础性知识，扩大学生的音乐视野，提高学生的音乐感知能力、想象能力、理解能力和艺术鉴赏能力，掌握一定的音乐美学知识，提高和培养高尚的审美情操，理解、欣赏和感悟古典音乐的主要内容。其中，西方古典音乐包括中世纪音乐、文艺复兴时期音乐、巴罗克时期音乐、古典主义时期音乐、浪漫主义时期音乐、二十世纪音乐；中国古典音乐包括古典歌舞音乐、古典戏曲音乐及古典器乐音乐等方面的内容。通过学习古典音乐的历史流变、音乐家以及不同时期的代表性作品，开阔了学生的眼界，使他们理解当今世界上客观存在的多元音乐文化现象，把握世界不同地区、不同种族音乐的多样性。在学期末考查方式上，学院要求以提交论文的形式来完成。论文涉及的内容除课堂教学的相关章节外，要求学生欣赏相关古典音乐大师的不同作品并进行理解分析。学生们对古典音乐作品和创作者进行多层面分析，了解古典音乐作品的内涵，结合课堂教学的相关内容进行深入理解，把掌握的音乐美学知识，运用于欣赏音乐作品的实践活动中，从而达到提高和培养高尚的审美情趣的目的。

三、我院通识音乐教育的实践与探索

1、学习借鉴国外通识音乐教育的经验

国外通识音乐教育的发展经历了长久的发展历程,音乐教育思想已形成较为完整的教育体系,在音乐教育的各个方面也积累了较丰富的实践经验。在国外，综合性大学的音乐教育的目的不是为了培养音乐家,而是为培养和提高大学生的素质，最重要的是培养创造力。以麻省理工学院为例,学院为学生开设包括音乐、舞蹈、戏剧在内的多门课程,音乐课程是主要艺术课程。从所开设的课程来看,既有专业性较强的,也有音乐与其它专业学科交叉的,甚至包含多元文化课程。我院在践行通识教育理念的过程中，勇于开拓、大胆创新，力求在保证教育质量的前提下，学习先进教育理念，不断优化课程设置，先后开设音乐类课程包括古典音乐与音乐剧等，在教育实践中，努力学习国内外先进教育理念，提高教师教学能力。

2、教学对象的特征分析

从整体上来看，我院通识选修课程面对的学生主体为全院学生，这也就是说，教学对象为非音乐专业类学生，学生的学科背景不同，在课堂中会出现会计专业、市场营销专业、动画设计等等不同专业的学生，由此可见，教学对象对音乐的熟悉程度参差不齐。从目前教学实践过程来看，我院学生基本音乐素养普遍欠缺,很多学生不认识乐谱，不能演奏至少一种乐器，不能根据乐曲打出拍子，虽然有些可以说出国歌的曲作者及词作者,也能说出如贝多芬、莫扎特这样的西方音乐家的名字,但能说出经典作品的很少,对戏曲有了解的则更少。例如，在教学中，当教师讲授音乐经典片段如德国作曲家贝多芬的《c小调第五交响曲》（即《命运交响曲》）时，我们可以看到第一乐章开始的四个音“3331”，这个部分被我们喻为“命运的敲门声”，从而被引用为此交响曲的标题。命运的主题贯穿全曲，让聆听者感受到一种命运的强大震撼，然而很多学生对这类音乐的兴趣还只停留在“听”的层面,还远远称不上“欣赏”音乐。另外，通过与学生的交流,我们发现很多学生对古典音乐的重视程度不够，有些学生愿意投入资金去观看流行歌手的演唱会,但愿意去音乐厅欣赏古典音乐的学生，仍然屈指可数。

3、教学过程的特征分析

从音乐通识教育的实施过程来看，学生们往往对理论性较强的知识兴趣偏低，对趣味性较强的知识兴趣偏高，配合程度也较高，互动性增强。如，当教师讲到音乐中各类乐器的产生、发展以及现代结构时，学生的兴趣明显偏低；当教师讲到乐器的特色及有关的演奏家时，学生的兴趣则较高。此外，在熟悉的知识领域，学生们兴趣较大，而对不熟悉的音乐领域，兴趣便会减弱。如教师在讲授贝多芬和莫扎特时，学生的兴趣就远高于舒伯特和圣-桑等其他作曲家；教师讲授贝多芬的《c小调第五交响曲》（《命运》）时，学生的兴趣又明显高于《bE大调第三交响曲》。

四、对我院通识音乐教育的完善策略

l、精选内容，合理安排课程

在通识音乐教育的教学设计过程中，选取的教育内容上要有合适的广度和深度，才能够达到预期的目的。古典音乐的领域十分宽泛，我们每一人可能穷尽一生也无法学完古典音乐所有领域的知识，学生的欣赏需要老师的引领。在古典音乐欣赏的过程中，学生还可能会遇到各种问题，所以，在教学内容的设计上，应一切从实际出发，根据我院通识课选修课的授课目标和对象来制定。在内容设置上，应进行深入研究和优化。课程的起始阶段应有一些音乐术语及音乐基本理论的教授，以便于学生理解后期涉及到的相关术语，如音符、节奏、和弦、乐句、乐段、乐章的概念等。具体来说，在前期讲授了乐章的概念，在后期讲到贝多芬时，学生理解交响乐的构成就会更加容易。通过音乐教育培养学生的音乐思维，把音乐专业教育和音乐通识教育相互结合渗透，在2学分中让学生获得尽可能大的收获。我认为，在音乐课程设计上，教师应把理论、聆赏、技巧等多个方面结合起来讲授；在课程形式上，则尽可能丰富多样。

2、引导学生探索有效的学习方法

通识课程的质量好坏，最终要落实到学生的学习效果上，而学生的积极与主动性对教学效果的影响又是极为重要的。在通识音乐课程的授课过程中，教师应该引导学生自觉、自主地探索学习方法，也就是在音乐教学中，教授方法而不仅限于教授具体作品。音乐教育是一门“体验”的教育,需要人们在漫长的人生道路上不断思考和感悟，各人由于知识结构和人生阅历不尽相同,体验也会各有不同，所以,音乐教师应让学生掌握一种方法,去自我探索、多方存储、相互借鉴、提升能力。音乐教师要不断地去获取更多的新知识,并把这些知识运用到音乐教学中，音乐教师一定要与时俱进并具有创新精神。具体来说，针对古典音乐课程，教师可以引导学生欣赏经典音乐或者观看音乐家传记等，根据课程内容及要求带领学生到音乐会现场进行实地考察、参观及欣赏，在此过程中对学生讲解相关知识，增强学生的感受力。此外，教师要鼓励学生多欣赏音乐会，去感受音乐会的排练过程，从一场音乐会的形成，感悟音乐内涵，达到提升审美的作用。教师要鼓励学生们在一起讨论优秀的音乐作品，通过多种有效形式，激发学生的热情，为自己逐步提高的音乐素养而感到欣喜。

经典音乐赏析论文篇（8）

【论文摘 要】音乐可以起到熏陶个人性情、培养个人高尚情操以及形成个人高雅审美趣味的作用，所以音乐教学在整个教育环节中是必不可少的。音乐教学的最主要形式是音乐欣赏，音乐欣赏课以其直观的感受力、给学生切身体验等优势，成为音乐教学培养学生兴趣、扩大学生视野、提高学生分析、欣赏音乐能力的主要途径，音乐欣赏教学的价值还值得我们进一步探讨与发掘。本文通过分析音乐欣赏教学现状、探索如何在音乐教学过程中提高学生的音乐鉴赏能力，为音乐教学的建设与发展提供了借鉴意义。

一、音乐欣赏在高等音乐教学中的重要性

1、音乐欣赏课可以培养学生对音乐的浓厚兴趣，改变他们学的驱动力。只有当学生能从学习中获得快乐与成就感，他们才会对学习产生浓厚兴趣，愿意深入学习。音乐欣赏课可以让同学们在感知音乐的过程中，体会音乐的美妙及其带给人的感官享受，这样学生会带着兴趣主动学习，能获得更好的学习效果。

2、音乐具有陶冶学生情操、升华学生道德的作用，音乐带给同学的情感共鸣，可以让学生浑然忘我，与音乐蓦然契合，给同学们带来情感的震撼与交响。乐曲中的感情，全部转化为听众的体验，使听众完全随音乐的流动而沉醉，得到高度的审美享受。它带给人们的绝对不在一个狭小的范畴之内，它会使人们在广阔的天地里飞腾、翱翔，从而情感上得到陶冶，理智上得到升华。

3、音乐欣赏课程可以培养并进一步提高学生的音乐鉴赏能力。音乐欣赏者的生活背景、文化背景及阅历的差异，会带来他们在音乐欣赏上的差异，这些因素也会导致他们的鉴赏能力参差不齐。具有音乐鉴赏能力的人，应该能听优雅的古典音乐，也能接受现代音乐、流行音乐，甚至能够记忆经典乐章的乐谱。最终达到能分析音乐基本要素与音乐作品独创性、表现力之间的关系。通过音乐欣赏，可使学生在不断的聆听、感受、总结中提高自己的音乐鉴赏能力。

二、音乐欣赏教学的现状分析

1、音乐欣赏课在各高等院校还未得到足够的重视。音乐欣赏课程作为提高学生审美能力、陶冶学生情操的一大重要途径，理应受到高等师范院校的重视，但是开设音乐欣赏课的高校极少。而且大部分的音乐欣赏课的教学都只是流于形式，教学设施落后，资金投入不足，造成音乐欣赏课教学质量普遍不高。部分音乐教师的教学也仅仅局限于看懂五线谱，学唱几首歌曲，欣赏一些音乐作品。

2、音乐欣赏课内容古板、陈旧，难以吸引学生的兴趣。很多高校的音乐教材选取缺乏特色，课程主要是对中外的古典音乐作品加以欣赏，授课方式模式化，课堂气氛沉闷，教学难以达到预期目标，大多数学生的音乐欣赏能力并没有实质性的提高，老师将欣赏的作品先做简单介绍，然后放音乐，学生听，学生始终处于被动状态，不能从音乐中获得深刻的情感体验，更谈不上从音乐中获得启迪和思想的升华。

3、教学理念与教学时间的矛盾。贯穿音乐教学的核心理念应该是对音乐的审美化欣赏，在音乐教学的过程中使学生的情操得到潜移默化的提高，形成健全的人格。在未实施音乐课程改革方案之前，音乐教师和音乐教育机构也十分重视音乐教学的建设与发展，人民音乐出版社和人民教育出版社发行了不同版本、不停内容的音乐教材，更有甚者，将音乐教材分为“沿海版”和“乡土版”，目的是想寻求一种更完善的途径，达到育人的效果。在教学上，除借鉴世界各国优秀的教法外，侧重于“愉快教学”和“寓教于乐”的理念。以上状况无论优劣，究其一点，始终未将“审美”放在第一位;此外，音乐课本里有连贯的知识系统，但基于以上的教育理念，学生通过几年的音乐课程学习，仍难以真正掌握某一知识性内容。

三、如何在音乐教学中培养学生的音乐欣赏能力

1、为音乐欣赏课程的发展营造良好的环境氛围。当下的音乐教学改革所推出的音乐课程新标准给老师们提出了新的要求，老师们要以兴趣为动力，以音乐审美为核心，激发全体同学对音乐的喜爱之情，让同学们积极主动的参与到音乐欣赏活动中。这需要营造良好的音乐欣赏氛围，使同学们潜移默化的提高音乐鉴赏水平。这就要求音乐欣赏的环境:一要物质环境美。一个优雅、整齐、美观的环境会给师生带来一种健康向上的心理影响。心理学认为，良好环境的营造，使人们的言行在心理上起着很重要的演化引导作用，学生进入的是接受音乐熏陶的音乐课堂，环境整洁安静，才会带着好的心境去接受教育。二要心理氛围轻松、和谐。教师的行为、语言、气质要具有良好的示范作用。教师的教态应该做到“音美以感耳”“形美以感目”。首先教师应热爱音乐教育事业，热爱学生，才能让学生感到亲切。其次，教师要全身心的投入课堂，以自己良好的音乐素养、扎实的音乐功底来带动学生积极参与到音乐鉴赏能力的培养中，让学生自觉提高音乐审美意识。 转贴于

2、为学生提供适合的欣赏内容。随着时代的发展，音乐作品也不断地创新、更新换代，学生更容易接受时代气息浓厚的音乐作品。因此，音乐教学要充分考虑到学生的年龄、知识背景、兴趣爱好等因素，选择那些既优美，能陶冶学生情操，又平实易懂，容易被学生接受的音乐作品。在音乐欣赏美的过程中，让学生在自己喜爱的音乐作品将自己的内心体验投射到听觉活动中，自由地表现自我。在表现和创造中提高自我认识和评价能力。

3、采用灵活的授课方式，博引各国各时代的经典音乐作品。学生已形成一定的知识结构，拥有了自己的人生观世界观，所以音乐教材要灵活多变，因材施教，体现学生在教学过程中的主观能动性。教师在进行音乐教学时，应该注意积极在音乐欣赏的内容和境界上作出更深的探索，既能上升到音乐文化的高度上来引导学生对音乐作品进行欣赏，又能够在教学过程中与人文色彩充分融合，使学生在进行音乐欣赏时能够与相关的历史、文学等方面知识相联系，从而促进学生主动参与进对音乐作品的感受和体验中去，激发学生进行欣赏的兴趣。在授课过程中，老师不能局限于教材所提供的篇目，老师要旁征博引，让学生广泛接触各国、各时代的经典音乐作品。拓宽学生欣赏视野。

经典音乐赏析论文篇（9）

中图分类号: J605

文献标识码:A

(一)

交响乐,既是一个家喻户晓的音乐名词,又是一个容易被误读的文化概念。它曾在西方文明的土壤中孕育和成长,现已成为世界共享的音乐文化系统。今天,它所表达的含义是如此的多元化,让我们无从对它做出单纯清晰的界定。对爱乐者来说,交响乐往往意味着高级音响中播放的CD唱片;对作曲家而言,交响乐可能是探索创作技法的又一次尝试;一方面,它可以代表某一区域音乐创作、音乐教育的专业化程度:或成为衡量音乐创作水准的杠杆,或成为音乐教育结构的量化标准;另一方面,它又与二十世纪以来涌现的诸多新音乐潮流相对峙,成为“学院派”、“音乐标本”的文化象征。

中国的交响乐发展,已走过百余年的坎坷和磨练。从二十世纪九十年代开始,振兴和普及交响乐,再一次成为中国的重要文化国策。但是,在振兴和普及的前景中,交响乐所面临的现实却尤为严峻,它涉及到音乐创作、音乐教育、音乐传播等方方面面,无论是创作风格和技法之间的失衡,音乐教育理念和结构的滞后,还是市场规模的萎缩,都是不能回避的现实。

在音乐教育领域,交响乐赏析是目前国内高等院校音乐基础课程的重要内容,是振兴和普及交响乐的关键环节。尽管专业院校和普通院校存在不同层次的教学对象,学制和教学大纲也有很大差异,但在教学观念及相应的教学形式上却有着许多相同的问题。其中,赏析分离是尤为突出的问题之一。

在具体的教学过程中,交响乐是怎样“存在”于教学环境中的?

据笔者目前掌握的情况①,交响乐赏析的教学内容一般侧重对18―19世纪西方艺术音乐作品的介绍,教学形式分理论宣讲和作品欣赏两部分。理论宣讲一般包括作品的文化背景概述、作曲家介绍、作品结构和风格分析等方面,作品欣赏以磁带、CD的聆听方式为主,在教学过程中,由于音乐语言的抽象性特征,理论分析是隐形、静态的;作品欣赏是显要、动态的,交响乐的整体信息倾向于单一的音响――听觉因素。在这里,似乎缺少某种机缘,某种动力,让赏析之间相互碰撞、整合,犹如一栋主人消失的空房子,徒有其表,缺乏生命力。由于赏析之间的疏离和失调,使学生始终无法真正接近交响乐内含的完整信息,感受到的只是音乐静态的理论信息和动态的音响信息之间巨大的隔膜,教学效果往往流于表面,从而造成学生对交响乐理解上的种种误区。

如何解决交响乐赏析中的赏析分离,找到两者之间的契合点,让理论分析和作品欣赏最大程度地还原交响乐的整体意义,找到其合理的存在方式,是笔者关注的问题。本文无意得出某种确定性结论,只想通过对交响乐发展历程的重新审视,对其所蕴含的整体意义――即存在方式做初步的分析和思考,以求对交响乐赏析的教学方法,提供一种新的观察视角。

(二)

交响乐,并不是单纯的音乐术语,它代表着一个立体化的三维动力系统:即文化动力――音乐动力――仪式动力的综合体。文化动力源于交响乐发展的外部文明环境,包括社会历史和文化环境,作曲家和音乐受众的文化心态和审美趣味,特定的音乐传播模式等,呈现多元化的历史“视觉”因素;音乐动力则来自音乐本体所蕴含的内部发展规律,包括交响乐在音乐创作思维、技法、风格、表演等诸多音乐形态方面的基本特征,形成与“视觉”因素相适应的“音响――听觉”因素,最终,两者共存于视听结合的仪式动力中。

交响乐的文化动力来自西方文明。早在光荣而伟大的古希腊罗马时期,其博大精深的哲学思想就为交响乐的文化精神埋下了思辨理性的胚芽。伴随着漫长的文明发展历史,西方文化在浓厚的宗教温床中经历了信仰――反思――批判的三大历史时期,即中世纪的经院哲学――文艺复兴的人文主义――启蒙时期的近代哲学和科学革命时期。交响乐的文化动力正是在这三大历史时期中生成、发展,走向成熟,构成了鲜明的文化品格。其中,有源于经院哲学的思辨精神,有来自文艺复兴的人文色彩,有充满启蒙理想的理性特征。超越、个性、科学,是交响乐文化精神的三大法宝,也是推动交响乐不断发展的文化动力。

从交响乐的音乐形态上看,广义的理解,交响乐泛指以戏剧性为主要音乐形象的乐队作品。在这个意义上,音乐体裁的范围非常宽泛,包括器乐体裁中的古典奏鸣-交响套曲、交响诗、交响组曲、序曲等;声乐体裁中的清唱剧、康塔塔、大合唱、器乐思维的歌剧,如瓦格纳(R.Wagner, 1813-1883)的乐剧等。

狭义的理解,交响乐特指形成于十八世纪中期的古典奏鸣-交响套曲体裁。以表演形式的不同,又分为交响曲、协奏曲等体裁名称。体裁形成的历史线索可以追溯到中世纪以奥尔加农为起点的早期复调音乐形式,文艺复兴时期主调音乐思维的形成和威尼斯乐派早期器乐曲的创作;在巴罗克时期,大量器乐体裁的不断涌现和迅速发展,为古典奏鸣-交响套曲的形成作好了充分的形式储备。十八世纪中叶,是西方音乐史上的“早期古典风格”时期,法国、德国键盘音乐中的“华丽风格”、“动感风格”,曼海姆乐派的乐队创作和实践,先后影响了体裁的形成。最终,奥地利作曲家海顿(F. J.Haydn,1732-1809)为之奠定了基本的创作规范,通过莫扎特(W.A.Mozart, 1756 -1791)的进一步丰富、完善,贝多芬(L. V.Beethevon, 1770-1827)在十九世纪初完成了里程碑式的创作历程。这是交响乐最具代表性的体裁形式,也是目前国内交响乐赏析的相关课程中,被选择的主要音乐文献。

交响乐的仪式动力,是其文化动力和音乐动力的特定表现形式,是两者内涵的动态载体,是音乐特定的存在方式,也是观察交响乐生命动力结构的窗口。在这里,音乐和文明之中的诸多因素构成相互制约的公共环境,形成内含音乐整体信息的视听现场――它由潜在的社会文化心态和特定的音乐传播方式组成,包括音乐创作(符号形式)、音乐表演(音响形式)、音乐欣赏(视听形式)三大环节,其中,音乐的表演和欣赏成为音乐与人产生情感共鸣的唯一媒介。在这个意义上,交响乐的完整结构应该是视听结合的――离开特定的“音乐仪式”,单一的音响组织结构不可能捕捉到音乐的整体信息,音乐也部分失去了与人产生情感共鸣的可能性。

观察不同的“音乐仪式”,是把握音乐历史发展动力的重要途径。在人类文明历史的不同发展时期,音乐的精神和形式构成发生了无数次巨大的变化。但其中恒定不变的构成要素之一,就是其仪式功能,笔者称为“仪式动力”的重要特征。从远古时代的宗教祭神活动,到近现代的各种涉及政治、经济、文化的公共环境里,音乐与人的内在生命欲求总是通过特 定的仪式被紧紧地联系在一起。

交响乐(本文限定为狭义的理解)的“音乐仪式”是西方文明在特定历史环境中文化风尚的的缩影。十八―十九世纪的欧洲,正经历巨大的社会变革。政治上,表现为封建体制向资本主义体制的转型,经济上,逐渐由乡村向城市,农业模式向商业模式过渡,社会结构中,教会―贵族―市民三大阶层内部的能量比急剧失衡,在此基础上,以中世纪经院哲学为代表的西方文化体系面临颠覆的前夜。经院哲学的思想武器―思辨理性成为思想革命的批判对象,以此为起点,西方文化进入近代哲学和科学革命的启蒙时期。工具理性,成为启蒙运动的核心理想。其宇宙观怀抱“人是可以得到完善的”美好希望,认为人是世界的最高理想,因此自然界中的其他一切不过是用来实现这个理想的工具而已。相对十四―十六世纪文艺复兴时期的人文主义理想,启蒙时期的工具理性显得自负而傲慢,当它拆毁经院哲学信仰神坛的同时,反而又在神坛里竖起了另一尊“上帝”的塑像――作为衡量万物的标准的人。自负的工具理性让西方文化经受了腥风血雨的思想洗礼,交响乐的“音乐仪式”正是这场洗礼的艺术表现形式之一。

在贝多芬的交响乐文献中,音乐创作的主题核心始终是“通过斗争,走向胜利”、“通过黑暗,走向光明”的英雄形象;在创作技法上,不断扩展作品规模,包括主题素材的数量,素材内部和素材之间的对比层次,调性布局的复杂化,乐队配器语言的不断丰富等等;从第三交响曲开始,作曲家也经历了不断挑战自我的创作过程,在第九交响曲中,贝多芬的英雄形象透过炉火纯青的音乐结构达到顶峰,完成了用音乐符号体现启蒙理想的使命。

在十九世纪初的欧洲,音乐传播的主要方式已经从教堂、贵族客厅逐步转移到更为公开的公众音乐会形式,贝多芬是西方音乐史上第一批公开举行公众音乐会的作曲家之一。分析贝多芬交响乐文献的主要接受群体,贵族阶层所占比重是第一位的。在作曲家人生的各个阶段,尤其是重要的音乐创作时期,贵族阶层无论从生活方式,审美趣味,还是创作风格等各方面,都对贝多芬产生了很大的影响。这一阶层既代表欧洲传统社会的旧秩序,又对启蒙理想充满了热烈的幻想,这种充满戏剧性的社会角色,影响了贝多芬音乐风格的形成,也深刻体现了西方文明社会内部结构的转型,贝多芬的交响乐用音乐语言印证了这一转型的过程。在十九世纪初的维也纳,倾听贝多芬交响乐的人们,在贵族沙龙、爱乐协会济济一堂,通过其波澜壮阔的音乐语汇,感受人类改变世界、征服世界的信心和勇气,在这里,音乐的规模、主题的发展、现场中音乐家和受众的呼吸汇成立体的音乐世界,这一刻,音乐充满了力量!

(三)

理解“音乐仪式”在交响乐赏析中的重要性,平衡文化动力―――音乐动力―――仪式动力的视听关系,是把握交响乐整体意义的关键。其中,音乐所独有的音响组织结构是显在的听觉因素,而音乐所暗含的文化心理结构是潜在的视觉因素,这是一种心理视觉,是对已成为过去的音乐现场的回忆。

经典音乐赏析论文篇（10）

重视本民族音乐文化传承已成为世纪开端我国音乐教育发展的重要趋势。我国的民族音乐集中着中华民族的伟大精神，凝聚着民族艺术的精华，体现了中华民族的意志、力量和追求。我们音乐教育工作者应认识到这一点，精心设计我们的教学，引导学生欣赏我国优秀的民族音乐，利用艺术帮他们知善恶，识美丑，加强修养、陶冶情操，培养高尚的道德品质，树立自信自强的民族精神。那么如何让民族之花在音乐课堂上绽放呢，我在以下三方面进行了尝试。

一、以流行元素作引子，进行比较式教学，培养学生的学习兴趣，提高学生音乐鉴赏能力

现在的孩子被流行文化所包围,这是不能回避的事实。所以老师的思考要跟上时代的步伐，要因势利导，借助流行元素吸引学生注意，激发学生兴趣。在课前可以围绕所要讲解的民歌发动学生搜集当下的流行歌曲，之后教师和学生一起学唱、聆听、分析评论歌曲的风格类型、乐曲旋律特点、歌词、配器、演唱技巧等。对于好的音乐我们还要给予肯定，这样便拉近了学生与教师之间的关系，并加大了学生对音乐课学习的兴趣。同时，了解流行音乐是具有鲜明的时代特征，无严格的技术规范，强调倾诉、渲泄，力求演唱的大众化、生活化。在此基础上再给学生讲述民族音乐是讲一个民族的民族特性在音乐中的体现，直接生动地反映人民的生活习俗，语言，思想感情。我国幅员辽阔，不同民族、地域、都有着不同的蕴味，它不如流行歌曲表现的直白，需要认真品味，领悟。如在授课过程中可将广为流传的一首流行歌曲《两只蝴蝶》与民歌《敖包相会》这两首歌曲作个简单的比较，通过聆听，可以让学生感受到《两只蝴蝶》是一首极具流行特质的流行歌曲，旋律通俗，容易上口，倾诉性极强，风格迥异，但没有地方色彩，而《敖包相会》则有明显的浓郁的地方气息的传统民歌，旋律优美开阔，随歌词变化曲调也有所改变，形成分节歌形式，抒发内心情感。分析后，再和学生一起讨论流行歌曲为什么广为流传，结论是流行歌曲是有朝气的年轻人做它的听众，再加上唱片公司的大力宣传，它具有一定的商业性和技术性，但究竟能否流芳百世，也要靠时间和诸多因素的检验。而我们的民族音乐却只是靠口传心授，然而它接受了时代的考验，流芳百世，是因为它凝聚着民族的精神、意志，有着较深的内涵。流行音乐无论多现代，它依然受民族文化的影响，目前有很多的流行音乐在创作中与民族音乐结合，并得到很好的效果，如歌曲《又唱浏阳河》等，听来别有韵味，很受欢迎。通过这种比较式教学，引导了学生在潜移默化中接受民族音乐教育。

二、扩充课堂容量，进行结合式教学，培养学生音乐感受能力，开阔文化视野

在欣赏课中，避免教材中单一的曲目，可将不同地区、不同时代、不同风格的同一主题音乐作品有机结合。如在欣赏《绣荷包》这一作品时，可将各地区的作品让学生们集中欣赏，让同学们感受到陕北的《绣荷包》美丽动人，色彩柔和，略带伤感；云南的《绣荷包》旋律流畅，语言简洁，节奏强烈；黑龙江的《绣荷包》表现的浓浓北国音调，哀怨朴实的情感，四川的《绣荷包》则表现出浓郁的川辣味等，这样同学们在同一音乐主题下感受到不同地区的风格。还可以将同一音乐形象不同时代、不同风格、不同表现形式的音乐作品有机结合，如欣赏河北民歌《茉莉花》可以与现代流行歌曲《茉莉花》及萨克斯曲《茉莉花》集中欣赏使学生感到同是赞美喜爱茉莉花，却有这么多不同的色彩和表现手法。还有很多传统民歌都可以与现代新民歌、新民族音乐有机结合，灵活多变，增强音乐感受能力，使学生对我国民族音乐文化有较深的认识，开阔文化视野。

同时在欣赏民族器乐曲时，也可以采用现代的多媒体与视听相结合的方式。多媒体视听技术对教育产生的巨大影响已经渗透到音乐教学的各个领域，特别是在民族音乐教学中，我们不能停留在有限的几本磁带里。在现代化教学改革中，我们合理利用多媒体教学会得到事半功倍的效果。如在欣赏《二泉映月》这首二胡曲时，结合运用多媒体的直观手段，使学生在出声入画的音乐情境中，更完整地理解作品，增强学生对音乐的感受能力。

三、欣赏民族经典，进行激发式教学，培养学生高雅的情趣，增强民族自豪感

对一个民族来说，音乐是民族文化的灵魂，是民族的血脉。一个民族音乐内涵的情感与精神，往往是它的灵魂和思想。智慧的发源地。通过欣赏民族经典音乐，让学生感受树根立魂的民族精神是进行激发式教学的初衷。

开设民族经典音乐欣赏课，赏析《赛马》、《梁祝》等经典。二胡独奏曲《赛马》曾被20岁的中国钢琴演奏家朗朗及身为专业二胡演奏家的父亲朗国任搬上了卡内基音乐厅。朗朗以其超凡的个人魅力与对音乐的痴迷和热情赢得了全世界乐评人和爱好者的青睐，他不忘自己是中国人，穿上了红色中式上装与父亲演奏钢琴、二胡二重奏《赛马》，父子俩你来我往，大有骏马飞腾、鬃毛耸立之势。朗朗自信的眼神飞扬的头发，兴奋的表情，无不显示出对中国民族音乐的骄傲。当学生们欣赏完这一片段后，他们非常兴奋……课后许多学生对我说，没想到民族音乐这么棒！