此次活动的主要内容有国际名家作品邀请展、中外名家现场创作写生、专题学术论坛等文化系列活动。
西湖国际美术家联谊会简介
西湖国际美术家联谊会是建立在“画说西湖”国际绘画艺术论坛几次成功举办的基础上，由原中国外交部副部长、上合组织首任秘书长张德广先生提议和各国与会艺术家共同倡议之下而筹建的。该会是一个高层次的、公益性的国际民间美术创作交流机构。其指导单位是上海合作组织秘书处、中国国际问题研究基金会和中国中亚友好协会等。
一、中俄大学生文化艺术交流基地建设的背景和意义
中俄大学生文化艺术交流是中俄两国文化交流的重要组成部分。伴随着中俄两国的深入友好交往，中俄大学生文化艺术交流的内容日益丰富，形式也日渐增多。从2002年起，每年轮流在对方国家举办，邀请对方国家大学生，与本国大学生一起同台演出、联欢。中俄大学生艺术联欢节被纳入中俄“国家年”教育领域机制化项目。2011年12月，教育部制定《中俄人文合作行动计划》框架，框架中指出要进一步拓宽学生国际视野，提高跨文化理解能力和交往能力。继续扩大学生交流规模，多渠道、多层次开展交流工作，使其长期化、机制化。文化认同与观念互动作为一种重要的战略资源，是推动国际关系良性互动的深层次原因。中俄两国关系友好发展的根本目的是造福于两国人民，中俄两国的友好归根结底是两国人民的友好。作为中俄关系的重要影响因素，文化因素在深层次发挥独特的作用。而中俄大学生文化艺术交流又是中俄两国文化交流的重要组成部分，因此具有重大意义:第一，有利于进一步加深两国青年之间的相互理解，巩固国际友谊，有利于消除两国青年之间的政治分歧和疑虑;第二，有利于两国青年拓宽国际视野，提高跨文化适应能力和交往能力;第三，有利于推动两国青年以文化交流为基础的其他领域的全方位深层次合作与交流;第四，扩大中俄大学生文化艺术交流可以增强我国的文化实力，扩大中华文化的国际影响力。
二、中俄大学生文化艺术交流基地建设构想
1.中俄大学生文化艺术交流基地建设架构:(1)以政府为主导，建立健全中俄大学生文化艺术交流基地建设体制，完善基地建设机制。合理有序的体系是促进事物良性发展的基础，尽管中俄两国民间交往活动很多，但是在两国政府积极支持和倡导下的交流与合作才是有保障的，中俄大学生文化艺术交流也必须在中俄两国政府以及教育文化部门的指导下，才能沿着正确的方向前行。阶段目标、短期规划无法形成一个完整体系，没有完善的体制和机制，临时抱佛脚无法达到交流学习合作的目的。结合地方实际，结合时代需求，建立基地建设总体目标，分化阶段目标，建立一整套促进交流发展的科学体系，完善文化管理体制，建立基地建设保障措施，在理论层面和法治层面给予中俄大学生文化艺术交流基地的建设有力保障和政策支持，使中俄大学生文化艺术交流走向常态化。(2)树立品牌意识，创办特色活动项目。中俄为邻360余年，但中国的儒家思想与俄罗斯的东正教思想既不同源也不同根，因而中俄两国在文化上存在巨大的差异，而中国是个对外来文明兼收并蓄的国家，之所以重视文化艺术交流就是希望吸收其他民族优秀的文化，去粗取精，谋求自身的发展。将我国博大精深的文化传播开来，弘扬中华民族的传统文化，树立民族精神也是我们跻身世界前列、树立大国形象的迫切需求，因此，“品牌”意识就十分重要。从2010年开始，我国文化部联合有关部门在海外举办“欢乐春节”活动，就值得推广学习。中俄大学生文化艺术交流活动可以举办许多有中国和俄罗斯民族特色的活动，将此活动作为一种“品牌”长期保存延续。确立主题，创办特色活动项目，充分挖掘节庆的潜力，有计划、有重点地组织一些大型的群体性户外活动，使民族文化在轻松愉快的氛围中融入并深化。(3)加强省际合作，突破原有合作区域，扩大基地建设规模和领域。黑龙江省作为中俄合作交流的主要阵地，也是中俄大学生文化艺术交流的主要区域，由于历史原因和地缘因素，哈尔滨、黑河、齐齐哈尔、佳木斯等是中俄大学生文化艺术交流的主要城市，除了黑龙江省的黑河学院中俄大学生交流基地、齐齐哈尔大学中俄大学生文化艺术交流基地，中俄大学生文化艺术交流基地基本上都在中国的东北三省，如长春大学中俄大学生交流基地、大连外国语学院中俄大学生文化艺术交流基地。这些基地都是在地缘因素基础上设立的。但是中俄大学生文化艺术交流却不能单单框在与俄罗斯有历史渊源较多的中国东北三省，而是应该走出中国东北地区，将历史名城、文化名城、旅游名城等纳入到中俄大学生文化艺术交流的基地建设中来。我们要“走出去”的文化，不单单只有中国东北地区的地域文化，而是具有民族特色和区域特色的中国文化，因此，除了原有基地以外，我们在举办活动之时应该加强省际合作，打破只在中国东北地区设立交流基地的模式，资源共享，把其他省份的文化展现给俄罗斯青年。同样，对俄交流应该从莫斯科、圣彼得堡等大城市向俄罗斯其他地区延伸，除了原有合作高校所在城市以外，关注其他地域，突破原有合作区域，因此，目前的基地数量远远达不到合作交流的需要，急需扩大基地建设的规模和领域。(4)合理利用资源，丰富交流合作内容，创新交流合作形式。在加强区域合作的同时，中俄大学生文化艺术交流应有效地利用资源，合理地配置资源。原有的交流活动大多以双方互派演出团体唱歌表演为主，内容和形式都比较单一，也都没有充分利用双方特有资源。而演出表演只是交流合作的形式之一，这种形式直接快捷容易操作，但不能作为唯一形式。例如，编写文化艺术教育教材和相关读物，建设网络交流平台等，都可以丰富和发展中俄大学生文化艺术交流与合作的内容，创新中俄大学生文化艺术交流的形式。此外，加强加大媒体对中俄大学生文化艺术交流合作的前后期宣传力度，提升中俄大学生文化艺术交流的影响力也十分重要和必要。(5)高度重视双方高校翻译人才的培养。培养一支有较高素质、德才兼备、精通业务、高效精干的翻译队伍，尤其借助高校教育的平台，大力培养翻译人才，既可以有效地利用资源培养翻译人才，翻译人才也势必将在深度挖掘各地独特优势资源和文化资源、综合文化艺术、语言教学等方面起到至关重要的作用。2.中俄大学生文化艺术交流基地建设面临的问题及保障建设。中俄大学生文化艺术交流基地建设无论从理论基础到实践应用尚存在诸多问题，例如，中俄大学生文化艺术基地建设单靠政府及教育部门和对等的文化交流项目是远远不够的，文化艺术交流与合作没有民间团体的参与和支持，没有商业的参与，没有新闻媒体的宣传，影响力都将是极其有限的。而经费短缺又是中俄大学生文化艺术交流基地建设长期存在的问题。除此以外，中俄两国青年的交流中也伴随着意识形态、信仰差别、国际舆论等其他因素的影响，如何降低影响增加交流与合作的机会，也是我们迫切需要解决的问题。中俄大学生文化艺术交流基地建设的保障体系建立就十分重要，鼓励中俄两国地区间、特别是双方毗邻省州之间教育机构、组织的合作，对有影响的重大项目给予启动资金或配套经费支持。鼓励民间团体、商业企业赞助支持中俄大学生文化艺术交流基地建设，调动新闻媒体报道宣传中俄大学生文化艺术交流基地建设情况，提升中俄大学生文化艺术交流基地建设影响力。
三、中俄大学生文化艺术交流基地建设对中俄两国人才培养的促进作用
1.中俄大学生文化艺术交流基地建设有利于转变教育思想，树立培养创新型人才的教育观。树立培养创新型人才，必须自上而下转变传统观念，把具备创新意识、创新能力作为对人才基本素质的内在要求，随着中俄两国大学生之间开展多种形式的交流与活动，必然会有新思想和新观念的产生，中俄大学生文化艺术交流基地的建设为转变观念、树立培养创新型人才提供精神保障。2.中俄大学生文化艺术交流基地建设有利于丰富中俄两国的教学内容，促进教育资源的优化配置。中俄两国大学生间的交流与活动，必然衍生出许多新的成果，而在交流与合作过程中，利用的资源、交流的方式、合作的模式一定会给中俄两国教育内容的传承与学习、创新与发展提供许多难能可贵的教育资源，在新型教育观念的指引以及新型教育内容的填充下，中俄两国的教育事业也一定会在“兼容并包突破创新”中得到发展。3.中俄大学生文化艺术交流基地建设有利于改变教学方法，推动教育目标的优化实现。中俄大学生艺术文化交流与活动，有利于中俄两国相互学习教育方法，创新教育形式。创新型人才的培养离不开教学方法的突破与完善，在中俄两国的交流活动中学习新方法、新技术，有利于创新型人才的优化培养，有利于实现培养创新型人才服务社会的教育目标。4.中俄大学生文化艺术交流基地建设有利于人才培养指标体系的科学化。丰富多样的中俄大学生文化艺术交流活动，有利于中俄两国反思各自的人才培养指标体系，摒除不适合时展需求的指标，创设适应时展需求的国际化新型人才发展所需要的科学的人才指标体系，有利于中俄两国教育的科学化发展。中俄大学生文化艺术交流基地的建设有利于建立新型人才培养模式，有利于建立科学的人才培养机制，有利于设立合理的人才培养目标，有利于完善人才培养体系。中俄大学生文化艺术交流基地的建设势在必行。
参考文献:
［1］万红，李春艳．中俄文化大集战略发展研究［J］．黑河学院学报，2014(12)．
［2］贯昌福，彭传勇．黑河与俄罗斯文化交流现状、问题与对策［J］．西伯利亚研究，2013(2)．
［3］郭萌．对俄罗斯古典音乐文化艺术教育传统特色的思考———“2009中国哈尔滨中俄音乐文化交流国际研讨会”综述［J］．艺术百家，2010(12)．
2003年，继上海双年展、成都双年展、广州三年展之后，拥有中国美术圈正统、主流话语权的北京国际艺术双年展也采纳了策展人机制，无疑是策展人制度在中国落地、生根、开花的一个缩影。
策展人
策展人的全部工作就是为艺术家的作品提供最优秀的展出条件。这是策展的原则和态度。具体来说，策展工作几乎包罗了展览中的万象。从确立展览主题、立项申报与预算论证、遴选艺术家到选择展览规模与形式、把握展场设计与布展工程、落实展览保持和作品安全，从撰写展览前言与学术主题阐述文本到主持展览的学术研讨，从编辑展览画册、作品导读、文献资料到展览推广、媒体、社会宣传工作，从展览资金的分配到总体负责艺术家材料费的审核与发放，甚至作品的包装、运输、保险、报关、仓储，都由策展人来承担并统筹。在策展人的服务意识中有一条准则，即艺术家是对的。首先要努力把艺术家异想天开的创意实现出来。
当代艺术事关原创，具有较为特殊的操作方式、游戏规则和价值观，有别于其他人文科学的学理逻辑，有别于当代社会其他领域约定俗成的法度和规则，有别于流行的价值观。策展的理论与实践都是为了让社会更多地认同当代艺术的操作方式、游戏规则和价值观。当代艺术的策展，指涉的是当下和未来的文化建构。所以，策展无小事，策展要求策展人适应一种事无巨细、周密细致的工作。大到让展览意义如何影响社会文化的发展进程，小到把一颗钉子如何准确地钉在墙面上，都是策展人所要关心和落实的事。一个展览是否有意义，关键是看它能否打造无愧于这个时代的卓越的精神产品。
在21世纪的中国，随着当代艺术本土化进程的不断深入，也对策展人提出更高的要求，对艺术家鲜活的艺术实践的及时了解、对视觉经验的丰富积累、对艺术动向的敏锐判断、对艺术问题的深入把握、对艺术社会内外各种规则的洞察都是策展人必备的素质。此外，筹集资金、商务谈判、艺术管理和学理思维的能力以及中英文的书面、口头表达与交流能力，也成为对一个当下国际艺术交流大环境中的本土策展人自然而然的要求。一个独立的策展人，就有条件成为一个务实敬业、实践中出真知的知识者。当代艺术的实验性，使策展人难以因循守旧，受限于既有的艺术标准和规则。策展人时时面对突发问题、不得不挑战的是自身极限。当代艺术的创新，就要求策展人不断打破审美定势，跳出路径依赖，摆脱思维惯性。策展人不得不将自己塑造成一个通才，需要将人文科学的各种知识、技能融会贯通，否则难以应对艺术家千差万别的艺术方案及其语境。只有不断超越自己，才有卓越。
中国的当代美术馆
当代美术馆一般是公立或私立的非营利机构，宗旨是推动国际和本地的现、当代艺术。国际上的当代美术馆大多采用“白盒子”模式，场地简单大方、朴实无华，简单要素就是白墙、水泥地、色彩低调的天花板、专业灯光。许多现、当代美术馆还打造一些挑高空间，以应对当代艺术多样化的实验特性。
其实在美术馆整体的运作规范中，这一切并不简单。白墙需要能钉上钉子挂画，需要每次展览以后重新粉刷、维护。水泥地面必要时可以改造、开掘，以营造新的空间条件。天花板横梁必要时可以悬挂一定重量的重物。专业灯光必须可以调节、重新定位。
美术馆往往是一个城市的文化名片，具有巨大的品牌效应，一直是国内外基金会和赞助机构、公司追捧的对象。美术馆的形象是一笔巨大的无形资产。美术馆的策展工作是其软件中的重要一环，是保持其形象、学术品位、文化影响力的重要基础。一旦展览质量、学术水准不到位，美术馆的形象建设则无从谈起。
当代美术馆既是一个社会与时俱进的思想前沿，又是一个追究文化问题、进行文化反省和批评的现场。美术馆自身学术形象是否鲜明，在于其独到的思想深度和独特的文化洞察力。而这一切又是通过规范化、专业化和个性化并重的制度建设来体现，其中以确立自身的学术架构为要务。
当下中国的一些开放城市，各种背景的中小型美术馆不断在浮出水面。2003年起，在上海，有上海多伦现代美术馆、上海当代艺术馆、上海证大现代艺术馆、徐汇艺术馆等相继成立：在北京，有今日美术馆、北京皇城艺术馆、尤伦斯艺术中心、宋庄美术馆等不断登场。其中，既有各级政府设立或间接支持的美术馆，也有诸多企业和私人创办的美术馆，也还有一些由外资作主要后盾的非赢利艺术空间。中小型美术馆的建筑物一个个如雨后春笋般盖起来了，但问题也接踵而至。如何维持、如何管理、如何运作就成了所有美术馆热情创立者们所必须面对的现实问题。其中的瓶颈往往是资金、管理团队和制度建设三大问题。
作为一个发展中国家的中小型美术馆，这种自我认识有助于中国的许多美术馆找到发展的方向和路径。继续按国际规范加强美术馆的专业性，使中国的现、当代美术馆在行政运作、展览策划、学术研究、典藏教育等方面与国际接轨，向国际优秀的美术馆规范化运作的水准看齐。同时，中国的现、当代美术馆必须确立自己的文化立场和态度，在本土文化建设和国际交流语境中形成独有的、不可替代的学术个性和学术地位，身段灵活地与本土社会互动，以历史的眼光建设打造一个真正有中国特色的国际文化平台。
中国新兴的美术馆策展机制
今天国内试图按国际惯例操作的美术馆，一般都实行正规化的策展人机制。设专业策展人，长年从事策展工作。美术馆的策展工作是日常性、持续性的。
美术馆的整体展览策划与管理机制是发展中国家在艺术行政管理的学科建设中的重点，是美术馆之为现、当代美术馆的核心要素之一。现、当代美术馆不是展览馆，自身场地的展览须有学术规划，规划须有学理思考和文化建设的思路。一年或多年的策展思路不同于单一展览的策展思路，必须有长远的文化战略眼光和思想理论建设的标杆。以量取胜，频繁展出，无助于展览水准的保持和提高。而且美术馆团队疲劳应战，美术馆资源过度开采和使用，也无助于自身的充电、调养、整顿提高。运筹帷幄，有张有弛，固然是美术馆展览科学规划、规范管理的要义。但更重要的是，在策展的学术架构中推进并提升展览，让展览独具建设性。以学术理性规划全年或多年的展览，让展览少而精，不断地减少展览数量、提高展览质量，不仅是美术馆策展规划的重要理念和长远思路，而且也是在相对艰难的条件下，许多发展中国家的现当代美术馆能够脱颖而出的不二法门。
美术馆的主流展览大致可分为自创展、合作展，引进展、交换展、征件展等几种。这样的分类便于策展人在行政操作实践中建构宏观思路和架构。经过梳理，针对不同类型的展览，采取一整套相应的应对机制和解决方案。美术馆展览的整体决策、管理思路一旦明晰，就能抓住重点，把握比重，精简具体的策展流程，提高效率。
美术馆的这几种展览都需要美术馆专业策展人不同程度的工作投入。策展人员必须制订全年展览计划。首先要策划原创展览，其次要审核合作、引进展览的申请报告，并负责实施所有展览。策展人员必须根据展览程序和国际惯例操作展览，包括签订协议、准备展览文案、全程落实展览布置和展览保持、人员接待和撤展。
自创展是指美术馆自己发起、组织、策划的学术性的原创展及具有一些其他功能特性的展览。这是美术馆确立自身学术个性的关键，美术馆必须重视的首要的创造性工作。自创展是一个推崇文化原创精神的美术馆的立馆之本，往往倾美术馆之力，把它们打造成美术馆全年展览的学术标杆和龙头。自创展一年至少应确定数个，数量可以逐年递升。也可以在两至三年之间发起一个重中之重、具备较大学术容量、但绝非国际双年展模式的展览。自创展必须有文化针对性，强调内容与形式的原创性。但强调典藏性、教育性、文献性等功能特性的自创展也是可以超乎常规，策划出新意，让美术馆成为当地社区文化生活乃至本土社会文化需求的一部分。自创展由美术馆自身的策展团队独立策划，是但凡国际著名美术馆走向成功、树立独特学术形象的必经之路。纽约的MoMA、PS1、新美术馆如此，巴黎的市立美术馆和东京宫如此，伦敦的泰特美术馆更是如此，泰特甚至有一个人数庞大的策展团队。
客席策展人制度也是一些美术馆营造自创展的有效补充。自创展邀请客席策展人譬如独立策展人、来自其他美术馆的策展人联合策划，或加盟策展团队，利在整合学术资源、开放多元视野、交换不同经验。只邀请客席策展人联合策展，同时又不邀请客席策展人独立、完全地策划美术馆自创展，是一些坚持主导立场的美术馆的学术机制。这样的美术馆往往十分注重自身的发言权和独立文化形象。
自创展完全由客席策展人策划，美术馆自身策展团队仅履行策展行政的配合和服务之职，是中国中小型美术馆强调艺术行政的一种常规打法，这种打法的诉求主要在于艺术的教育推广、典藏和社区服务。然而，致力于自身学术个性建构的美术馆，往往会慎用客席策展人以及完全由客席策展人策划的自创展。
引进展也是现代美术馆的常规展览之一。由于美术馆自身策展资源不足，引进其他美术馆的优秀展览和独立策展人策划的展览，仍不失为美术馆拓展并借力外部资源、学习并借鉴他者经验的一种方式。引进展分两种：被动引进，主动引进。
被动引进的展览俗称“接活”展，坐地观望，等待人家的展览项目打上门来，从中仔细选择质量、意义、价值超群的展览进行立项、磋商、谈判。条件成熟，即加以引进。这是发展中国家美术馆最常规、最有惰性的展览形式之一，是以往场租展的惯性延续。在操作上具有不稳定性。展览的质量、时段、策划与运作方式深受展览提供方制约。几乎每个追求卓越的专业性美术馆，都以不断削减这类展览项目为荣。以开放的、不拘一格的心态、面对全球艺术圈主动出击，遴选那种可以整体打包、移师再展的现行展览，整体移入，或精选其中一部分引进门来。这种引进展就与守株待兔的“接活”展有本质不同。这种引进展的规划由于出于主动，预设条件可以较高，挑选余地可以较大，合作的空间可以较宽，酝酿时间可以较长。在量力而行的前提下，首先可以锁定国际艺术社会和展览供求市场的高端。用“猎头”的方式在国际、国内争取学术资源和社会效益、经济效益俱优的展览
当下，中国国内的中小型美术馆安排引进展较多，有的美术馆往往全年要引进多次展览。在自创展资源不足的情形下，变主动为被动，主动引进优秀展览，是美术馆提升展览质量、确立文化建设价值取向的必要举措。
交换展是引进展的特殊方式。不仅引进，同时涉及输出。美术馆与国际上优秀的美术馆形成合作、展览交换的关系，可以用共同策划、两地交换展出的自创展进行交流，也可以在常规条件下直接交换各自的自创展。国内、国外的优秀美术馆都预设在交换合作的意向之内。交换展是不同美术馆资源和经验的互补，由此，一个新美术馆在自身提升、锻炼过程中可以大得裨益。但美术馆一旦成长起来，就会回避这类容易流于形式的学术交流。因此，一个中小型美术馆安排交换展，应着力加以递减。
征件展可以强调实验性和美术馆特色。美术馆拿出一定的空间上网征求展览提案。在一定时段内，召开美术馆策展部学术会议或艺术委员会成员的评审会，选出适合展出的优秀提案，由美术馆本着指导、支持、制约的原则辅助实施。征件展应该是一个发现、推举年轻策展人和艺术家的舞台。征件展的频率和预算应有所控制，中，J、型美术馆应以全年安排不超过六个为宜，展览预算积极寻求国内外基金会和民间赞助的支持。
巡回展可以是美术馆的自创展，在美术馆首展后出去巡回，也可以是引进展、交换展和征件展，在展出后到其他城市的美术馆或其他空间展出；也可以打包出口，到其他国家展出。巡回展既可以获得更大的文化影响力，也可以均摊展览成本、降低预算压力和资源浪费。当然美术馆作为展览原创单位的品牌行销，也会取得放大效果。巡回展必须视美术馆自身能力和馆外资源整合的能力而行，适合从一年作一次开始起跑，积累经验，再作发展。
展览的行政分类法特别有助于展览管理制度的建设。在统一管理的理念下，什么样的展览采取什么样的态度和立场来对待，配合什么样的处理方式，什么样的展览应该侧重，什么样的展览应该缩减，应该清清楚楚。方针既定，就要贯彻到制度层面的具体建设和执行。这样，策展管理才能有条不紊，井然有序。
中国首家现，当代美术馆的策展实践
2003年12月28日至今，作为中国首家政府背景的专业性当代美术馆，上海多伦现代美术馆(Shanghai Duolun MoMA)已成功运行五年多时间。五年多来，这家中小型美术馆硬件、软件建设初具特色。特别是由于一系列定位准确、文化针对性鲜明的当代艺术展览的举办，让美术馆获得了人气和广泛的社会影响。其中，美术馆自创的《打开天空》、《上海酷》等注重本土平台视觉文化建设的展览，推出的《两个亚洲、两个欧洲》、《无人之境》、《Hexa计划：闪现》等较高学术定位的国际展，在国际与国内艺术圈中备受瞩目，国际媒体《纽约时报》、《南华早报》和专业媒体《Art in America》、《Art Press》、《ArtNews》、《Artlink》等纷纷以专题多次报道了上海多伦现代美术馆的展览和学术倾向。这一系列以全球本土化模式举办的展览，通过本土社会视觉经验的不断刷新，致力于在纷繁复杂的艺术生态中，引导出塑造中国当代艺术主体性的全新语境。在国际视野中，上海多伦现代美术馆是中国自立、自为的一家成长中的小MoMA。在发展中国家的独特语境下，它不得不面对独创性、建设性乃至挑战性的美术馆工作。然而，它所打破的许多国内纪录，探索的许多前人未涉及的领域，都对中国其他中小型美术馆的制度建设具有启示意义。
既然上海多伦现代美术馆已经积累了五年多的经验，以分析、总结的方式看待美术馆自身的制度建设问题，从实际经验出发探讨完善中小型美术馆制度建设的可能性，不但是十分必要的，而且还可提供了许多可参考的经验。以“原创性、学术性、国际性”为办馆理念的上海多伦现代美术馆，在一年多的摸索中逐渐确立了以原创思想为文化目标、以原创展为主打展览的学术定位。从发展的角度看，这些有利条件、经验的积累可以视为美术馆推进自己，创立自己文化个性的前提。但是，如何用发展的眼光看问题，继续从美术馆的学术定位入手，调整在制度建设上的心理结构，确立一个可持续推进的、深具潜质的现代美术馆学术架构，是美术馆的当务之急。这也是上海多伦现代美术馆再次起跳，以卓越的文化建设形象真正跻身于世界美术馆之林的根本大计。
美术馆的制度建设中，自身学术架构的确立十分重要。就展览策划而言，上海多伦现代美术馆一反国内美术馆的常态，在开馆之初，率先设立总策展人职位和机制，并设策展部为美术馆的核心部门，就是重视策展在一个美术馆制度建设与学术架构中的重要性。通过策展的规范化管理，一个当代美术馆才能实现在中国社会转型期所不容替代的文化建构作用和不容推卸的文化反省角色，并由此体现出一种基于发展中国家之后发优势的文化原创的特色。
策展与媒体传播
中国当代美术馆的策展与媒体传播的互动机制，在美术馆公共推广、营销方面十分关键。原创层面的当代艺术，在生成方式上往往先拒绝商业性，仅仅依赖于传播存在。这是实验艺术能保持它的独立性、批判性和精神性的可能条件。实验艺术如果不传播，作用还是体现不出来，纸上和网络媒体的放大成为它传播的最重要方式，另一种方式是口口相传的“口碑”。恰当地处理好实验艺术与媒体的关系，实验艺术就有可能保存它的敏锐性与前瞻性。
公共传播一旦生效，美术馆动员社会赞助的号召力方能立竿见影，因此，美术馆推广、营销的这一市场环节往往在展览展出并传播之后发挥功效。公共推广、营销的成功应该是一系列优秀展览的结果，而不是动因。
当代艺术在中国国内的本土化进程中，除北京、上海以外，当代艺术也形成了对广州、深圳、南京、成都、重庆等几个媒体中心的依赖，在这几个非主流的信息传播中心，已经形成一种媒体惯性的行为力量。这种行为力量由港台地区开始，在国内得以实用，而且更加积极，更加主动。再就是，网络化的存在。以前在北京、上海做艺术活动才可能形成全国性乃至世界性的辐射。现在，把好的艺术活动在成都、南京、广州等地的美术馆或替代空间做，同样可以取得在北京、上海的效果。原因之一是当地媒体的主动参与，之二是通过网络的继续放大和媒体信息的自我克隆，自身繁殖，使当代艺术信息得到更多的传播。
美术馆的艺术展览在处理与媒体的关系上，有以下三个点：学术性批评：局限于艺术圈；报道式批评更有社会性和广泛性，尽量强调通俗易懂；媒体活动报道：兴奋热点在于新闻性，可能会造成对某个艺术事件的误导，但其对新闻的捕捉是最敏感的。在艺术策展时要考虑到这三个点，考虑到和大众的关系。
当代艺术活动的公众互动方式大体可以分几种：>中击型、灌输型和互动型。冲击型的当代艺术活动，如在一个公共空间里突然发生的行为艺术展，由于纸上和网络媒体的集团化操作，一下子辐射到全国上百家报纸。一个艺术行为，通过国内媒体竞相报道的方式进行传播，至少让公众知道有当代艺术这码事，有行为艺术这码事。他们可能会批评，但至少人们开始谈论当代艺术、行为艺术。在谈论过程中，当代艺术可以进行传递。
随着中国的社会发展，纯粹公的活动在总体艺术机会中的比例有所减少，社会力量对艺术的支持变得越来越重要。活跃的策展人往往主动在社会力量与艺术家之间、社会愿望与艺术行为之间起到沟通、融汇、整合的作用，而且通过有意识的筹资开源工作把规模越来越大的社会资金导入到艺术活动之中。筹集展览资金方面的经验和能力极大地提升了策展人在展览中的现实地位。2000年，中国艺术展览体制发生了重大的转变，所谓的策展人中心制在投资方、艺术家的多向选择中应运而生，成为新展览体制的核心。计划经济时代艺术体制的遗留物如展览组委会委员和主任、评委会委员和主任、秘书长等头衔，经济转型初期临时出现的艺术主持、艺术总监等职位统统被策展人的角色囊括、取代。除了展览的经营之外，展览筹办、运作的几乎所有权力和责任都高度集中到策展人身上。2000年之后的当代艺术实践表明，许多展览的主办单位不仅认同而且也接受了这种策展模式。
2003年，继上海双年展、成都双年展、广州三年展之后，拥有中国美术圈正统、主流话语权的北京国际艺术双年展也采纳了策展人机制，无疑是策展人制度在中国落地、生根、开花的一个缩影。
一、策展人
策展人的全部工作就是为艺术家的作品提供最优秀的展出条件。这是策展的原则和态度。具体来说，策展工作几乎包罗了展览中的万象。从确立展览主题、立项申报与预算论证、遴选艺术家到选择展览规模与形式、把握展场设计与布展工程、落实展览保持和作品安全，从撰写展览前言与学术主题阐述文本到主持展览的学术研讨，从编辑展览画册、作品导读、文献资料到展览推广、媒体、社会宣传工作，从展览资金的分配到总体负责艺术家材料费的审核与发放，甚至作品的包装、运输、保险、报关、仓储，都由策展人来承担并统筹。在策展人的服务意识中有一条准则，即艺术家是对的。首先要努力把艺术家异想天开的创意实现出来。
当代艺术事关原创，具有较为特殊的操作方式、游戏规则和价值观，有别于其他人文科学的学理逻辑，有别于当代社会其他领域约定俗成的法度和规则，有别于流行的价值观。策展的理论与实践都是为了让社会更多地认同当代艺术的操作方式、游戏规则和价值观。当代艺术的策展，指涉的是当下和未来的文化建构。所以，策展无小事，策展要求策展人适应一种事无巨细、周密细致的工作。大到让展览意义如何影响社会文化的发展进程，小到把一颗钉子如何准确地钉在墙面上，都是策展人所要关心和落实的事。一个展览是否有意义，关键是看它能否打造无愧于这个时代的卓越的精神产品。
在21世纪的中国，随着当代艺术本土化进程的不断深入，也对策展人提出更高的要求，对艺术家鲜活的艺术实践的及时了解、对视觉经验的丰富积累、对艺术动向的敏锐判断、对艺术问题的深入把握、对艺术社会内外各种规则的洞察都是策展人必备的素质。此外，筹集资金、商务谈判、艺术管理和学理思维的能力以及中英文的书面、口头表达与交流能力，也成为对一个当下国际艺术交流大环境中的本土策展人自然而然的要求。一个独立的策展人，就有条件成为一个务实敬业、实践中出真知的知识者。当代艺术的实验性，使策展人难以因循守旧，受限于既有的艺术标准和规则。策展人时时面对突发问题、不得不挑战的是自身极限。当代艺术的创新，就要求策展人不断打破审美定势，跳出路径依赖，摆脱思维惯性。策展人不得不将自己塑造成一个通才，需要将人文科学的各种知识、技能融会贯通，否则难以应对艺术家千差万别的艺术方案及其语境。只有不断超越自己，才有卓越。
二、中国的当代美术馆
当代美术馆一般是公立或私立的非营利机构，宗旨是推动国际和本地的现、当代艺术。国际上的当代美术馆大多采用“白盒子”模式，场地简单大方、朴实无华，简单要素就是白墙、水泥地、色彩低调的天花板、专业灯光。许多现、当代美术馆还打造一些挑高空间，以应对当代艺术多样化的实验特性。
其实在美术馆整体的运作规范中，这一切并不简单。白墙需要能钉上钉子挂画，需要每次展览以后重新粉刷、维护。水泥地面必要时可以改造、开掘，以营造新的空间条件。天花板横梁必要时可以悬挂一定重量的重物。专业灯光必须可以调节、重新定位。
美术馆往往是一个城市的文化名片，具有巨大的品牌效应，一直是国内外基金会和赞助机构、公司追捧的对象。美术馆的形象是一笔巨大的无形资产。美术馆的策展工作是其软件中的重要一环，是保持其形象、学术品位、文化影响力的重要基础。一旦展览质量、学术水准不到位，美术馆的形象建设则无从谈起。
当代美术馆既是一个社会与时俱进的思想前沿，又是一个追究文化问题、进行文化反省和批评的现场。美术馆自身学术形象是否鲜明，在于其独到的思想深度和独特的文化洞察力。而这一切又是通过规范化、专业化和个性化并重的制度建设来体现，其中以确立自身的学术架构为要务。
当下中国的一些开放城市，各种背景的中小型美术馆不断在浮出水面。2003年起，在上海，有上海多伦现代美术馆、上海当代艺术馆、上海证大现代艺术馆、徐汇艺术馆等相继成立：在北京，有今日美术馆、北京皇城艺术馆、尤伦斯艺术中心、宋庄美术馆等不断登场。其中，既有各级政府设立或间接支持的美术馆，也有诸多企业和私人创办的美术馆，也还有一些由外资作主要后盾的非赢利艺术空间。中小型美术馆的建筑物一个个如雨后春笋般盖起来了，但问题也接踵而至。如何维持、如何管理、如何运作就成了所有美术馆热情创立者们所必须面对的现实问题。其中的瓶颈往往是资金、管理团队和制度建设三大问题。
作为一个发展中国家的中小型美术馆，这种自我认识有助于中国的许多美术馆找到发展的方向和路径。继续按国际规范加强美术馆的专业性，使中国的现、当代美术馆在行政运作、展览策划、学术研究、典藏教育等方面与国际接轨，向国际优秀的美术馆规范化运作的水准看齐。同时，中国的现、当代美术馆必须确立自己的文化立场和态度，在本土文化建设和国际交流语境中形成独有的、不可替代的学术个性和学术地位，身段灵活地与本土社会互动，以历史的眼光建设打造一个真正有中国特色的国际文化平台。
三、中国新兴的美术馆策展机制
今天国内试图按国际惯例操作的美术馆，一般都实行正规化的策展人机制。设专业策展人，长年从事策展工作。美术馆的策展工作是日常性、持续性的。
美术馆的整体展览策划与管理机制是发展中国家在艺术行政管理的学科建设中的重点，是美术馆之为现、当代美术馆的核心要素之一。现、当代美术馆不是展览馆，自身场地的展览须有学术规划，规划须有学理思考和文化建设的思路。一年或多年的策展思路不同于单一展览的策展思路，必须有长远的文化战略眼光和思想理论建设的标杆。以量取胜，频繁展出，无助于展览水准的保持和提高。而且美术馆团队疲劳应战，美术馆资源过度开采和使用，也无助于自身的充电、调养、整顿提高。运筹帷幄，有张有弛，固然是美术馆展览科学规划、规范管理的要义。但更重要的是，在策展的学术架构中推进并提升展览，让展览独具建设性。以学术理性规划全年或多年的展览，让展览少而精，不断地减少展览数量、提高展览质量，不仅是美术馆策展规划的重要理念和长远思路，而且也是在相对艰难的条件下，许多发展中国家的现当代美术馆能够脱颖而出的不二法门。
美术馆的主流展览大致可分为自创展、合作展，引进展、交换展、征件展等几种。这样的分类便于策展人在行政操作实践中建构宏观思路和架构。经过梳理，针对不同类型的展览，采取一整套相应的应对机制和解决方案。美术馆展览的整体决策、管理思路一旦明晰，就能抓住重点，把握比重，精简具体的策展流程，提高效率。
美术馆的这几种展览都需要美术馆专业策展人不同程度的工作投入。策展人员必须制订全年展览计划。首先要策划原创展览，其次要审核合作、引进展览的申请报告，并负责实施所有展览。策展人员必须根据展览程序和国际惯例操作展览，包括签订协议、准备展览文案、全程落实展览布置和展览保持、人员接待和撤展。
自创展是指美术馆自己发起、组织、策划的学术性的原创展及具有一些其他功能特性的展览。这是美术馆确立自身学术个性的关键，美术馆必须重视的首要的创造性工作。自创展是一个推崇文化原创精神的美术馆的立馆之本，往往倾美术馆之力，把它们打造成美术馆全年展览的学术标杆和龙头。自创展一年至少应确定数个，数量可以逐年递升。也可以在两至三年之间发起一个重中之重、具备较大学术容量、但绝非国际双年展模式的展览。自创展必须有文化针对性，强调内容与形式的原创性。但强调典藏性、教育性、文献性等功能特性的自创展也是可以超乎常规，策划出新意，让美术馆成为当地社区文化生活乃至本土社会文化需求的一部分。自创展由美术馆自身的策展团队独立策划，是但凡国际著名美术馆走向成功、树立独特学术形象的必经之路。纽约的MoMA、PS1、新美术馆如此，巴黎的市立美术馆和东京宫如此，伦敦的泰特美术馆更是如此，泰特甚至有一个人数庞大的策展团队。
客席策展人制度也是一些美术馆营造自创展的有效补充。自创展邀请客席策展人譬如独立策展人、来自其他美术馆的策展人联合策划，或加盟策展团队，利在整合学术资源、开放多元视野、交换不同经验。只邀请客席策展人联合策展，同时又不邀请客席策展人独立、完全地策划美术馆自创展，是一些坚持主导立场的美术馆的学术机制。这样的美术馆往往十分注重自身的发言权和独立文化形象。
自创展完全由客席策展人策划，美术馆自身策展团队仅履行策展行政的配合和服务之职，是中国中小型美术馆强调艺术行政的一种常规打法，这种打法的诉求主要在于艺术的教育推广、典藏和社区服务。然而，致力于自身学术个性建构的美术馆，往往会慎用客席策展人以及完全由客席策展人策划的自创展。
引进展也是现代美术馆的常规展览之一。由于美术馆自身策展资源不足，引进其他美术馆的优秀展览和独立策展人策划的展览，仍不失为美术馆拓展并借力外部资源、学习并借鉴他者经验的一种方式。引进展分两种：被动引进，主动引进。
被动引进的展览俗称“接活”展，坐地观望，等待人家的展览项目打上门来，从中仔细选择质量、意义、价值超群的展览进行立项、磋商、谈判。条件成熟，即加以引进。这是发展中国家美术馆最常规、最有惰性的展览形式之一，是以往场租展的惯性延续。在操作上具有不稳定性。展览的质量、时段、策划与运作方式深受展览提供方制约。几乎每个追求卓越的专业性美术馆，都以不断削减这类展览项目为荣。以开放的、不拘一格的心态、面对全球艺术圈主动出击，遴选那种可以整体打包、移师再展的现行展览，整体移入，或精选其中一部分引进门来。这种引进展就与守株待兔的“接活”展有本质不同。这种引进展的规划由于出于主动，预设条件可以较高，挑选余地可以较大，合作的空间可以较宽，酝酿时间可以较长。在量力而行的前提下，首先可以锁定国际艺术社会和展览供求市场的高端。用“猎头”的方式在国际、国内争取学术资源和社会效益、经济效益俱优的展览
当下，中国国内的中小型美术馆安排引进展较多，有的美术馆往往全年要引进多次展览。在自创展资源不足的情形下，变主动为被动，主动引进优秀展览，是美术馆提升展览质量、确立文化建设价值取向的必要举措。
交换展是引进展的特殊方式。不仅引进，同时涉及输出。美术馆与国际上优秀的美术馆形成合作、展览交换的关系，可以用共同策划、两地交换展出的自创展进行交流，也可以在常规条件下直接交换各自的自创展。国内、国外的优秀美术馆都预设在交换合作的意向之内。交换展是不同美术馆资源和经验的互补，由此，一个新美术馆在自身提升、锻炼过程中可以大得裨益。但美术馆一旦成长起来，就会回避这类容易流于形式的学术交流。因此，一个中小型美术馆安排交换展，应着力加以递减。
征件展可以强调实验性和美术馆特色。美术馆拿出一定的空间上网征求展览提案。在一定时段内，召开美术馆策展部学术会议或艺术委员会成员的评审会，选出适合展出的优秀提案，由美术馆本着指导、支持、制约的原则辅助实施。征件展应该是一个发现、推举年轻策展人和艺术家的舞台。征件展的频率和预算应有所控制，中，J、型美术馆应以全年安排不超过六个为宜，展览预算积极寻求国内外基金会和民间赞助的支持。
巡回展可以是美术馆的自创展，在美术馆首展后出去巡回，也可以是引进展、交换展和征件展，在展出后到其他城市的美术馆或其他空间展出；也可以打包出口，到其他国家展出。巡回展既可以获得更大的文化影响力，也可以均摊展览成本、降低预算压力和资源浪费。当然美术馆作为展览原创单位的品牌行销，也会取得放大效果。巡回展必须视美术馆自身能力和馆外资源整合的能力而行，适合从一年作一次开始起跑，积累经验，再作发展。
展览的行政分类法特别有助于展览管理制度的建设。在统一管理的理念下，什么样的展览采取什么样的态度和立场来对待，配合什么样的处理方式，什么样的展览应该侧重，什么样的展览应该缩减，应该清清楚楚。方针既定，就要贯彻到制度层面的具体建设和执行。这样，策展管理才能有条不紊，井然有序。
四、中国首家现，当代美术馆的策展实践
2003年12月28日至今，作为中国首家政府背景的专业性当代美术馆，上海多伦现代美术馆(ShanghaiDuolunMoMA)已成功运行五年多时间。五年多来，这家中小型美术馆硬件、软件建设初具特色。特别是由于一系列定位准确、文化针对性鲜明的当代艺术展览的举办，让美术馆获得了人气和广泛的社会影响。其中，美术馆自创的《打开天空》、《上海酷》等注重本土平台视觉文化建设的展览，推出的《两个亚洲、两个欧洲》、《无人之境》、《Hexa计划：闪现》等较高学术定位的国际展，在国际与国内艺术圈中备受瞩目，国际媒体《纽约时报》、《南华早报》和专业媒体《ArtinAmerica》、《ArtPress》、《ArtNews》、《Artlink》等纷纷以专题多次报道了上海多伦现代美术馆的展览和学术倾向。这一系列以全球本土化模式举办的展览，通过本土社会视觉经验的不断刷新，致力于在纷繁复杂的艺术生态中，引导出塑造中国当代艺术主体性的全新语境。在国际视野中，上海多伦现代美术馆是中国自立、自为的一家成长中的小MoMA。在发展中国家的独特语境下，它不得不面对独创性、建设性乃至挑战性的美术馆工作。然而，它所打破的许多国内纪录，探索的许多前人未涉及的领域，都对中国其他中小型美术馆的制度建设具有启示意义。
既然上海多伦现代美术馆已经积累了五年多的经验，以分析、总结的方式看待美术馆自身的制度建设问题，从实际经验出发探讨完善中小型美术馆制度建设的可能性，不但是十分必要的，而且还可提供了许多可参考的经验。以“原创性、学术性、国际性”为办馆理念的上海多伦现代美术馆，在一年多的摸索中逐渐确立了以原创思想为文化目标、以原创展为主打展览的学术定位。从发展的角度看，这些有利条件、经验的积累可以视为美术馆推进自己，创立自己文化个性的前提。但是，如何用发展的眼光看问题，继续从美术馆的学术定位入手，调整在制度建设上的心理结构，确立一个可持续推进的、深具潜质的现代美术馆学术架构，是美术馆的当务之急。这也是上海多伦现代美术馆再次起跳，以卓越的文化建设形象真正跻身于世界美术馆之林的根本大计。
美术馆的制度建设中，自身学术架构的确立十分重要。就展览策划而言，上海多伦现代美术馆一反国内美术馆的常态，在开馆之初，率先设立总策展人职位和机制，并设策展部为美术馆的核心部门，就是重视策展在一个美术馆制度建设与学术架构中的重要性。通过策展的规范化管理，一个当代美术馆才能实现在中国社会转型期所不容替代的文化建构作用和不容推卸的文化反省角色，并由此体现出一种基于发展中国家之后发优势的文化原创的特色。
五、策展与媒体传播
中国当代美术馆的策展与媒体传播的互动机制，在美术馆公共推广、营销方面十分关键。原创层面的当代艺术，在生成方式上往往先拒绝商业性，仅仅依赖于传播存在。这是实验艺术能保持它的独立性、批判性和精神性的可能条件。实验艺术如果不传播，作用还是体现不出来，纸上和网络媒体的放大成为它传播的最重要方式，另一种方式是口口相传的“口碑”。恰当地处理好实验艺术与媒体的关系，实验艺术就有可能保存它的敏锐性与前瞻性。
公共传播一旦生效，美术馆动员社会赞助的号召力方能立竿见影，因此，美术馆推广、营销的这一市场环节往往在展览展出并传播之后发挥功效。公共推广、营销的成功应该是一系列优秀展览的结果，而不是动因。
当代艺术在中国国内的本土化进程中，除北京、上海以外，当代艺术也形成了对广州、深圳、南京、成都、重庆等几个媒体中心的依赖，在这几个非主流的信息传播中心，已经形成一种媒体惯性的行为力量。这种行为力量由港台地区开始，在国内得以实用，而且更加积极，更加主动。再就是，网络化的存在。以前在北京、上海做艺术活动才可能形成全国性乃至世界性的辐射。现在，把好的艺术活动在成都、南京、广州等地的美术馆或替代空间做，同样可以取得在北京、上海的效果。原因之一是当地媒体的主动参与，之二是通过网络的继续放大和媒体信息的自我克隆，自身繁殖，使当代艺术信息得到更多的传播。
美术馆的艺术展览在处理与媒体的关系上，有以下三个点：学术性批评：局限于艺术圈；报道式批评更有社会性和广泛性，尽量强调通俗易懂；媒体活动报道：兴奋热点在于新闻性，可能会造成对某个艺术事件的误导，但其对新闻的捕捉是最敏感的。在艺术策展时要考虑到这三个点，考虑到和大众的关系。
当代艺术活动的公众互动方式大体可以分几种：>中击型、灌输型和互动型。冲击型的当代艺术活动，如在一个公共空间里突然发生的行为艺术展，由于纸上和网络媒体的集团化操作，一下子辐射到全国上百家报纸。一个艺术行为，通过国内媒体竞相报道的方式进行传播，至少让公众知道有当代艺术这码事，有行为艺术这码事。他们可能会批评，但至少人们开始谈论当代艺术、行为艺术。在谈论过程中，当代艺术可以进行传递。
构建瑞典当代艺术的网络
将瑞典艺术“国际化”是Iaspis最重要的目标之一，因此这个机构在每年充裕的财政支持下不遗余力地在瑞典国外举行一系列的讲座、学术研讨会和展览。
每年， Iaspis会在瑞典国内赞助20多个公共艺术活动的展开，形式包括了放映会，与艺术家对话、讲座、工作室开放展览等，同时每年有超过20位艺术家通过Iaspis国际项目的申请，赴瑞典各地以及一些海外国家的数十个Iaspis工作室进行学习或驻地工作。虽然Iaspis的工作人员通常只有一个总监领衔，以及包括项目经理、协调人以及助理在内共7人，但数量众多的艺术活动和范围极广的驻地艺术项目仍旧让这个机构在瑞典当代艺术的国际化中扮演了重要角色。它织起的是一张庞大的当代艺术交流平台网。
跨国交流的门槛
Iaspis在其官方网站上详细列出了从1997年起，每年成功申请了Iaspis国际交流项目资助的艺术家名单，每年都有超过20位瑞典籍艺术家以及海外的策展人艺术家、设计师在通过Iaspis董事代表团的筛选后，获得了最低为3000瑞典克朗的资助，他们所涉及的项目类型包括：1）赴国外工作或学习；2）参加海外展览；3）赴瑞典进行国际性合作项目。Iaspis对于每个类型项目的资助范围都进行了明确的规范，例如赴海外工作或学习的个人，机构将资助其在此期间的出行、参会以及食宿费用，而在展览项目中，如果申请人参加的展览将由一位独立策展人来策划，那么Iaspis同时也会承担这位策展人的各种食宿及出行费用。
Iaspis非常愿意支持瑞典的艺术家跨出国门进行交流，同时也欢迎国外的艺术家来到瑞典进行为期3个月到一年不等的驻地工作。对于合格申请者的要求中，最为重要的一条就是考察申请人作品的质量以及其在艺术方面实践的成就，而且只有拥有瑞典永久居住权的人或是希望能够在瑞典开展艺术实践的申请者，才会可能成为最后的奖金获得者。
Iaspis的另一个“国际化”触角便是它在瑞典各地所设立的工作室以及与7个海外国家的艺术机构共同协议合作的工作室，其中瑞典国内拥有12个可供申请使用的工作室（有9个位于斯德哥尔摩），其他的8个分别位于墨西哥的墨西哥城、荷兰阿姆斯特丹、英国伦敦（2个工作室）、德国柏林、埃及开罗、美国纽约以及日本东京。海外申请者可以向Iaspis提交国际驻地艺术项目申请，在瑞典国内的12个工作室进行创作，而瑞典的艺术家则可以前往上述的几个海外工作室进行学习或工作，Iaspis将会提供工作室的使用费，一套配备有家具的公寓以及日常生活所需的费用。
Iaspis提供的丰厚资助，使得一些项目能够得以顺利开展并持续了相当长的一段时间。自2009年5月起，一项名为“Design Act”的项目就邀请了来自英国、美国、意大利、挪威等各国艺术家、设计师参与这个实验性的项目，来探索如何定义、呈现并研究关于设计或建筑模型的方法，而由这个项目催生出了一系列的网络档案以及公共活动，从而使“Design Act”成为了跨学科讨论、知识和经验交流的平台。这几年来，随着一系列的展览、国际性研讨会的开展，在“Design Act”中被保留下来的资料也编辑成册，被列入了Iaspis的档案库中。
公共项目及出版物发行
讲座、研讨会以及展览，这三种形式的活动成为了Iaspis传播瑞典艺术、设计、建筑及手工艺技术的重要途径，虽然艺术家的视角将会是策划这些活动的原始出发点，但其他参与者们也能在此场景下讨论有关与当期主题相关的当论和实践活动。
中图分类号：G6 文献标识码：A 文章编号：1674-098X（2016）11（a）-0130-02
大学英语作为全国高校的一门通识必修课，在大学课程体系中几乎涉及的学生来自非英语专业的各种专业，涉及人数众多。近年来，大学英语课程经历了很多的改革尝试，但目前没有哪种改革的成果得到普及。这说明大学英语的改革的很难有统一的模式。正因为大学英语公共课所涉及的专业很多，各专业之间的差别导致了学生们的对英语的需求不同。艺术体育类（简称艺体类）学生作为一个特殊的群体，其学生所学的专业不但具有特殊性，学生本身的个性化色彩也较鲜明，因此对艺体类学生的大学英语改革更要从其专业需求和学生个性特点出发，构建有特色的艺体类大学英语课程模式。
1 国际语言测试
语言测试在语言教学中起着非常重要的作用，现代语言测试已经进入到了交际语言测试时期，更着重语言的实际运用能力。语言的教学法往往和语言测试方式紧密相关，语言教学的成效往往在测试中的得以体现，而语言测试的模式往往是语言教学法的导向。因此，发展学生的语言实际应用能力成为当代外语教学的核心问题。
语言的交际能力在目标语言的语境里能够得到最佳的学习效果。在国际化语言测试体系中雅思和托福这两种考试在考察学生英语的运用能力方面具有较大的权威性。雅思托福测试听力、阅读、写作、口语模块的文章主要来源于国外较权威杂志、期刊、书籍、报纸，语料内容真实，文化背景强，贴近英语国家学生的学习、生活和休闲、风俗等。如果教师在教学中讲解词汇、习语中所体现的特殊文化背景，逐步引导学生理解语料所表达的深层文化蕴涵，雅思托福的测试材料也可以给学生了解英语国家文化、习得英语语言知识和习俗提供非常好的学习语境。
2 艺术体育类学生大学英语教学
艺术体育类学生是凭借自身的艺术和体育特长进入大学，他们入学的英语成绩大多不高。国家现今制定的《大学英语课程教学要求》没有对艺术体育生提出明确的大学英语教学目标。艺体类学生英语学习的目标既要符合他们的语言水平，同时也要满足他们的实际的专业需要，为将来他们的职业发展奠定基础。
艺术体育类专业特色明显，学生对英语需求不尽相同，但都离不开英语的听力，阅读，口语，写作几种能力。而且，艺术体育类专业有一个共同的特点，就是专业的国际化。在国际化的进程中，中国与世界各国有者越来越多的艺术和体育的交流。很多艺体类高校以及艺体类专业都与国外的大学建立了友好合作联系，旨在增加艺体类学生间的国际交流。在国际化的交流中，英语就是有效的交流工具，因此艺体类学生掌握英语的实际交际能力尤为重要。不能因为艺体生基础差就减轻对英语的重视，相反，应该从实际需求角度出发，提高艺体生的综合英语交际能力。
3 基于国际测试模式的艺体类大学英语课程构建
基于国际语言测试理念的大学英语课程改革在本校自2008年开始，在部分学生以自愿的方式实践，已经取得了显著地成效。每届学生在经过这种模式的大学英语课程后，听说读写等语言综合应用方面都有了明显提高，该项目还被列为全国教育科学“十二五”规划教育部重点课题。
但这项改革前期是在非艺术体育类本科生当中实践的，艺体类本科生从2016年第一学期才开始试行。艺体类大学生由于英语基础知识薄弱，不能照搬其他非艺体类专业课程模式。艺体类大学英语的课程设置必须基于学生实际的基础知识水平，从艺体类学生能够接受的水平进行初期的课程设置。但在设置课程时，我们可以借鉴雅思托福考试的模式，分听力、阅读、写作、口语4个科目进行，旨在提高学生的英语综合交际能力。
由该校美术学院主动申请，我们首次在美术学院生中开设基于托福雅思模式的大学英语课程。该校美术学院多个国际联合办学项目是他们提出主动申请开设课程的原因，也充分证明了艺体类专业对英语交际能力的迫切需求。我们采取自愿报名的方式选取了美术学院64名学生，涉及7个专业，学生在经过一个学期的学习后，如果感觉课程难度大无法适应，可选择自愿退出，在经历一个学期后，课程参与人数具体见表1。
从选择基于雅思模式的大学英语的专业分布看，绘画类专业人数相对较少，而艺术设计类学生偏多，由此可以看出学生的专业发展决定了他们对英语能力的需求。经过一个学期的学习后，只有3名同学申请退出课程学习，仅占总人数的4.69%，这说明艺体类学生可以适应并接受这种教学模式。
基于雅思模式的艺体类课程的设置重在提高学生的英语实际应用能力，课程初期节选相对简单的雅思语料，给学生提供真实的语境，丰富的文化背景，激发了学生的学习兴趣。
课程采取了分组学习的模式，小组完成课前教室布置的文化背景资料查询以及成员间互助的基础句法知识的学习。这种小组模式的自主学习模式，既能唤醒学生对不同文化的兴趣，进入接受、同化新信息的时缸刺；又能弥补艺体类学生在基础英语知识上的不足，同时还能培养学生的团队合作意识。
在课上，教师启发学生进一步深入的探究和概括文化现象，洞悉文化现象背后的文化观念的差异，同时教师还补充讲解词汇、习语引导学生逐步理解整篇文章以及文章所表达的深层文化蕴涵。
课后，鼓励学生就有关的文化问题讨论。这样既能让学生对不同的文化背景进行反思、对比差异，还能让学生加深对文章的理解。经过一个学期的学习学生反应良好，普遍在听说读写各方面有了提高，并且在这个课堂上基本看不到艺体类学生常有的迟到、睡觉等现象，旷课率几乎为零（病事假除外），这说明这项课程激发了学生学习英语的兴趣，提高了英语应用能力。
在该校，初期的基于国际语言测试理念的大学艺体类英语课程已经构建并取得了初步的成功。当然，由于课程构建时间较短，还无法取得比较直观的学生权威语言测试成绩，这有待于进一步跟踪调查和统计。但从目前的课堂反应看，这项课程极大的激发了艺体类大学英语的学习兴趣，系统而全面地提高了艺体类英语应用能力。基于国际化语言测试理念的艺体类大学英语课程值得我们在其他艺体类专业和其他艺体类院校中尝试。
参考文献
[1] 孙南南.国际语言测试视阈下的自主探究特色培养模式研究[J].沈阳师范大学学报：社会科学版，2013（1）：96-98.
一、公共艺术对环境雕塑及课程的要求
公共艺术的引入往往都与城市绑定在一起，现代设计要求公共艺术有着很强的观念属性，而不是样式属性。这就给公共艺术造就了一个包容、创新、承载的基本内涵，当艺术与设计遭遇了公共性问题一切变得文化意味更强，传播意味浓厚。
（一）公共艺术是一种思维方式
当公共艺术成为一个名词出现在学界的时候就引起了广泛思考，众多专业领域的学者都用自己视角进行了较深入的研究，研究主要集中在公共性、民主性、大众的参与性、创新性等理论层面，但是很多人都会用传统的思维去不断提出问题，探究公共艺术到底是什么？具体的形式又是什么？如何界定？等等一系列的问题。笔者认为公共艺术是一种观念性的思维，通俗说它的表现形式涵盖了多种传统的表现方式，只不过是赋予了这些传统方式以公共性的思维，因此公共艺术实际就是一种思维方式。
（二）公共艺术是承载地域文化的高级文化形式
环境雕塑要成为公共艺术的样式之一，就必须在设计过程中深刻挖掘地域文化，其形式与内容都必须有着较强的文化传播性。这就要求在环境雕塑课程教学中要有广泛的社会调查和设计要素的严谨结合才能够满足要求，学生必须掌握大量的各类资料，有着整理分析、精确定位、设计创新、文化承载、形式感易于接受等要求下进行设计。
（三）公共艺术明显缩短大众参与艺术的距离感
大众的参与性是公共艺术出现的一个较强的特征，有人也说公共艺术是将艺术还原给了大众，将大师带到平民中的一个过程。这就要求每件公共艺术作品都要缩短与大众的距离，让大众都能参与进来。环境雕塑作为公共艺术的形式之一，多数会出现的公园、广场、绿地等公共空间中，有着天然的亲切感。这就要求学生在设计过程中一定要充分利用环境雕塑多材质，多表现形式因素进行设计。要求学生能够思维面宽、创新性强。教学中应当不断启发和讨论，必须师生在平等的思维下、民主的环境里共同面对课题。
（四）公共艺术强化设计创新性
公共艺术强调创新，只有创新才能不断发展，强化设计也是时展的必然，公共艺术作为环境设计的前沿，更强调有承载的创新设计。这就要求课堂过程中要有争论，要有民主，要有头脑风暴。环境雕塑遭遇到公共艺术就必须按照公共艺术的观念性思维去不断完善自己，教学过程也应当不断适应这些新的要求去改变课堂的状况来培养人才。
二、公共艺术专业下环境雕塑教学方法的改革
（一）课堂教学“课题”制更新题目
在课堂教学中引入“课题”，这就是选题，它可以是一个也可以是几个。课堂基本理论知识讲授结束后，让“课题”研究成为学生在这段时间的主要内容，而这样“课题”的选择应当是教研室教师研究的结果，通常采用社会上公开的、未过期的设计大赛征稿。这种题目往往是最新的，能够代表当时社会最前沿的东西，学生往往对这样的题目具有浓厚的兴趣。“课题”的引入将第一时间激发出学生的学习兴趣，他们渴望将自己在课堂上所学到的知识第一时间有所指向地用到实际设计中去，有着相当明确的学习目的。教师也可以通过这样的实例让空洞的教学具体化，拉近与学生之间的距离，成为一起解决问题的伙伴、学长。这样在教学的过程中有着明显的民主气氛，有利于更多的设计创新思想参与。这样的社会征稿往往带有明确的时间要求，将课堂界限完全打破而投入到设计中。征稿往往有奖金、证书等奖励性的刺激更能给学生带来兴趣，激发设计热情形成良性的循环。
（二）课堂讨论“答辩”制激发创造力，同时采用民主教学
当课题明确后迅速地展开设计，按照设计的程序与方法，感知―调查―初步―深化等过程都需要在民主的条件下进行。在“感知”题目过程中要查找相关一手资料，掌握被设计题目更多的设计背景资料，就有可能找到很多的设计素材。安排每名学生将收集到的设计素材条理分析清晰，做成PPT进行答辩式的讲解，最后将几个将要采用的设计点或设计方向做详细说明。课堂中每一个学生都能提问，都是答辩评委，在这样交互中不断深入设计想法，就能够调动每一个学生的积极参与性。教师在适当的时候给予引导，这样的“答辩”能够最大限度地激发创造力，也在民主的气氛中完成了设计“头脑风暴”，为设计大方向的定位确立牢靠的基础。在初步设计到深化设计过程中也都要采用“答辩”与“讨论”式的方法，但这里面交流的内容也随之改变，在感知过程中的大方向定位不会出现大问题的时候，初步设计与深化设计中的具体细节问题与技术问题细节成为了讨论的主要方面，这是一个艺术、技术互相融合过程，也是学生之间互相学习的过程，这个过程往往是以答辩的形式开始，最终以讨论的形式结束。这是我们课堂中少有的学习积极性，取长补短、教学相长的目的实现在这样的教学氛围里面。这样的教学方式可以动员全班学生的思维热情，课堂就能够迅速活跃起来，从以往的单独靠教师去启发转变成，互相启发，被动思维变成主动思维。
（三）成果标准“投稿”制，校内外互动学习
当设计成果在这样一轮大讨论、大风暴的教学中诞生的时候，这就是一个年轻设计师成熟的方案。推举出几个最优秀的设计方案，按照“课题”要求的时间、文字和板式的要求进行投稿。在这样的设计过程最后，学生能够基本掌握参与这样实际题目设计全过程，收获将不仅仅是一些空洞的理论知识。在投稿后还有一个大赛后续的学习过程，组委会往往要公布获奖方案，投稿设计无论是否中标，学生都能在中标方案中找到课堂中前几个阶段的影子，例如定位的准确性，形式感的采用，材质的表现，等等，这种再学习的过程学生们学到的东西就更为丰富，是一个分析差距，再次获得动力的源泉。如果有幸中标将在学生中产生巨大的榜样作用，带动的不仅仅是一个班级的学习氛围，也能为学校赢得社会的尊重。
公共艺术的引入往往都与城市绑定在一起,现代设计要求公共艺术有着很强的观念属性,而不是样式属性。这就给公共艺术造就了一个包容、创新、承载的基本内涵,当艺术与设计遭遇了公共性问题一切变得文化意味更强,传播意味浓厚。
(一)公共艺术是一种思维方式
当公共艺术成为一个名词出现在学界的时候就引起了广泛思考,众多专业领域的学者都用自己视角进行了较深入的研究,研究主要集中在公共性、民主性、大众的参与性、创新性等理论层面,但是很多人都会用传统的思维去不断提出问题,探究公共艺术到底是什么?具体的形式又是什么?如何界定?等等一系列的问题。笔者认为公共艺术是一种观念性的思维,通俗说它的表现形式涵盖了多种传统的表现方式,只不过是赋予了这些传统方式以公共性的思维,因此公共艺术实际就是一种思维方式。
(二)公共艺术是承载地域文化的高级文化形式
环境雕塑要成为公共艺术的样式之一,就必须在设计过程中深刻挖掘地域文化,其形式与内容都必须有着较强的文化传播性。这就要求在环境雕塑课程教学中要有广泛的社会调查和设计要素的严谨结合才能够满足要求,学生必须掌握大量的各类资料,有着整理分析、精确定位、设计创新、文化承载、形式感易于接受等要求下进行设计。
(三)公共艺术明显缩短大众参与艺术的距离感
大众的参与性是公共艺术出现的一个较强的特征,有人也说公共艺术是将艺术还原给了大众,将大师带到平民中的一个过程。这就要求每件公共艺术作品都要缩短与大众的距离,让大众都能参与进来。环境雕塑作为公共艺术的形式之一,多数会出现的公园、广场、绿地等公共空间中,有着天然的亲切感。这就要求学生在设计过程中一定要充分利用环境雕塑多材质,多表现形式因素进行设计。要求学生能够思维面宽、创新性强。教学中应当不断启发和讨论,必须师生在平等的思维下、民主的环境里共同面对课题。
(四)公共艺术强化设计创新性
公共艺术强调创新,只有创新才能不断发展,强化设计也是时展的必然,公共艺术作为环境设计的前沿,更强调有承载的创新设计。这就要求课堂过程中要有争论,要有民主,要有头脑风暴。环境雕塑遭遇到公共艺术就必须按照公共艺术的观念性思维去不断完善自己,教学过程也应当不断适应这些新的要求去改变课堂的状况来培养人才。
二、公共艺术专业下环境雕塑教学方法的改革
(一)课堂教学“课题”制更新题目
在课堂教学中引入“课题”,这就是选题,它可以是一个也可以是几个。课堂基本理论知识讲授结束后,让“课题”研究成为学生在这段时间的主要内容,而这样“课题”的选择应当是教研室教师研究的结果,通常采用社会上公开的、未过期的设计大赛征稿。这种题目往往是最新的,能够代表当时社会最前沿的东西,学生往往对这样的题目具有浓厚的兴趣。“课题”的引入将第一时间激发出学生的学习兴趣,他们渴望将自己在课堂上所学到的知识第一时间有所指向地用到实际设计中去,有着相当明确的学习目的。教师也可以通过这样的实例让空洞的教学具体化,拉近与学生之间的距离,成为一起解决问题的伙伴、学长。这样在教学的过程中有着明显的民主气氛,有利于更多的设计创新思想参与。这样的社会征稿往往带有明确的时间要求,将课堂界限完全打破而投入到设计中。征稿往往有奖金、证书等奖励性的刺激更能给学生带来兴趣,激发设计热情形成良性的循环。> (二)课堂讨论“答辩”制激发创造力,同时采用民主教学
当课题明确后迅速地展开设计,按照设计的程序与方法,感知-调查-初步-深化等过程都需要在民主的条件下进行。在“感知”题目过程中要查找相关一手资料,掌握被设计题目更多的设计背景资料,就有可能找到很多的设计素材。安排每名学生将收集到的设计素材条理分析清晰,做成PPT进行答辩式的讲解,最后将几个将要采用的设计点或设计方向做详细说明。课堂中每一个学生都能提问,都是答辩评委,在这样交互中不断深入设计想法,就能够调动每一个学生的积极参与性。教师在适当的时候给予引导,这样的“答辩”能够最大限度地激发创造力,也在民主的气氛中完成了设计“头脑风暴”,为设计大方向的定位确立牢靠的基础。在初步设计到深化设计过程中也都要采用“答辩”与“讨论”式的方法,但这里面交流的内容也随之改变,在感知过程中的大方向定位不会出现大问题的时候,初步设计与深化设计中的具体细节问题与技术问题细节成为了讨论的主要方面,这是一个艺术、技术互相融合过程,也是学生之间互相学习的过程,这个过程往往是以答辩的形式开始,最终以讨论的形式结束。这是我们课堂中少有的学习积极性,取长补短、教学相长的目的实现在这样的教学氛围里面。这样的教学方式可以动员全班学生的思维热情,课堂就能够迅速活跃起来,从以往的单独靠教师去启发转变成,互相启发,被动思维变成主动思维。
(三)成果标准“投稿”制,校内外互动学习
当设计成果在这样一轮大讨论、大风暴的教学中诞生的时候,这就是一个年轻设计师成熟的方案。推举出几个最优秀的设计方案,按照“课题”要求的时间、文字和板式的要求进行投稿。在这样的设计过程最后,学生能够基本掌握参与这样实际题目设计全过程,收获将不仅仅是一些空洞的理论知识。在投稿后还有一个大赛后续的学习过程,组委会往往要公布获奖方案,投稿设计无论是否中标,学生都能在中标方案中找到课堂中前几个阶段的影子,例如定位的准确性,形式感的采用,材质的表现,等等,这种再学习的过程学生们学到的东西就更为丰富,是一个分析差距,再次获得动力的源泉。如果有幸中标将在学生中产生巨大的榜样作用,带动的不仅仅是一个班级的学习氛围,也能为学校赢得社会的尊重。
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中图分类号：J0 文献标志码：A 文章编号：1008-2832（2016）04-0130-03
一、引言
在艺术设计类教学的实际培养中，大多数高校的艺术设计类专业教育仍旧是传统的学科式教学模式，缺乏教学策略的运用及必要的工程实践指导。在艺术设计领域，面对激烈的竞争压力，这些未来的艺术设计从业者必须具备较强的自主创新和工程实践能力，才能满足市场需求，在竞争中取得一席之地。E-Learning是英文electronic-Learning的缩写，从字面上可以理解为电子化学习、数字化学习或网络化学习。E-Learning这种基于多媒体网络技术的学习方式能够弥补传统教学手段的缺点，给学生提供宽广的、富有创意的学习空间，有效地促进了传统被动式学习观向主动式学习观的转变。
在现代媒体环境下，通过E-Learning教学模式结合CDIO工程教育理念，可以将艺术设计类课程教与学的功效进一步提高。CDIO工程教育模式是近年来国际工程教育改革的最新成果。其经由美国麻省理工学院和瑞典皇家工学院等四所大学经过四年研究探索创立形成。CDIO代表构思（Conceive）、设计（Design）、实施（Implement）、运行（Operate），其继承和发展了欧美20多年以来的工程教育改革的理念，提出了系统的能力培养、全面的实施指导以及实施过程和结果检验标准，以现代工业产品从构思、设计、实现、运行的全过程为载体，使学生能够主动的、实践的进行艺术设计类课程的学习，为高等院校培养艺术设计专业领域实践创新人才提供了指南和实施方向。
二、E-learning教学模式的优势
与传统教学模式相比，E-learning的特点主要表现在时间的终身化、空间的网络化、主体的个性化、内容的整合化及交往的平等化。E-learning整合了多媒体教学、远程教学及虚拟教学等多种教学模式，不仅为培养学生的创造能力、创新精神和信息素养提供了良好条件，也为创造思维培养提供了有利的创造性环境。这种全新的教学模式与同传统局限于课堂的教学方式相比，存在以四大下优势，是对传统的艺术设计教学结构和教学模式的巨大变革：
（一）教学资源的网络化
众所周知，网络是开放的系统，拥有丰富的教学资源，这对艺术设计专业的学生来说尤其重要。学生可以通过网络获取图、文、声、像兼备的教学资源。例如，多媒体视频技术和音频技术，可以达到影视设计方向学生对声像显示效果的要求；多媒体计算机的交互性可以满足网站设计课程对交互实践的需求。在开放的学习资源中，有直接针对艺术设计教育的创造思维培养内容，也有与艺术设计学科紧密相关，同时蕴涵创新思维启发的内容。丰富的网络资源对于开阔艺术设计类学生视野，积累丰富的素材空间也具有重要作用。
（二）教学资源的即时性
在艺术设计教学领域，教学资源的时效性尤为重要，设计作品或产品需实时体现本设计领域新潮流、新动向，能够解决行业内的新问题、新情况。通过E-learning教学模式可以将“时效性资源”进行开发和整合，使教学更具时代性和时效性，多途径促进学生创造思维的增长，且与时俱进。
（三）相对自由的学习模式
相对于传统的教学模式，学生企盼着适合他们需求的学习时间表和解决方案。而网络作为教学的工具、媒介可以突破时间、地域的限制，使学生可以方便地在任意时间、地点随时接入课程更有效率的进行学习。另外，从宏观的角度来说，这种自由的学习模式也可以节约资源，扩大教育覆盖层面。
（四）群体协作的学习模式
E-learning能更加方便教与学很多方面活动的展开，包括课程更新、小组讨论、同伴协作、师生接触等。学习共同体（LearningCommunity）是学生根据特定的学习目的，在沟通、交流，分享资源的过程中，共同完成学习任务的载体。在E-learning环境中，这种学习共同体对创造思维教学具有重要意义。其既可以强化学生的社会功能，满足学习者在团体中的自尊心和归属感，又可以引导资源信息交流，使学习者在团体中与团队成员积极进行交流和合作。
三、基于CDIO的E-learning艺术设计课程一体化设计
（一）模块化的理论课授课体系
CDIO模块化教学是高等教育出现的一种全新的教学模式，它改变了传统的学科式独立教学模式，教师可自主将几门学科的专业理论知识及实际操作技能融合，以实践项目为载体进行模块划分，保证每一个实践项目包含其相关的、可作为支撑的专业理论知识和实际操作技能模块。结合E-learning平台，可以将理论课程更好的模块化，该授课体系的构建可以使理论专业知识紧密联系实际，从而达到学以致用的目的，并从根本上解决艺术设计专业教学中理论与实际脱离的现实问题，真正提高了学生的学习效率及学习效果。艺术设计专业可以将所有的专业课程分为两大类：技能掌握类与设计理念类。其中，技能掌握类课程往往占比较大，且是课程改革的重点。因此，本文以技能掌握类课程界面设计的E-learning学习为例，将课程的理论知识分解为模块如表1所示。
（二）项目驱动的实践教学环节设计
艺术设计专业的学习内容是多学科综合知识的集结。因此，常规的课堂教学模式往往无法满足实际教学需求，借助E-learning平台进行远程虚拟研讨、在线指导能构建实践教学的真实环境，是对艺术设计面对面教学的一项有效的补充。二者融合的实践教学环节对于艺术设计专业人才培养的影响十分重要。根据CDIO工程教育理念，可以就艺术设计课程实践内容方面进行探索与重新设计，在课堂教学中与企业接轨引入真实项目需求。此外，教学所有的项目均为团队合作项目。整个过程应明确团队负责人和团队成员的具体分工，并保证基本资源的提供以便设计顺利开展。设计团队在项目进行的过程中可借助网络资源学习、探索并综合运用实践知识，学习基本项目组织、管理能力，积极沟通交流锻炼团队精神，进而全面提升艺术设计工程实践能力（表2）。
其中，TM（1.1）和TM（3.1）分别表示教师教授，和实践教学。HT为提交项目成果物，ODT为提交项目作品并答辩。
（三）任务驱动的习题环节设计
习题设计是项目设计的有效补充，能及时检验学生对已完成课程各个知识点的掌握程度。本文提出了任务驱动的习题实践环节设置。即针对特定的习题课程，教师根据习题课内容事先布置任务。CDIO理念强调团队工作和交流，过程中可以通过Presentation的方式鼓励学生将自己和本小组的解题思路与别人通过E-learning平台分享，从而也锻炼学生的沟通与表达能力。CDIO工程教育理念就是要以此全过程为载体培养学生的工程能力，这里不仅包括学科知识，也包括学生的个人能力、人际交流能力和产品建造及过程把控能力。以项目设计为主线，完整的、有衔接的贯穿于整个艺术设计本科教学阶段，可以使学生系统地得到构思、设计、实现、运作的整体训练。通过项目设计可以将整个课程体系有机的、系统的结合起来。
（四）基于过程评价的考核体系设计
课程考核改革的创新点在于将传统的理论考核变为形成性考核和终结性考核两个环节。其中，日常考核和阶段考核隶属于形成性考核，期末考核隶属于终结性考核。通过对整体学习过程的综合评价，实现培养学生设计实践能力和理论应用能力的最终目标。
1.形成性考核
形成性考核包括日常考核和阶段考核两部分。
日常考核主要通过考核学生的课堂表现情况来考察学生的学习态度和效果。例如通过学生在口头演讲和团队协作等特定任务中表现情况，评估学生对信息的理解接收能力和观点的表达能力。在这一过程中教师根据学生课堂表现情况记录成绩，未来作为总评成绩的一部分。在这一过程中不仅提高了学生表达能力、协作能力，更激发了学生的创新思维和创造力。
阶段考核主要考察学生实践课的表现情况和实践成果物完成情况。考核内容主要是对阶段实践成果物完成情况的评估。考核时间随实践课进行。每一阶段实践课结束，授课教师对学生实践成果物以及实践报告给予评定，并在教学手册上记载成绩。在这一过程中学生已具备基础理论知识，但会遇到一些实际的困难或问题，此时教师需适时的给予指导。
2.终结性考核
期末考核主要考察学生对艺术设计课程综合理解和知识的掌握。考核内容为本课程整个理论学期的所有授课内容。考核形式为提交项目成果物并做多媒体演讲（Presentation）。在这一阶段，学生将在整个系统的构思-设计-实施-运行过程中发挥自己作用，进行有效的工程实践。
据调查，我国的职业艺术教育发展已有近百年的历史，目前已逐步构建起新世纪职业艺术教育的体系。职业艺术教育事业的发展为现代社会的发展奠定了坚实基础，也为经济的发展提供服务能力。广西地区艺术技能教育相对滞后，致使该地区的职业艺术发展受到限制，主要存在以下几大方面的问题。
（一）经费投入短缺由于经费投入短缺，致使广西地区的职业艺术教育发展比较缓慢，校舍、实验室、工作室等硬件环境亟待更新，必须引导社会各界加大对职业教育的资金投入。
（二）师资力量薄弱职业艺术教育类教师多数是普通高等院校本科毕业后直接从事教育工作的,高学历高资历的人才较少，年龄结构趋于年轻化。他们基本具有较强的系统理论知识,但实际动手操作能力不强，且与社会企业脱节。在高职高专的艺术教育中，缺乏既具有学历又具有实践经验的复合型人才。
（三）教育理念落后，教育体系杂乱无章职业艺术设计的性质要求培养出具有高素质、高能力的学生，包括其艺术和美学的素质以及各种专业技能融为一体的综合素养。目前广西职业艺术教育存在观念意识落后、闭门造车、孤芳自赏等问题。课程设置方面实践环节课时较少，且具体实践的内容没有落在实处。学生往往眼高手低，力不从心。在教学体系方面仍然沿袭普通美术教学或工艺美术类的教学系统，其职业艺术设计教学还处于初级探索阶段。
（四）课程设置单一广西职业艺术设计教育课程仍然沿袭专业美术院校的传统设置模式，以基础课为重点，缺乏职业技能教育特色；对培养学生实际动手能力和创新创业能力做得不够；基础课和专业课之间缺乏合理的过渡和科学的衔接；课程和教材的选定与社会的发展有些脱节；毕业生中部分存在专业功底薄弱、职业技能不强等现象。这些都促使我们必须对原有的课程模式进行改革。
二、泛北部湾经济区域合作对广西职业人才的新要求
2006年3月，广西北部湾经济区规划建设管理委员会正式挂牌运作，标志着广西经济发展进入了一个新时期。2006年7月，中国—东盟“一轴两翼”战略构想，海上经济合作、陆上经济合作、湄公河流域合作这个战略的提出，将会进一步推动中国—东盟自由贸易区的建设。而由于泛北部湾区域经济合作的开展，广西在东盟自由贸易区中占有得天独厚的地理位置。一是广西连接中国内地与东盟的两大板块，起着桥梁作用；二是广西依靠中国内陆，面向东南亚诸多国家，是东南亚和中国连接的首要地区；三是广西是中国与东盟唯一水陆相连的省区，既拥有通往中南半岛便捷的陆上通道，又拥有通往东盟各国的诸多港口，跟东南亚大多数国家之间的陆路、水路、航空线路都是最短的。近年来，广西与东南亚各国在东盟经济合作的推动下，与东南亚各国在政治、经济交流加强的同时，文化交流也日益频繁，包括科学、技术、文学、艺术、体育等。广西俗称中国的第三大侨乡，云集二百多万华侨华人，其中广西许多民族与东南亚多个国家多个民族有着亲缘关系，生活习惯比较接近，语言交流也较方便。尤其是汉语在东南亚诸多国家不断升温，学好汉语成为东南亚国家人民的一项技能、找好工作的优先条件。因此，我国在职业教育方面与东南亚国家院校的相互往来更加密切。由于泛北部湾经济区合作，促进了东盟诸多国家与广西地区的经济、社会、文化、技术和科学等领域的合作与相互支援，并在教育、职业、技术及行政训练和研究设施方面加强了交流，在此背景下，广西经济发展速度较快，人们受教育意识逐步增强。借着泛北部湾经济区开放开发的东风，广西全区诸职业院校与东盟各院校教育交流将越来越频繁。在双方院校交流与合作中，促使广西地区的职业艺术设计教育进行新的思考。
三、新时代广西职业艺术教育新要求
（一）整合教育资源、创建国际化职业教育新领域随着东盟区域的经济发展不断深化，广西职业艺术教育也必须以高水准的职业技能人才培养标准来要求自己，逐步与国际化教育理念接轨。广西作为中国—东盟自由贸易区博览会的永久举办地，在区位上有着明显的优势。自从与东南亚国家建立经济自由贸易区和高等教育国际化以来，广西高校与东盟国家建立了互通平台，应整合不同国家的教学资源，建立互惠互利的合作办学模式，引进国际化教育新理念，提高学生的国际化视野，使学生学会如何去规划自己的职业生涯。国际合作提供了多样灵活的教学模式，为职业教育改革发展奠定了基础。对东盟国家和广西区学生进行互换生教育，实行学分和学历学位的互相认证，互派师生访问学习，增强国际意识思维。要学习东盟十国的不同民族艺术文化，了解不同国家的教育特色，博采众长，以培养国际型职业艺术人才。同时职业艺术教育的国际化也必将对实现广西区域经济发展发挥重要作用。广西地区的教学环境与发达地区相比封闭很多。校内师生交流很少，校外校企结合更少，国际范围内校际交流更是有限。目前，现代职业艺术设计教育的办学规模不断扩大，办学层次逐渐提高，但是深受诸多纯艺术院校、综合类大学艺术专业模式的影响。现在广西与东南亚国家艺术院校的交流来往日益密切，职业艺术院校应该积极与之交流观念、探讨教育理念和教学方法，改进教学手段，并结合当地的经济环境,建立起具有自我特色的艺术设计教育体系,培养市场需要的现代设计人才。依托与东盟博览会这个契机，把东盟各国家的优势教育项目引入广西高校，打造广西职业艺术教育国际化品牌形象。要不断吸纳东盟各国留学生到广西学习，促进广西职业艺术人才与东盟各国学生的多元化学习，提升学生的综合能力，并能更好地服务于广西的经济建设，同时也可提升地方大学的国际化水平和竞争力。
（二）创新教学方法，培养学生的创造性思维现代职业艺术教育的主旨是培养具有现代意识、现代科学技术能力和现代思维模式的创造性人才。就设计教育来说，在建立泛北部湾经济区的新形势下，倡导“术业有专攻”的教学新观念，改变传统工艺美术教学的“广种薄收”式的教学方式。要建立以理论结合技能为宗旨和特征的综合教学方式，使职业艺术教育类的学生“学有所长，技有所专”，成为时代所需的新技术型人才。职业艺术教育是在启发式和开放式的教学环境下进行的。启发式教学主要依照教学大纲和计划目标，在教学中通过多种授课手法开启学生的思维机制，以理论讲授和多媒体辅助讲解的教学方式，调动学生的积极性，通过图片、视频和示范范例进行客观现象的分析研究，针对该现象提出问题，以小组讨论或查询资料的方式给学生充足的时间和充分的空间进行思考，极大地发挥学生的想象力和创造力，提出多种解决问题的方法以供参考。比起传统的“填鸭式”教学方法，更适用于多种理论结合实践的课程（基础专业课、专业技能课以及毕业设计），能更有效地提高教学质量。“启发式”与“开放式”的教学方式培养出的学生不仅具有较高的理论素养，还具备较强的实践技能。该教学方法能很好地树立起学生的现代设计意识，通过与企业、社会和市场的结合教学，可改变学生闭门造车的狭隘设计思想，既增加学生的自信心，也能培养学生的集体意识，增强学生相互协作能力和动手能力。因此，不仅可以为企业减轻负担，还可创造直接的经济效益。#p#分页标题#e#
